// ═══════════════════════════════════════════════════════════════ // RINTANA — DATA (auto-generated) // AUTO-GENERATED by scripts/gen-data.mjs — DO NOT EDIT BY HAND. // Edit MDX in src/content/ and run `npm run gen`. // ═══════════════════════════════════════════════════════════════ // ─── CRITICAS (todas las críticas publicadas) ───────────── const CRITICAS_RAW = [ { "slug": "2024-civil-war", "title": "¿Y Guerra civil, qué es?", "film": { "title": "Civil War", "director": [ "Alex Garland" ], "year": 2024, "country": [ "US", "GB" ], "runtime": 109, "color": "color" }, "rating": 7, "published": "2024-04-19", "tags": [ "garland", "guerra", "periodismo", "ciencia-ficcion", "thriller", "drama", "accion" ], "series": [ "vamos-viendo" ], "cover": "/fotogramas/guerra-civil-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/civil-war-poster.jpg", "excerpt": "Alex Garland difiere bastante de sus obras más icónicas. La película comparte los pecados de sus personajes, que por momentos no saben para qué están fotografiando la masacre. Pero las escenas de acción están buenardas.", "related": [ "2020-druk", "2023-retirement-plan", "2023-oppenheimer", "2000-nueve-reinas" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "2020-druk", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "2023-retirement-plan", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "2023-oppenheimer", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "2000-nueve-reinas", "score": 12 } ] }, { "slug": "2023-retirement-plan", "title": "Una comedia de acción con Nicolas Cage", "film": { "title": "The Retirement Plan", "director": [ "Tom Gormican" ], "year": 2023, "country": [ "US" ], "runtime": 110, "color": "color" }, "rating": 5, "published": "2023-09-15", "tags": [ "nicolas-cage", "accion", "comedia", "serie-b" ], "series": [ "vamos-viendo" ], "cover": "/fotogramas/retirement-plan-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/retirement-plan-poster.jpg", "excerpt": "Una comedia de acción con Nicolas Cage. La reseña podría haber terminado ahí. Y no le faltaría la razón.", "related": [ "2021-french-dispatch", "2024-civil-war", "2021-mitchells-vs-machines", "2021-snyder-cut" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "2021-french-dispatch", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "2024-civil-war", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "2021-mitchells-vs-machines", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "2021-snyder-cut", "score": 6 } ] }, { "slug": "2023-oppenheimer", "title": "Hijos de la violencia", "film": { "title": "Oppenheimer", "director": [ "Christopher Nolan" ], "year": 2023, "country": [ "US", "GB" ], "runtime": 180, "color": "color" }, "rating": 9, "published": "2023-07-25", "tags": [ "nolan", "biopic", "historia", "bomba-atomica", "drama" ], "series": [ "vamos-viendo" ], "cover": "/fotogramas/oppenheimer-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/oppenheimer-poster.jpg", "excerpt": "Oppenheimer es una historia de ciencia ficción en el mundo real. Nolan manipula, redirige y tergiversa la visión del espectador con una destreza que pocos pueden igualar.", "related": [ "2021-christopher-nolan", "2020-druk", "2024-civil-war", "1985-shoah" ], "relatedFull": [ { "type": "edibarak", "slug": "2021-christopher-nolan", "score": 30 }, { "type": "critica", "slug": "2020-druk", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "2024-civil-war", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "1985-shoah", "score": 12 } ] }, { "slug": "1973-westworld", "title": "¿Está leyendo esto una inteligencia artificial?", "film": { "title": "Westworld", "director": [ "Michael Crichton" ], "year": 1973, "country": [ "US" ], "runtime": 88, "color": "color" }, "rating": 7, "published": "2023-02-14", "tags": [ "crichton", "ciencia-ficcion", "inteligencia-artificial", "clasico" ], "series": [ "vamos-viendo" ], "cover": "/fotogramas/westworld-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/westworld-poster.jpg", "excerpt": "Westworld (1973) sigue siendo un film adelantado a su tiempo. Esta reseña también lo es, aunque por razones distintas.", "related": [ "1975-shivers", "1971-naranja-mecanica", "2024-civil-war", "1975-barry-lyndon" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1975-shivers", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "1971-naranja-mecanica", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "2024-civil-war", "score": 12 }, { "type": "critica", "slug": "1975-barry-lyndon", "score": 10 } ] }, { "slug": "2022-fabelmans", "title": "Obra maestra", "film": { "title": "The Fabelmans", "director": [ "Steven Spielberg" ], "year": 2022, "country": [ "US" ], "runtime": 151, "color": "color" }, "rating": 10, "published": "2023-01-18", "tags": [ "spielberg", "autobiografico", "coming-of-age", "cine-sobre-cine" ], "series": [ "vamos-viendo" ], "cover": "/fotogramas/fabelmans-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/fabelmans-poster.jpg", "excerpt": "La película más personal de uno de los mejores directores de la historia no podía ser de otra forma. Es una obra maestra.", "related": [ "2020-news-of-the-world", "2022-hustle", "2023-retirement-plan", "2021-mitchells-vs-machines" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "2020-news-of-the-world", "score": 6 }, { "type": "critica", "slug": "2022-hustle", "score": 6 }, { "type": "critica", "slug": "2023-retirement-plan", "score": 6 }, { "type": "critica", "slug": "2021-mitchells-vs-machines", "score": 6 } ] }, { "slug": "2000-nueve-reinas", "title": "Todos pierden", "film": { "title": "Nueve reinas", "director": [ "Fabián Bielinsky" ], "year": 2000, "country": [ "AR" ], "runtime": 114, "color": "color" }, "rating": 9, "published": "2022-09-08", "tags": [ "bielinsky", "cine-argentino", "thriller", "estafa", "culto" ], "series": [ "vamos-viendo" ], "cover": "/fotogramas/nueve-reinas-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/nueve-reinas-poster.jpg", "excerpt": "Nueve reinas vuelve a las salas remasterizada en 4K. Un guion más redondo que una pelota, calles porteñas filmadas como nunca, y una verdad incómoda sobre la viveza criolla que sigue siendo igual de fresca.", "related": [ "2024-civil-war", "2021-mitchells-vs-machines", "1985-shoah", "2022-fabelmans" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "2024-civil-war", "score": 12 }, { "type": "critica", "slug": "2021-mitchells-vs-machines", "score": 4 }, { "type": "critica", "slug": "1985-shoah", "score": 4 }, { "type": "critica", "slug": "2022-fabelmans", "score": 4 } ] }, { "slug": "2022-hustle", "title": "¿Es esta la nueva Uncut Gems?", "film": { "title": "Hustle", "director": [ "Jeremiah Zagar" ], "year": 2022, "country": [ "US" ], "runtime": 117, "color": "color" }, "rating": 7, "published": "2022-06-14", "tags": [ "adam-sandler", "drama-deportivo", "basquet", "netflix" ], "series": [ "vamos-viendo" ], "cover": "/fotogramas/hustle-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/hustle-poster.jpg", "excerpt": "No es la nueva Uncut Gems. ", "related": [ "2021-mitchells-vs-machines", "2020-druk", "2023-oppenheimer", "2021-snyder-cut" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "2021-mitchells-vs-machines", "score": 6 }, { "type": "critica", "slug": "2020-druk", "score": 6 }, { "type": "critica", "slug": "2023-oppenheimer", "score": 6 }, { "type": "critica", "slug": "2021-snyder-cut", "score": 6 } ] }, { "slug": "1985-shoah", "title": "Registrar para no olvidar", "film": { "title": "Shoah", "director": [ "Claude Lanzmann" ], "year": 1985, "country": [ "FR" ], "runtime": 566, "color": "color" }, "rating": 10, "published": "2022-05-10", "tags": [ "lanzmann", "documental", "holocausto", "historia", "memoria" ], "series": [ "vamos-viendo" ], "cover": "/fotogramas/shoah-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/shoah-poster.jpg", "excerpt": "La búsqueda de la verdad, el intento de dejar registro. ", "related": [ "2023-oppenheimer", "2023-retirement-plan", "2020-news-of-the-world", "2020-druk" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "2023-oppenheimer", "score": 12 }, { "type": "critica", "slug": "2023-retirement-plan", "score": 4 }, { "type": "critica", "slug": "2020-news-of-the-world", "score": 4 }, { "type": "critica", "slug": "2020-druk", "score": 4 } ] }, { "slug": "1971-naranja-mecanica", "title": "La historia de la violencia occidental del siglo XX", "film": { "title": "La naranja mecánica", "director": [ "Stanley Kubrick" ], "year": 1971, "country": [ "GB" ], "runtime": 136, "color": "color" }, "rating": 10, "published": "2022-03-15", "tags": [ "kubrick", "distopia", "violencia", "clasico", "cine-britanico" ], "series": [ "vamos-viendo" ], "cover": "/fotogramas/naranja-mecanica-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/naranja-mecanica-poster.jpg", "excerpt": "Más de cincuenta años después, hay pocas películas que hayan suscitado tanta polémica. Kubrick no reparte culpas: en este mundo ya no queda nada que perder.", "related": [ "1975-barry-lyndon", "1960-spartacus", "1975-shivers", "1973-westworld" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1975-barry-lyndon", "score": 43 }, { "type": "critica", "slug": "1960-spartacus", "score": 41 }, { "type": "critica", "slug": "1975-shivers", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "1973-westworld", "score": 14 } ] }, { "slug": "1975-shivers", "title": "¿Ya se puede volver a hablar de enfermedades?", "film": { "title": "Shivers", "director": [ "David Cronenberg" ], "year": 1975, "country": [ "CA" ], "runtime": 88, "color": "color" }, "rating": 9, "published": "2022-01-20", "tags": [ "cronenberg", "body-horror", "horror", "cine-canadiense", "clasico" ], "series": [ "vamos-viendo" ], "cover": "/fotogramas/shivers-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/shivers-poster.jpg", "excerpt": "La vinculación de Cronenberg con una productora de softcore porn y dos películas experimentales ignoradas. Nace un sub-género. ", "related": [ "1971-naranja-mecanica", "1973-westworld", "1975-barry-lyndon", "1974-celine-julie" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1971-naranja-mecanica", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "1973-westworld", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "1975-barry-lyndon", "score": 10 }, { "type": "critica", "slug": "1974-celine-julie", "score": 10 } ] }, { "slug": "2021-french-dispatch", "title": "Una astuta respuesta", "film": { "title": "The French Dispatch", "director": [ "Wes Anderson" ], "year": 2021, "country": [ "US", "FR" ], "runtime": 108, "color": "color" }, "rating": 9, "published": "2021-11-03", "tags": [ "wes-anderson", "antologia", "estetica", "comedia", "cine-de-autor" ], "series": [ "vamos-viendo" ], "cover": "/fotogramas/french-dispatch-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/french-dispatch-poster.jpg", "excerpt": "El director acaba de estrenar la película más Wes Anderson que jamás haya hecho. Su cine es, evidentemente, suyo.", "related": [ "2021-mitchells-vs-machines", "2023-retirement-plan", "1980-heavens-gate", "2021-snyder-cut" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "2021-mitchells-vs-machines", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "2023-retirement-plan", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "1980-heavens-gate", "score": 8 }, { "type": "critica", "slug": "2021-snyder-cut", "score": 6 } ] }, { "slug": "2020-druk", "title": "La vida es sueño", "film": { "title": "Druk", "director": [ "Thomas Vinterberg" ], "year": 2020, "country": [ "DK" ], "runtime": 117, "color": "color" }, "rating": 8, "published": "2021-05-26", "tags": [ "vinterberg", "mads-mikkelsen", "cine-danes", "drama", "tragicomedia" ], "series": [ "vamos-viendo" ], "cover": "/fotogramas/druk-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/druk-poster.jpg", "excerpt": "Vinterberg sabe muy bien lo que quiere contar. Y lo que cuenta es un sueño -- pero eso no significa que sea una mentira.", "related": [ "2023-oppenheimer", "2024-civil-war", "1939-gone-with-the-wind", "1974-padrino-parte-ii" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "2023-oppenheimer", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "2024-civil-war", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "1939-gone-with-the-wind", "score": 8 }, { "type": "critica", "slug": "1974-padrino-parte-ii", "score": 8 } ] }, { "slug": "1980-heavens-gate", "title": "Heaven's Gate", "film": { "title": "Heaven's Gate", "director": [ "Michael Cimino" ], "year": 1980, "country": [ "US" ], "runtime": 229, "color": "color" }, "rating": 4, "published": "2021-05-24", "tags": [ "cimino", "western", "desastre-de-produccion", "cine-de-autor", "clasico" ], "series": [ "inmenso-bastardo" ], "cover": "/fotogramas/heaven2.jpg", "poster": "/fotogramas/heavens-gate-poster.jpg", "excerpt": "Un cine moría y otro nacía. El desastre de La puerta del cielo dejó un mantra en la industria: nadie quería ser responsable del próximo fracaso. Los 80 pertenecerían a las franquicias.", "related": [ "1963-cleopatra", "1979-apocalypse-now", "1974-padrino-parte-ii", "1962-lawrence-arabia" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1963-cleopatra", "score": 20 }, { "type": "critica", "slug": "1979-apocalypse-now", "score": 20 }, { "type": "critica", "slug": "1974-padrino-parte-ii", "score": 12 }, { "type": "critica", "slug": "1962-lawrence-arabia", "score": 12 } ] }, { "slug": "1979-apocalypse-now", "title": "Apocalypse Now", "film": { "title": "Apocalypse Now", "director": [ "Francis Ford Coppola" ], "year": 1979, "country": [ "US" ], "runtime": 202, "color": "color" }, "rating": 10, "published": "2021-05-17", "tags": [ "coppola", "guerra", "vietnam", "desastre-de-produccion", "clasico" ], "series": [ "inmenso-bastardo" ], "cover": "/fotogramas/1979-apocalypse-now-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/apocalypse-now-poster.jpg", "excerpt": "Coppola llegó al final de la producción con su matrimonio destruido y al borde de la ruina financiera. El resultado fue una de las películas más importantes de la historia. El costo, incalculable.", "related": [ "1974-padrino-parte-ii", "1963-cleopatra", "1980-heavens-gate", "1974-celine-julie" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1974-padrino-parte-ii", "score": 47 }, { "type": "critica", "slug": "1963-cleopatra", "score": 20 }, { "type": "critica", "slug": "1980-heavens-gate", "score": 20 }, { "type": "critica", "slug": "1974-celine-julie", "score": 14 } ] }, { "slug": "1975-barry-lyndon", "title": "Barry Lyndon", "film": { "title": "Barry Lyndon", "director": [ "Stanley Kubrick" ], "year": 1975, "country": [ "GB" ], "runtime": 185, "color": "color" }, "rating": 9, "published": "2021-05-10", "tags": [ "kubrick", "drama-de-epoca", "fotografia", "clasico" ], "series": [ "inmenso-bastardo" ], "cover": "/fotogramas/1975-barry-lyndon-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/barry-lyndon-poster.jpg", "excerpt": "La obra más subestimada de Kubrick. Cada plano compuesto como una pintura, cada zoom out una declaración filosófica: ese personaje que vemos sufrir en pantalla es simplemente uno más en una sociedad insustancial.", "related": [ "1960-spartacus", "1971-naranja-mecanica", "1974-padrino-parte-ii", "1979-apocalypse-now" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1960-spartacus", "score": 45 }, { "type": "critica", "slug": "1971-naranja-mecanica", "score": 43 }, { "type": "critica", "slug": "1974-padrino-parte-ii", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "1979-apocalypse-now", "score": 14 } ] }, { "slug": "1974-celine-julie", "title": "Céline et Julie vont en bateau", "film": { "title": "Céline et Julie vont en bateau", "director": [ "Jacques Rivette" ], "year": 1974, "country": [ "FR" ], "runtime": 193, "color": "color" }, "rating": 6, "published": "2021-05-03", "tags": [ "rivette", "nouvelle-vague", "cine-frances", "experimental", "clasico" ], "series": [ "inmenso-bastardo" ], "cover": "/fotogramas/1974-celine-julie-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/celine-julie-poster.jpg", "excerpt": "Rivette nunca llegó a conectar con las grandes masas, probablemente de manera consciente. Su legado se mide en cómo los grandes directores hablan de él: siempre con respeto.", "related": [ "1975-barry-lyndon", "1979-apocalypse-now", "1974-padrino-parte-ii", "1963-cleopatra" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1975-barry-lyndon", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "1979-apocalypse-now", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "1974-padrino-parte-ii", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "1963-cleopatra", "score": 12 } ] }, { "slug": "2021-mitchells-vs-machines", "title": "La hegemonía digital", "film": { "title": "The Mitchells vs. the Machines", "director": [ "Mike Rianda" ], "year": 2021, "country": [ "US" ], "runtime": 114, "color": "color" }, "rating": 8, "published": "2021-05-03", "tags": [ "animacion", "comedia", "familia", "tecnologia", "sony" ], "series": [ "vamos-viendo" ], "cover": "/fotogramas/mitchells-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/mitchells-poster.jpg", "excerpt": "La familia Mitchell vs. las máquinas no viene a romper ninguna estructura narrativa. Pero el aire fresco que exhala este film le volaría la polvorienta peluca a más de un trajeado de los grandes estudios.", "related": [ "2021-french-dispatch", "2023-retirement-plan", "2023-oppenheimer", "2020-news-of-the-world" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "2021-french-dispatch", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "2023-retirement-plan", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "2023-oppenheimer", "score": 6 }, { "type": "critica", "slug": "2020-news-of-the-world", "score": 6 } ] }, { "slug": "1974-padrino-parte-ii", "title": "The Godfather Part II", "film": { "title": "The Godfather Part II", "director": [ "Francis Ford Coppola" ], "year": 1974, "country": [ "US" ], "runtime": 202, "color": "color" }, "rating": 10, "published": "2021-04-26", "tags": [ "coppola", "mafia", "drama", "hollywood-clasico", "clasico" ], "series": [ "inmenso-bastardo" ], "cover": "/fotogramas/1974-padrino-parte-ii-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/padrino-parte-ii-poster.jpg", "excerpt": "Once años después de Cleopatra, el cine cambió por completo. Coppola demostró que una película épica podía ser profundamente íntima, y que la oscuridad de un plano puede decir más que cualquier diálogo.", "related": [ "1979-apocalypse-now", "1939-gone-with-the-wind", "1959-ben-hur", "1956-diez-mandamientos" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1979-apocalypse-now", "score": 47 }, { "type": "critica", "slug": "1939-gone-with-the-wind", "score": 28 }, { "type": "critica", "slug": "1959-ben-hur", "score": 20 }, { "type": "critica", "slug": "1956-diez-mandamientos", "score": 20 } ] }, { "slug": "1963-cleopatra", "title": "Cleopatra", "film": { "title": "Cleopatra", "director": [ "Joseph L. Mankiewicz" ], "year": 1963, "country": [ "US" ], "runtime": 248, "color": "color" }, "rating": 6, "published": "2021-04-19", "tags": [ "mankiewicz", "epica", "hollywood-clasico", "desastre-de-produccion", "clasico" ], "series": [ "inmenso-bastardo" ], "cover": "/fotogramas/cleopatra-2.jpg", "poster": "/fotogramas/cleopatra-poster.jpg", "excerpt": "Un resumen perfecto de todo lo que condenó la muerte prematura del clasicismo hollywoodense. Presupuesto descontrolado, caos de producción, y un director brillante ahogado por la maquinaria del estudio.", "related": [ "1960-spartacus", "1956-diez-mandamientos", "1939-gone-with-the-wind", "1959-ben-hur" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1960-spartacus", "score": 30 }, { "type": "critica", "slug": "1956-diez-mandamientos", "score": 28 }, { "type": "critica", "slug": "1939-gone-with-the-wind", "score": 28 }, { "type": "critica", "slug": "1959-ben-hur", "score": 28 } ] }, { "slug": "1962-lawrence-arabia", "title": "Lawrence of Arabia", "film": { "title": "Lawrence of Arabia", "director": [ "David Lean" ], "year": 1962, "country": [ "GB" ], "runtime": 228, "color": "color" }, "rating": 10, "published": "2021-04-12", "tags": [ "david-lean", "epica", "colonialismo", "desierto", "clasico" ], "series": [ "inmenso-bastardo" ], "cover": "/fotogramas/1962-lawrence-arabia-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/lawrence-arabia-poster.jpg", "excerpt": "Quizás la cima absoluta de la fotografía cinematográfica. Lawrence de Arabia no se limita a retratar el desierto: lo convierte en un personaje más, tan ambiguo y majestuoso como su protagonista.", "related": [ "1960-spartacus", "1963-cleopatra", "1956-diez-mandamientos", "1939-gone-with-the-wind" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1960-spartacus", "score": 22 }, { "type": "critica", "slug": "1963-cleopatra", "score": 22 }, { "type": "critica", "slug": "1956-diez-mandamientos", "score": 20 }, { "type": "critica", "slug": "1939-gone-with-the-wind", "score": 20 } ] }, { "slug": "1960-spartacus", "title": "Spartacus", "film": { "title": "Spartacus", "director": [ "Stanley Kubrick" ], "year": 1960, "country": [ "US" ], "runtime": 197, "color": "color" }, "rating": 8, "published": "2021-04-05", "tags": [ "kubrick", "epica", "hollywood-clasico", "politica", "clasico" ], "series": [ "inmenso-bastardo" ], "cover": "/fotogramas/1960-spartacus-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/spartacus-poster.jpg", "excerpt": "Kirk Douglas, Stanley Kubrick y Dalton Trumbo: tres egos enormes en una película que casi no sobrevive a sí misma. Y sin embargo, Espartaco terminó siendo más entretenida de lo que sus propios creadores jamás admitieron.", "related": [ "1975-barry-lyndon", "1971-naranja-mecanica", "1963-cleopatra", "1939-gone-with-the-wind" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1975-barry-lyndon", "score": 45 }, { "type": "critica", "slug": "1971-naranja-mecanica", "score": 41 }, { "type": "critica", "slug": "1963-cleopatra", "score": 30 }, { "type": "critica", "slug": "1939-gone-with-the-wind", "score": 28 } ] }, { "slug": "1959-ben-hur", "title": "Ben-Hur", "film": { "title": "Ben-Hur", "director": [ "William Wyler" ], "year": 1959, "country": [ "US" ], "runtime": 212, "color": "color" }, "rating": 9, "published": "2021-03-29", "tags": [ "wyler", "epica", "hollywood-clasico", "cine-biblico", "clasico" ], "series": [ "inmenso-bastardo" ], "cover": "/fotogramas/1959-ben-hur-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/ben-hur-poster.jpg", "excerpt": "La respuesta de MGM a Paramount: hacer la película más grande jamás filmada. Lo que distingue a Ben-Hur es que su grandeza no sacrifica profundidad. Una epopeya emocional sobre la fe, la injusticia y la identidad.", "related": [ "1956-diez-mandamientos", "1939-gone-with-the-wind", "1963-cleopatra", "1960-spartacus" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1956-diez-mandamientos", "score": 38 }, { "type": "critica", "slug": "1939-gone-with-the-wind", "score": 28 }, { "type": "critica", "slug": "1963-cleopatra", "score": 28 }, { "type": "critica", "slug": "1960-spartacus", "score": 28 } ] }, { "slug": "1956-diez-mandamientos", "title": "The Ten Commandments", "film": { "title": "The Ten Commandments", "director": [ "Cecil B. DeMille" ], "year": 1956, "country": [ "US" ], "runtime": 220, "color": "color" }, "rating": 8, "published": "2021-03-22", "tags": [ "demille", "epica", "hollywood-clasico", "cine-biblico", "clasico" ], "series": [ "inmenso-bastardo" ], "cover": "/fotogramas/1956-diez-mandamientos-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/diez-mandamientos-poster.jpg", "excerpt": "La respuesta de Hollywood a la televisión fue simple: hacerlo todo más grande. Más de 10.000 extras en un solo plano, Technicolor deslumbrante y la apuesta de Paramount que inició la carrera por hacer la película más grande de la historia.", "related": [ "1959-ben-hur", "1960-spartacus", "1963-cleopatra", "1939-gone-with-the-wind" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1959-ben-hur", "score": 38 }, { "type": "critica", "slug": "1960-spartacus", "score": 28 }, { "type": "critica", "slug": "1963-cleopatra", "score": 28 }, { "type": "critica", "slug": "1939-gone-with-the-wind", "score": 28 } ] }, { "slug": "2021-snyder-cut", "title": "Las plegarias fueron escuchadas. Lamentablemente.", "film": { "title": "Zack Snyder's Justice League", "director": [ "Zack Snyder" ], "year": 2021, "country": [ "US" ], "runtime": 242, "color": "color" }, "rating": 6, "published": "2021-03-22", "tags": [ "snyder", "superheroes", "dc", "blockbuster" ], "series": [ "vamos-viendo" ], "cover": "/fotogramas/snyder-cut-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/snyder-cut-poster.jpg", "excerpt": "Las plegarias fanáticas fueron escuchadas. Cuatro horas de duración, control total del director. Y aun así, solo se celebra que los personajes no salgan de la nada.", "related": [ "2023-oppenheimer", "2022-hustle", "2023-retirement-plan", "2020-druk" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "2023-oppenheimer", "score": 6 }, { "type": "critica", "slug": "2022-hustle", "score": 6 }, { "type": "critica", "slug": "2023-retirement-plan", "score": 6 }, { "type": "critica", "slug": "2020-druk", "score": 6 } ] }, { "slug": "1954-seven-samurai", "title": "Seven Samurai", "film": { "title": "Shichinin no Samurai", "director": [ "Akira Kurosawa" ], "year": 1954, "country": [ "JP" ], "runtime": 207, "color": "b&n" }, "rating": 9, "published": "2021-03-15", "tags": [ "kurosawa", "cine-japones", "epica", "samurai", "clasico" ], "series": [ "inmenso-bastardo" ], "cover": "/fotogramas/1954-seven-samurai-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/seven-samurai-poster.jpg", "excerpt": "Más de tres horas justificadas no por un presupuesto enorme, sino por una necesidad dramática real. Kurosawa demostró que la épica se construye desde los personajes, no desde la escala.", "related": [ "1956-diez-mandamientos", "1959-ben-hur", "1962-lawrence-arabia", "1939-gone-with-the-wind" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1956-diez-mandamientos", "score": 22 }, { "type": "critica", "slug": "1959-ben-hur", "score": 22 }, { "type": "critica", "slug": "1962-lawrence-arabia", "score": 20 }, { "type": "critica", "slug": "1939-gone-with-the-wind", "score": 20 } ] }, { "slug": "1939-gone-with-the-wind", "title": "Gone with the Wind", "film": { "title": "Gone with the Wind", "director": [ "Victor Fleming" ], "year": 1939, "country": [ "US" ], "runtime": 238, "color": "color" }, "rating": 9, "published": "2021-03-08", "tags": [ "guerra-civil", "epica", "hollywood-clasico", "drama", "clasico" ], "series": [ "inmenso-bastardo" ], "cover": "/fotogramas/gone-with-the-wind-8.jpg", "poster": "/fotogramas/gone-with-the-wind-poster.jpg", "excerpt": "La película más taquillera de la historia hasta 2018. Fotografía deslumbrante, personajes profundos, color que hipnotiza. Y a su vez, un racismo edulcorado que hoy resulta imposible de ignorar.", "related": [ "1956-diez-mandamientos", "1959-ben-hur", "1963-cleopatra", "1974-padrino-parte-ii" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1956-diez-mandamientos", "score": 28 }, { "type": "critica", "slug": "1959-ben-hur", "score": 28 }, { "type": "critica", "slug": "1963-cleopatra", "score": 28 }, { "type": "critica", "slug": "1974-padrino-parte-ii", "score": 28 } ] }, { "slug": "1915-nacimiento-nacion", "title": "The Birth of a Nation", "film": { "title": "The Birth of a Nation", "director": [ "D.W. Griffith" ], "year": 1915, "country": [ "US" ], "runtime": 193, "color": "b&n" }, "rating": 5, "published": "2021-03-01", "tags": [ "griffith", "cine-mudo", "epica", "racismo", "historia-del-cine", "clasico" ], "series": [ "inmenso-bastardo" ], "cover": "/fotogramas/1915-nacimiento-nacion-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/nacimiento-nacion-poster.jpg", "excerpt": "Considerada la primera película de la historia, su legado va más allá de lo técnico. Es también una advertencia sobre el poder del cine como instrumento de comunicación.", "related": [ "1960-spartacus", "1959-ben-hur", "1939-gone-with-the-wind", "1963-cleopatra" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1960-spartacus", "score": 20 }, { "type": "critica", "slug": "1959-ben-hur", "score": 20 }, { "type": "critica", "slug": "1939-gone-with-the-wind", "score": 20 }, { "type": "critica", "slug": "1963-cleopatra", "score": 20 } ] }, { "slug": "2020-news-of-the-world", "title": "Un café descafeinado", "film": { "title": "News of the World", "director": [ "Paul Greengrass" ], "year": 2020, "country": [ "US" ], "runtime": 118, "color": "color" }, "rating": 6, "published": "2021-02-10", "tags": [ "greengrass", "western", "tom-hanks", "drama-de-epoca" ], "series": [ "vamos-viendo" ], "cover": "/fotogramas/news-of-the-world-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/news-of-the-world-poster.jpg", "excerpt": "Una historia que ya se ha contado, otra vez.", "related": [ "1975-barry-lyndon", "1980-heavens-gate", "2021-french-dispatch", "2021-snyder-cut" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1975-barry-lyndon", "score": 8 }, { "type": "critica", "slug": "1980-heavens-gate", "score": 8 }, { "type": "critica", "slug": "2021-french-dispatch", "score": 6 }, { "type": "critica", "slug": "2021-snyder-cut", "score": 6 } ] } ]; window.CRITICAS = CRITICAS_RAW; window.STAR = (n) => '★★★★★★★★★★'.slice(0, Math.round(n)) + '☆☆☆☆☆☆☆☆☆☆'.slice(0, 10 - Math.round(n)); // ─── EDITORIALES (EdiBarak) ─────────────────────────────── const EDITORIALES_RAW = [ { "slug": "2023-yo-creo-en-el-cine", "title": "Yo creo en el cine", "published": "2023-04-28", "topic": "cine", "excerpt": "El Padrino reestrenó por una semana en salas comerciales. Las funciones estuvieron agotadas.", "blocks": [ { "kind": "h", "text": "Yo creo en el cine" }, { "kind": "meta", "text": "28 · 04 · 2023 — Sobre cine" }, { "kind": "p", "text": "Yo creo en el cine. Recomiendo películas a amigos y familiares. Hasta a gente que poco conozco, siempre hay alguna película para recomendarle, de esas que le gustan a todo el mundo. Reestrenó El padrino en salas comerciales y mis ánimos por verla por primera vez en pantalla grande fueron enormes. Una de las mejores películas de la historia, y vistas en el cine, ¡como debe ser! Pero la sorpresa se vistió de negro al ver, por ejemplo, que las salas que le asignaban eran pequeñísimas. Las salas más chicas del cine se la destinaban a la mejor película de la historia, con dos o tres horarios como mucho. ¡Hasta había cadenas que no la proyectaron! ¿Puede usted creer eso? Una película como El padrino, y deciden no proyectarla en lo absoluto. Por eso que estoy aquí hoy, explicándole esto, querido padrino. Su película merece justicia. El séptimo arte merece justicia." }, { "kind": "p", "text": "Usted viene a pedir justicia por esta película. Justicia en nombre del cine y el séptimo arte se animó a decir. Pero yo le pregunto, ¿cuántas veces fue al cine últimamente? ¿Habla de películas que estrenan en salas?" }, { "kind": "p", "text": "Pero padrino, todo lo que estrena en el cine últimamente es una desgracia. Es la corrupción total de la moralidad y la estética, el cine de super héroes…" }, { "kind": "p", "text": "Pero, ¿ha pensado realmente esas películas? ¿ha pensado siquiera las películas que le gustan? Usted viene a este dialogo imaginario, pidiendo justicia por el cine, pidiendo que las salas comerciales que no proyectaron su película sufra, pero ¿ha alguna vez pensado su película?" }, { "kind": "p", "text": "Obviamente, es El padrino, dirigida por Francis Ford Coppola y estrenada en 1972, cuenta la historia de Don Vito Corleone, quien es el respetado y temido jefe de una de las cinco familias de la mafia de Nueva York en los años 40. El hombre tiene cuatro hijos: Connie, Sonny, Fredo y Michael, que no quiere saber nada de los negocios sucios de su padre." }, { "kind": "p", "text": "Pero, ¿la ha pensado realmente? Viene a pedir justicia y me lanza una sinopsis de internet. ¿Eso es pensar el cine? ¿De qué trata El padrino?" }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/michael-corleone.jpg", "alt": "" }, { "kind": "p", "text": "De la mafia, señor. Es una película sobre la mafia." }, { "kind": "p", "text": "¿Solo de eso?" }, { "kind": "p", "text": "Y… Emm… ¿De la familia?" }, { "kind": "p", "text": "¿Solo de eso?" }, { "kind": "p", "text": "¡Es la mejor película de la historia!" }, { "kind": "p", "text": "Pero lo es no solo por tener una historia divertida, acentos italianos y momentos memorables. En El padrino se esconden cuestiones como el legado, la ambición, la relación de los gobiernos con la delincuencia y el narcotráfico… Es una obra llena de temas, y donde en cada uno de ellos, deja su pincelada y opinión escondida dentro de la selva narrativa que propone. Habla de todo eso, mientras muestra a gente matándose entre si y aparenta ser algo mucho menos profundo de lo que es." }, { "kind": "p", "text": "Nunca lo había pensado así…" }, { "kind": "p", "text": "Y aún así, usted viene y me pide justicia por el cine." }, { "kind": "p", "text": "¡Pero claro! Mismo si es necesario, pagaría más cara la entrada, pero que la proyecten en más lugares. Que esté en todos los cines, en todos los horarios, con una entrada más cara. Puede sugerirles eso." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/el-padrino-2.jpg", "alt": "" }, { "kind": "p", "text": "… ¿Por qué me trata tan irrespetuosamente? Si viniera a mi como pensador, como alguien que entiende los mecanismos del cine y entiende como el arte es algo más que una herramienta pasajera… Las cadenas villanas que maltrataron tu tan querido cine lo pagarían hoy mismo. Las películas que proyectan y se llenan de gente estarían en realidad vacías, y el cine que tanto deseamos estaría proyectándose en todo el país. Y entonces nos temerían. Temerían el pensamiento, el análisis, el entender que una buena película es muchísimo más que la suma de sus partes. Que el hecho de que Marlon Brando y Al Pacino actúen increíble es, en realidad, un detalle. Es más importante pensar la actuación de estos actores. Pensar cómo Marlon Brando llega a ese Vito Corleone tan icónico, pensar cómo se construye el personaje de Michael Corleone. Un ejemplo claro, el inicio del film. ¿Dónde está Michael Corleone al principio de la boda?" }, { "kind": "p", "text": "Está sentado, comiendo." }, { "kind": "p", "text": "No, no. Al inicio. Michael no está en la primera foto familiar que quieren sacar. Es introducido como un outsider, alguien que casi no parecería ser de la misma familia Corleone que los otros. Pero, a su vez, ese es el destino que quiere Vito para él, como le describe más adelante en el film. Michael debía ser el miembro respetable de la familia, el que se alejaba de la mafia y realmente construyera una familia poderosa, pero el final del film es definitivo con el destino y el futuro de Michael. Por un lado, vemos el ascenso al poder del personaje, pero por el otro, vemos la caída total del sueño que tenía Vito de tener una familia respetable y honrada. Es un final agridulce, en el que cada uno puede pensar lo que quiera sobre el destino del personaje, pero es ahí donde está la esencia del cine. En que cada uno puede pensar, si lo desea." }, { "kind": "p", "text": "Claro…" }, { "kind": "p", "text": "Puede pensar en qué significa la fotografía oscura de Gordon Willis, en qué significa que la película inicie desde negro y qué significa el negro en el film. Puede pensar en cómo son las relaciones con las mujeres en esta película, y qué pretende decir de la sociedad en la que vivimos hoy. ¿Están esas relaciones mostradas como toxicas, o mostradas naturalmente? Contraponer el personaje de Connie, la hermana de Michael que termina prácticamente odiando a la familia con Kay, la pareja de Michael que queda a su lado, creyendo en un sueño que no existe, pero a la vez, quedando fuera del circulo intimo de Michael. Puede pensar en miles de cosas más, acertadas o equivocadas. Puede pensar que en El padrino en realidad se habla del cine, o de las papas fritas, o sobre la guerra en Rusia, y hacer miles de reflexiones extremadamente detalladas al respecto. Pero, por favor, piense el cine." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/el-padrino-3.jpg", "alt": "" }, { "kind": "p", "text": "El padrino reestrenó por una semana en las salas comerciales de la Argentina. Las pocas funciones que tuvo están prácticamente agotadas, fruto de un fin de semana largo y un fanatismo total por una de las mejores películas de la historia. Poder verla en pantalla grande, remasterizada y con sonido de calidad, es una experiencia hermosa. Pero, también, es un buen momento para repensar el análisis del pasado. El padrino fue filmada en los 70, pero transcurre en los 40. Se muestra a si misma como una “historia del pasado”, para que nosotros podamos analizar y entender ese pasado. Ver sus semejanzas con el presente, ver cuánto de ese pasado es real y pensar mejor lo que nos sucede hoy. Hasta si estamos para esa, pensar por qué una película como El padrino fue posible en los 70 y no es tan fácil que aparezca hoy. Pensar en dinámicas de producción, pensar en el consumo descartable de hoy, pensar en las películas que vimos y cuáles de esas nos seguimos acordando." }, { "kind": "p", "text": "Está claro que El padrino es una obra maestra llena de detalles, pero el revisionado de una película así solo nos puede recordar lo importante que es pensar sobre lo qué vemos. En las buenas películas y también en las malas. Entender por qué no nos gustan algunas películas, y por qué si nos gustan otras. Entender que quizás en algunas de las películas que más nos gustaron de los últimos tiempos, se esconde también algo de lo que hizo y hace que El padrino sea tan grande. La magia del cine, esa que nos eriza la piel cuando vemos a Vito Corleone llorar por su hijo, esa misma inmaculada magia, sigue viva hoy. Solo hay que encontrarla." } ], "related": [ "2021-christopher-nolan", "2021-las-cosas-en-el-stano", "1974-padrino-parte-ii", "2000-nueve-reinas" ], "relatedFull": [ { "type": "edibarak", "slug": "2021-christopher-nolan", "score": 13 }, { "type": "edibarak", "slug": "2021-las-cosas-en-el-stano", "score": 13 }, { "type": "critica", "slug": "1974-padrino-parte-ii", "score": 4 }, { "type": "critica", "slug": "2000-nueve-reinas", "score": 4 } ] }, { "slug": "2021-las-cosas-en-el-stano", "title": "Las cosas en el sótano", "published": "2021-11-16", "topic": "cine", "excerpt": "No es el mejor film de la historia, ni siquiera el mejor de la saga concebida por Sylvester Stallone. Pero Rocky Balboa es una de las películas más importantes de mi vida.", "blocks": [ { "kind": "h", "text": "Las cosas en el sótano" }, { "kind": "meta", "text": "16 · 11 · 2021 — Sobre cine" }, { "kind": "p", "text": "No me gusta el boxeo. Creo que nunca en mi vida vi una pelea entera, y mucho menos se me pasó por la cabeza practicarlo alguna vez. Sin embargo, cuando la última consigna del Taller de Crítica que nos compete me fue entregada, no hubo otra opción que pasara por mi mente. Rocky Balboa es una de las películas más importantes de mi vida." }, { "kind": "p", "text": "Esto es algo extraño, entendiendo por un lado (y perdón el exceso de personalismo en la nota, el cual, aviso, no disminuirá) que estudié la carrera de realización de cine. Teniendo en cuenta esto, es raro que un egresado de una carrera así diga que Rocky Balboa (2006) es su película favorita y no El ciudadano (1941), Vértigo (1958) o 12 hombres en pugna (1957), todas películas que igualmente admiro y aprecio. Pero es aún más raro porque Rocky Balboa no es siquiera la “mejor” película de la franquicia Rocky, con la película original de 1976 siendo probablemente una obra muchísimo más redonda, compleja y relevante para la historia del cine en general." }, { "kind": "p", "text": "Aún así, Rocky Balboa es una carta de amor, pero no es una carta de amor cualquiera. Es una carta de amor a la vida. Es la historia de un boxeador viejo, al que el mundo lo ha dejado atrás, que la gente que ama ya no lo quiere o no está más, y que, aun así, encuentra razones para seguir peleando, sabiendo que tiene todas las de perder y que, muy probablemente, fracasará." }, { "kind": "p", "text": "Cuando tenía 11 años tuve un accidente automovilístico en el que, viajando en auto hacia Brasil con mi familia, nos chocó un camión. La situación no contó con ninguna muerte, pero sí fue un momento bastante extremo, en el que fui operado por una lesión en la cabeza que de no tratarse me hubiera provocado la muerte. La operación por suerte fue exitosa, y luego de ella vino un año de recuperación postoperatoria, que involucró dolor, incertidumbre y una sensación de no entender del todo el mundo en el que vivía. Sentía que las reglas de la realidad en la que vivía habían cambiado. ¿Por qué a mí? ¿Para qué sobrellevar este dolor?" }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/rocky-balboa-2.jpg", "alt": "" }, { "kind": "p", "text": "Dentro de ese difícil año, vi (o volví a ver, realmente no lo sé) la película de esta reseña, Rocky Balboa, que contaba la vida de una persona que luchó y que iba a seguir luchando pese a todo. El cómo la historia de un viejo boxeador puede significar tanto para un niño de 11 años es algo que solo puede ser explicado por la magia del cine. Es algo que, para bien o para mal, trasciende el análisis." }, { "kind": "p", "text": "Quizás sea por la pureza de la historia y del autor que está detrás. Sylvester Stallone venía de una racha de malas películas, además de una última entrega dudosa pero defendible en la saga del boxeador como lo fue Rocky V. Allí se intentó, al igual que con esta Rocky Balboa, una especie de regreso a los orígenes de la franquicia, con un Rocky que tiene todas las de perder, pero que lucha por algo más que simplemente ganar. Y allí radica parte de la grandeza de esta Rocky Balboa, en la que Rocky pierde la pelea, pero esto resulta irrelevante. Existe en la historia una pelea mayor, que trasciende la perspectiva resultadista de otras entregas de la saga como Rocky III (1982) o Rocky IV (1985)." }, { "kind": "p", "text": "En esta película, Rocky perdió todo lo que amaba. Adrian (Talia Shire), su motor de vida, ya no está en este mundo, y el protagonista se siente perdido. Hay una sensación de que la vida no fue del todo justa con él. Aun así, le da de comer gratis a Spider Rico (Pedro Lovell), un boxeador retirado y sin dinero para vivir. Ayuda a Marie (Geraldine Hughes), una mujer que Rocky conocía de cuando era chica y que está cuidando sola de su hijo. Hasta es benevolente con Rocky Jr. (Milo Ventimiglia), su propio hijo, el cual no le responde las llamadas e intenta ocultar su apellido con una total sensación de deshonra." }, { "kind": "p", "text": "A pesar de esa sensación de injusticia, Rocky sigue siendo bueno con la gente a su alrededor. Paulie (Burt Young), su cuñado, llega al restaurante que atiende ahora el exboxeador y bebe de las botellas del local sin preguntar ni consultar. Luego provoca un escándalo y se va destrozado y casi llorando del lugar, con las miradas juiciosas de los comensales por la actitud del hombre. Aun así, Rocky comprende, respira y sale a la búsqueda de Paulie, a calmarlo y cuidarlo." }, { "kind": "p", "text": "Pero a pesar de la paz que parece demostrar, a Rocky también lo oímos a lo largo del film hablando de su miedo, de su tristeza, de Adrian y de un pasado muy fuerte y duro como para que lo pueda olvidar. Pese a su esperanza y actitud positiva, Rocky no sabe cómo lidiar con el efecto del tiempo. No sabe cómo lidiar con el destino que se llevó a Adrian, su musa, y que lo dejó sin alma." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/rocky-balboa-3.jpg", "alt": "" }, { "kind": "p", "text": "En un momento de la película, Paulie le pregunta a Rocky por qué sigue peleando. ¿Qué tiene que demostrar? Y Rocky le dice que todavía tiene “cosas en el sótano”. Todavía le siguen pasando esas cosas, y esas cosas no le dejan dormir, no le dejan frenar. Hay algo que no cierra en el mundo interno del boxeador, y su manera de arreglarlo es siguiendo adelante, temeroso y dubitativo. Pero también hay momentos que Rocky parece tenerlo claro. Ganar no se trata de pegar más fuerte dice el personaje, sino de poder recibir los golpes y seguir adelante con eso, como se pueda. Para Rocky vivir no se trata únicamente de los logros, sino también, y principalmente, de avanzar frente a las adversidades." }, { "kind": "p", "text": "Stallone se estaba quedando sin carrera y la forma que encontró de salir adelante fue abrir su corazón y contarle al mundo lo que sentía. Ese niño de 11 años quizás vio en Rocky Balboa la historia de un hombre que aprendía a vivir en la incertidumbre. Que sabía que el mundo era injusto y que le iba a seguir pegando, sin importar que tan fuerte uno golpee." }, { "kind": "p", "text": "Intentar reproducir y comprender por qué esta película me fue tan importante quizás sea, también, intentar entender qué es la vida y cómo salir adelante en los momentos de mayor oscuridad. Tarea obviamente inabarcable de buenas a primeras. Y es ahí donde la magia del cine aparece en todo su esplendor. La magia del arte, del hablar de algo más y de transmitir algo más que imagen y sonido. Lo que en palabras quizás resulte imposible, en el cine es posible." }, { "kind": "p", "text": "Rocky Balboa probablemente no sea el cine en su mayor esencia, el cual transmite desde las formas y juega con el lenguaje para llegar a ese algo más, pero sin embargo es una obra pura, hecha a corazón abierto y que, en mi caso, resulta central a la hora de leer y comprender mi vida pasada y mi futuro. Entender que, a pesar de todo, todavía tengo cosas en el sótano para contar. Ojalá algún día ese algo para contar que tengo sea tan importante para alguien en la vida como lo fue Rocky Balboa para mí." } ], "related": [ "2021-christopher-nolan", "2023-yo-creo-en-el-cine", "1954-seven-samurai", "1985-shoah" ], "relatedFull": [ { "type": "edibarak", "slug": "2021-christopher-nolan", "score": 13 }, { "type": "edibarak", "slug": "2023-yo-creo-en-el-cine", "score": 13 }, { "type": "critica", "slug": "1954-seven-samurai", "score": 4 }, { "type": "critica", "slug": "1985-shoah", "score": 4 } ] }, { "slug": "2021-christopher-nolan", "title": "Christopher Nolan, el director de la grieta cinéfila", "published": "2021-08-24", "topic": "cine", "excerpt": "Una mirada sin prejuicios ni concesiones sobre la filmografía y los rasgos autorales del realizador británico.", "blocks": [ { "kind": "h", "text": "Christopher Nolan, el director de la grieta cinéfila" }, { "kind": "meta", "text": "24 · 08 · 2021 — Sobre cine" }, { "kind": "p", "text": "Frío o calor. Blanco o negro. Oficialismo u oposición. Existen personas que no les gustan los sanguchitos de miga al mismo tiempo que existen otras que estarían contentas comiendo exclusivamente eso por el resto de su vida. Desconozco si es algo que fue intensificándose por el tiempo o qué tanto tienen que ver las redes sociales al respecto, pero es innegable que existe en la mentalidad popular actual una cierta tendencia a la polarización. Por un lado, esto genera una aparente (falsa) participación en el fenómeno del momento. Cada uno se pone la camiseta de su equipo y discute con la mayor pasión del mundo con el polo opuesto sobre cómo necesariamente la otra visión está totalmente errada." }, { "kind": "p", "text": "Christopher Nolan es el salvador y el único director válido de toda una generación, o el inglés es simplemente un hijo no reconocido de Michael Bay, *Transformers* y el cine de masas vacío e irrelevante. Esto puede ser divertido de leer en un hilo de Twitter, pero, lamentablemente, como en cualquier otra polarización, anula totalmente el intercambio de ideas, y la convierte en un ring de batalla para definir quién tiene razón y quién es un ignorante. Desde este lado, y obviamente sin ser dueño de la verdad, vamos a intentar comprender las verdades que conviven en ambas caras de la moneda." }, { "kind": "p", "text": "Por un lado, existe algo que es ciertamente innegable. Christopher Nolan es, según toda definición que se busque, un autor. Ya lean a Alexandre Astruc, François Truffaut o al teórico francés que les plazca, el cine de Nolan está repleto de características y decisiones formales (y temáticas, principalmente) que fue e irá repitiendo a lo largo de toda su filmografía. ¿Pero qué hace a un autor relevante? ¿Es el simple hecho de que sea una visión única e irrepetible suficiente valor para apreciar y reconocer su obra como notable? Quizás comprendiendo los rasgos autorales de Nolan podamos llegar a una respuesta." }, { "kind": "h2", "text": "Repeticiones, obsesiones y otras mañas" }, { "kind": "p", "text": "Lo primero que sale a la hora de pensar recursos y decisiones constantes en la filmografía de Nolan es su obsesión por el tiempo. Ya sea por desordenarlo como en *Memento* (*Memento, recuerdos de un crimen*), ralentizarlo como en *Interstellar* (*Interestelar*) o reconvertirlo como en *Tenet*, todas las películas del director tienen un énfasis particular puesto en el tiempo." }, { "kind": "p", "text": "En *Batman Begins* (*Batman inicia*), una de sus películas más comerciales, el tiempo es también una obsesión, a pesar de no ser técnicamente complejo como en otras de sus obras. Lo que lleva a Bruce Wayne (Christian Bale) a vestirse de murciélago y ser una supuesta buena persona es su propio miedo a los murciélagos generado de niño. Pero este temor no es un temor cualquiera. Es un trauma que se provocó por pedirle a sus padres salir de aquella obra de teatro, y que ineludiblemente terminó con el asesinato de los mismos por parte de un criminal don nadie. Bruce, al vestirse de murciélago, se está vistiendo de su pasado y está queriendo ocultar su propia historia, casi como haciéndose responsable de la muerte de su familia." }, { "kind": "p", "text": "Durante todo el film vemos cómo esto se deja implícito en la acción. El personaje y la lucha con su pasado es el elemento principal de \"la segunda historia\". Tal es el caso que hacia el final del film Nolan deja entrever que, aunque cree que lo superó, está lejísimos de hacerlo. Tenemos un plano donde ya habiéndole ganado al malo de turno, tapa el agujero de la mansión donde cayó de niño, dando a entender que ya está, que ya ganó. Pero aún así, el film decide terminar con una ruptura amorosa y la aparición de la carta de un nuevo villano como el Guasón. Nada cambió en Ciudad Gótica y nada cambió en Bruce Wayne. El pasado permanece y se carga de valor narrativo." }, { "kind": "p", "text": "En *Memento*, quizás el caso más claro de la relación de Nolan con el tiempo, sucede algo similar. Leonard Shelby (Guy Pearce) sufre de memoria a corto plazo y olvida todo lo que le digan a los pocos minutos. Esto genera distintas situaciones a lo largo de la película, pero además de que el protagonista quiera olvidar algo del pasado y tenga un sentido dramático, existe una cuestión narrativa fundamental. La historia que vemos, a excepción de las escenas en blanco y negro, está contada al revés, con el protagonista y su conocimiento espejado directamente con el espectador en su intención de no conocer lo que sucedió cronológicamente antes. Viendo la película contada de esta forma comprendemos cómo el personaje realmente quiere olvidar su pasado y sucede en este espejismo de Shelby con el espectador algo más que interesante de pensar sobre su visión." }, { "kind": "p", "text": "Los flexibles y maleables tiempos de Nolan siempre terminan apuntando a uno de los temas que más exploró en su cine. Si Alfred Hitchcock, generalizando, filmaba gente normal en situaciones extraordinarias, Nolan filma gente arrepentida queriendo olvidar su pasado. En *Inception* (*El origen*), por ejemplo, tenemos el caso de un protagonista como Dominic Cobb (Leonardo DiCaprio) que durante todo el film tiene que cumplir una tarea en su trabajo, pero su pasado se le interpone en el camino. Similar a un director de cine, Cobb debe crear un sueño, una aventura inexistente que termine generando una sensación particular en el soñador. En el medio de esa creación, queriendo sacar adelante a su equipo, su pasado se le interpone como el trauma con Bruce Wayne. Su exesposa, quien se suicidó creyendo en un sueño inexistente, aparece e intenta que la creación no se lleve a cabo." }, { "kind": "p", "text": "Este subtexto sobre lo difícil que puede resultar el proceso de la creación con un pasado traumático es uno de los recursos más interesantes a analizar de su filmografía en relación al tiempo. Nolan no solo habla como un autor de los mismos temas, si no que cada película tiene una visión única sobre los mismos. Volviendo al gran británico original, Hitchcock siempre disfrutaba de hablar y reflexionar sobre el voyeurismo y sobre lo que significa ver lo que les sucede a otras personas, pero no podemos encontrar dos películas iguales o que hablen de la misma manera. Aquí se nos puede venir a la cabeza otro director que suele ser nombrado en comparación a Nolan, desde detractores y fanáticos por igual, y quizás nos pueda ser útil ponerlos uno al lado del otro y ver el porqué de esta relación." }, { "kind": "h2", "text": "Sorpresa, sorpresa… Christopher Nolan no es Stanley Kubrick" }, { "kind": "p", "text": "Stanley Kubrick dirigió 13 películas en toda su vida. Cada una de ellas, a excepción quizás de su primera película *Fear and Desire*, tiene no solo su firma inigualable, sino que son totalmente distintas temáticamente las unas de las otras. Que una persona pueda dirigir *The Killing* (*Casta de malditos*), *Barry Lyndon* y *2001: Odisea del espacio* habla de una versatilidad prácticamente insólita en el séptimo arte, solo quizás merecedora de auténticos nombres mayúsculos como Howard Hawks. Pero más que esta enorme variedad en sus films, Kubrick tenía algo crucial: nunca filmaba por filmar." }, { "kind": "p", "text": "Nolan, en contraposición a la moda actual de ir saltando de producción en producción, se toma su tiempo para dirigir cada película. Se habla de que es un director detallista, meticuloso, y que piensa y reflexiona sobre cada una de las cosas que filma, al igual que su predecesor Kubrick, pero esto a pesar de tener algo de verdad, está fuera de contexto y, frecuentemente, equivocado." }, { "kind": "p", "text": "Decíamos que el tiempo es algo importante de su filmografía. Para que haya tiempo, según Nolan, debe haber ritmo. Las imágenes de Kubrick cuentan por sí solas, y tal como *El jardín de las delicias*, de El Bosco, cada fotograma puede ser interpretado y hasta tiene una invitación a la sobre-analización. Es como un mago que llega a un cumpleaños y les dice a todos los invitados: \"Lo que estoy por hacer ahora será grandioso\". Cada una de las personas que presencien este acto estarán viendo cada movimiento, cada decisión y, aún así, serán sorprendidos cuando el mago haga su truco. El valor visual de Kubrick es una de sus principales características y obsesiones, pero nada de todo esto sucede en la filmografía de Nolan." }, { "kind": "p", "text": "El fotograma de Nolan, por sí solo, no vale nada. A menudo su dirección se torna utilitaria, que va de punto A hacia el punto B. Es, visto desde esa manera, un director desprolijo y despreocupado por el espacio que está construyendo. Poco importa si un objeto está a la izquierda, arriba o a la derecha del personaje. Esta idea de composición prácticamente no existe en su cine. Pero si no hay composición… ¿cómo hay cine? Para entender esto tenemos que volver un segundo a los franceses." }, { "kind": "h2", "text": "La forma, el contenido y los autores británicos" }, { "kind": "p", "text": "Uno de los roles fundamentales de la idea de un autor que transmite en términos puramente cinematográficos y no simplemente desde sus palabras era para poder apreciar y comprender obras menospreciadas. La revista *Cahiers du Cinéma* estaba siempre en la búsqueda de comprender estas repeticiones y estas obsesiones porque, a diferencia de la literatura, es mucho más difícil hacer cine. Mientras que en la literatura uno solo necesita la inspiración, un lápiz y un papel (sí, claro, andá a escribir *Don Quijote* y después hablamos), en el cine tradicional todo es un poco más complejo." }, { "kind": "p", "text": "Se requiere de un equipo de personas, usualmente bastante grande, mucho dinero (aun en las películas más austeras, el número se habla en miles de dólares como mínimo) y la aprobación de un presupuesto por inversores que no paran de ver cómo películas arriesgadas fracasan y quiebran estudios. Si Hitchcock llegaba a un estudio y decía: \"Quiero hacer una película sobre el morbo de espiar gente\", lamentablemente no hubiera llegado lejos. No solo porque los estudios de los cuales se pudo liberar con el tiempo nunca le hubieran presupuestado un film así, sino porque los medios y las masas no querrían ver un cine tan político. Sin entonces poder desarrollar sus temas de forma libre y abierta, a menudo directores como John Ford o el mismo Hitchcock los camuflaban detrás de estas repeticiones formales insertas desde el seno de la industria." }, { "kind": "p", "text": "La decisión de contar desde las formas podría tener su origen desde esta persecución al tema. Es como una especie de código oculto, que no todos deben entender, pero donde realmente estos directores hacían Cine con mayúsculas. A Nolan, estando en la generación en la que está, no le interesa hacer las cosas de esta manera. Su cine, al igual que en el Hollywood clásico, sí esconde siempre ese algo más, pero este cifrado existe en el subtexto y en lo que les sucede a los personajes. Existe en las situaciones dramáticas y en lo que significan narrativamente, pero lo formal le es indistinto. Los fotogramas por sí solos son desechables, pero juntos generan este tren que no para y sigue hasta el final del film. Quizás por eso se puede entender tanto porqué es ahora el abogado de las salas de cine." }, { "kind": "h2", "text": "\"No trates de entenderlo. Debes sentirlo\"" }, { "kind": "p", "text": "Una frase así de banal y poco profunda es lanzada en el medio de *Tenet*, la última película de Christopher Nolan hasta la fecha y su primer fracaso comercial. Vista así, parecería ser una frase dicha por algún gurú de poca monta, pero en la película esta frase es expresada por una mujer científica que aparentemente tiene, como mínimo, una compleja carrera universitaria que respalda lo que dice. Podemos interpretarla como una línea más que evidencia lo poco profundo que es el cine de Nolan, pero también podemos interpretarlo como una auto-cita sobre la propia forma que tiene el director de ver el cine." }, { "kind": "p", "text": "Nolan, y en eso sí se parece a Kubrick, nos invita a soñar. Nos invita a repensar todo lo que vemos, a reinterpretarlo y a comprender nuestro pasado. Es una invitación a la aventura que nos dice que nunca le creamos a sus personajes, que siempre busquemos algo más y que vivamos la experiencia una y otra vez. Todas sus películas invitan a la revisión y al análisis temático de su obra. Desde su ópera prima, *Following*, Nolan nos lleva a descreer y a interpretar." }, { "kind": "p", "text": "La música, los efectos especiales grandilocuentes y los actores famosos de sus obras nos grita cine comercial por todos lados. Nos dice que es simplemente una película más, algo desechable y que sirve para pasar el rato, pero al mismo tiempo nos deja pistas que indican directamente lo contrario. Solo queda buscar, a pesar de lo que dice la mujer científica en *Tenet*, las decenas de miles de interpretaciones sobre lo que sucede en el film subidas a YouTube. Siempre hay algo más." }, { "kind": "p", "text": "Pero si intentamos ver su cine con el ojo del formalismo, Nolan se cae a pedazos. Es un director aparentemente despreocupado por el valor de sus obras, y más preocupado porque no te levantes de tu butaca cuando estés en tu sala IMAX de preferencia. Es en esta ambivalencia, la de hacer cine comercial lo más masivo posible y a su vez un cine autoral y clásico, donde encontramos la dicotomía de la polarización sobre Nolan. Pero en vez de quedarnos con la cuestión sobre si es un farsante o si es un iluminado, quizás lo mejor sea apreciar su visión, prácticamente única, en este infame siglo XXI." }, { "kind": "p", "text": "Una época sin nombres y apellidos, que invisibiliza al autor y genera repeticiones difusas. Donde los nombres propios son los de los productores, y el supuesto arte está más cerca de los festivales y menos de las salas. Quizás es justo en esos tiempos donde nos puede ser útil rever nuestra visión sobre lo que debe o no debe ser el arte. Porque al fin de cuentas, y en palabras textuales de un enorme artista como Charly García: \"El arte es cagarse de frío\"." } ], "related": [ "2023-oppenheimer", "2021-las-cosas-en-el-stano", "2023-yo-creo-en-el-cine", "2000-nueve-reinas" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "2023-oppenheimer", "score": 25 }, { "type": "edibarak", "slug": "2021-las-cosas-en-el-stano", "score": 13 }, { "type": "edibarak", "slug": "2023-yo-creo-en-el-cine", "score": 13 }, { "type": "critica", "slug": "2000-nueve-reinas", "score": 4 } ] } ]; window.EDITORIALES = EDITORIALES_RAW; // ─── BIO (Detrás de escenas) ────────────────────────────── window.RINTANA_BIO = { "greeting": "Soy Nicolás Barak.", "blocks": [ "Me gusta pensar el cine. En un momento me propuse verlo todo: una película por día, de todos los países, tiempos y géneros. Casi lo logro, veo entre 300 y 400 por año, pero el todo es mucho.", "Rintana nace como un repositorio de mis pensamientos. Algunas son críticas, unas divagaciones, otras opiniones fuertes. En su mayoría, escritas en pocos minutos, revisadas con cariño.", "No me tomo el cine tan en serio como parece, pero me tomo la forma en serio. Cada sección de Rintana tiene una cara distinta porque cada texto pide una forma distinta.", "Escribí entre 2019 y 2024 en Cuatro Bastardos, de donde migran muchas de estas notas. Desde 2026 todo vive acá, en Rintana. También tuve un podcast (\"Benjamin Podcast\"), estudié crítica con Diego Batlle y dirigí tres cortometrajes.", "Si llegaste hasta acá, gracias. Volvé cuando quieras." ], "signoff": "Nicolás — 2026" }; // ─── CAPÍTULOS IB (Inmenso Bastardo) ────────────────────── window.IB_CAPITULOS = [ { "slug": "1915-nacimiento-nacion", "title": "The Birth of a Nation", "filmTitle": "The Birth of a Nation", "year": 1915, "director": "D.W. Griffith", "num": "I", "kicker": "Capítulo 01", "cover": "/fotogramas/1915-nacimiento-nacion-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/nacimiento-nacion-poster.jpg", "rating": 5, "excerpt": "Considerada la primera película de la historia, su legado va más allá de lo técnico. Es también una advertencia sobre el poder del cine como instrumento de comunicación.", "related": [ "1960-spartacus", "1959-ben-hur", "1939-gone-with-the-wind", "1963-cleopatra" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1960-spartacus", "score": 20 }, { "type": "critica", "slug": "1959-ben-hur", "score": 20 }, { "type": "critica", "slug": "1939-gone-with-the-wind", "score": 20 }, { "type": "critica", "slug": "1963-cleopatra", "score": 20 } ], "blocks": [ { "kind": "p", "text": "Según muchos teóricos e historiadores, El nacimiento de una nación es la primera película de la historia. ¡Oiga! ¿No era la de los trenes la primera? ¿Qué hay de la luna de George Méliès? ¿Scorsese me mintió en Hugo? Vamos de a poco… Para poder declarar cuál fue la primera película de la historia, es imprescindible definir lo que es una película. Si reducimos el concepto de película a una proyección con espectadores, por ejemplo, tendríamos que darle el honor a nuestros antepasados neandertales, quienes hacían espectáculos con las sombras provocadas por la luz del sol en cuevas varias. Si eso, entonces, no es una película, hay que trabajar aún más el concepto." }, { "kind": "p", "text": "Dejando de lado el aspecto tecnológico de la cuestión, no resulta tan descabellado ese concepto neandertal del cine. El cine es, primero que todo, arte en movimiento. Pero hay un concepto fundamental que diferencia una película de una obra de teatro o de una novela literaria. Y ahí es cuando entra el señor Griffith en el tema. Previo a Griffith, en casos antes mencionados como La llegada de un tren a la estación de La Ciotat, dirigida por los Hermanos Lumière, o las aventuras fantásticas de Georges Méliès, el cine carecía de un lenguaje propio. Todos los recursos que este utilizaba para narrar provenían del teatro o de la literatura." }, { "kind": "p", "text": "La perspectiva siempre estaba de frente y tomaba a sus personajes como si los estuviéramos viendo en una sala teatral. Por otro lado, cada escena era construida con un solo plano, es decir, una sola imagen, y totalmente estática sin movimiento alguno de la cámara. Aun en casos como las películas de Méliès, quizás más avanzadas que los Lumière, el corte de un plano significaba el corte de la situación y se pasaba a otro espacio. Hasta los actores provenían en su totalidad de una formación teatral." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/birth-3.jpg", "alt": "Fotograma de The Birth of a Nation" }, { "kind": "p", "text": "Vale la pena también destacar que, probablemente limitados por la cuestión técnica, todas las historias previas a El nacimiento de una nación duraban menos de 3 horas. Pero no es simplemente que Griffith tuvo la idea de hacer una película más larga. Esta idea de la construcción de un lenguaje cinematográfico propiamente dicho es la real hazaña del director. No es que haya inventado los recursos en sí mismo, pero si fue el primero en realmente ponerlos al servicio del espectador. Ejemplificamos un poco para aclarar." }, { "kind": "p", "text": "Ya había habido experimentos con la idea de \"los primeros planos\" (véase por curiosidad por Youtube Sick Kitten (1903) en el cortometraje de George Albert Smith) como elemento para generar una mayor emotividad en el espectador. También ya existían casos donde se usó el montaje para generar tensión en el espectador (por ejemplo, The Great Train Robbery (1903), de Edwin S. Porter), mediante el hoy conocido como \"montaje paralelo\". Mientras que en estos casos, los cortometrajes que probaban estos recursos funcionaban más como experimentos audiovisuales, Griffith conduce al espectador. Como un pintor con sus pinceladas, Griffith utiliza estos recursos continuamente, de formas totalmente naturales, con un objetivo hacia el espectador. Griffith manipula, direcciona y, sobre todo, emociona." }, { "kind": "p", "text": "Esta habilidad, totalmente adelantada a su época demuestra un poco el enorme éxito que tuvo el film. Cuando estrenó, rompió todos los récords de taquilla con los que Avengers: Endgame siempre soñó. Fue invitado a proyectar su película a la Casa Blanca (la primera película de la historia en ser proyectada allí), y no había persona en Estados Unidos que desconociera el estreno en aquel 1915. Comenzaban a surgir las primeras críticas cinematográficas de la historia, con periodistas debatiendo apasionadamente sobre la calidad del film. Pero, a pesar de todo lo que he descrito anteriormente, hay un legado aún mucho más importante de El nacimiento de una nación que analizar." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/luna-melies.jpg", "alt": "Fotograma de The Birth of a Nation" }, { "kind": "p", "text": "Si le damos el título de primera película de la historia, también debería acceder a competir como una de las películas más racistas de toda la historia. El padre de Griffith había luchado en la guerra de secesión, del lado de los confederados. Es decir, pro esclavitud. Estas enseñanzas no son invisibles en la perspectiva del director, quien retrata a los esclavos afroamericanos de la forma más desastrosa que se ha visto en una película. Casi como animales salvajes, los esclavos funcionan no solo como el enemigo principal de la película, sino que les quita cualquier signo de humanidad. Esto que hoy es visto como horripilante ante cualquier espectador avispado, no lo fue en su época." }, { "kind": "p", "text": "A pesar de ser obviamente una película totalmente polémica, la gran mayoría del público simplemente disfrutaba de ver esta construcción caricaturesca, sobre todo porque no la veían como tal. Mientras que en Boston la película era prohibida y repudiada, en los estados sureños era, como se le pondría en un póster hoy, un sensacional éxito. La gente iba una y otra vez a ver esta épica historia de más de 3 horas de duración, sobre todo con la intención de ver la secuencia final en la cual el Ku Klux Klan aparecía para salvar a los protagonistas y fusilar a los salvajes afroamericanos. Sí, así como lo leés." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/nacimiento-nacion-2.jpg", "alt": "Fotograma de The Birth of a Nation" }, { "kind": "p", "text": "Y es exactamente por eso que el legado más pesado del film no es el de sus proezas técnicas o su habilidad narrativa. Gracias al film, los del Ku Klux Klan, quienes para entonces no eran mucho más que una secta en caída y claramente derrotada luego de la guerra de secesión, resurgieron. Si, la esclavitud no existía más, pero la discriminación se hacía cada vez más fuerte. No solo era el simple hecho de tener un baño aparte, que ya sería algo totalmente repudiable, sino que justamente el Ku Klux Klan, resurgidos luego del éxito comercial de la película, comenzaría su etapa más sanguinaria de toda la historia. Entre otras cosas, capturando afroamericanos para quemarlos en hogueras, en nombre de algún dios cristiano que apoyaba todo este suceso espeluznante y apoyado indirectamente por un estado igual de culpable, que proyectaba \"El nacimiento de una nación\" como si fuera una verdad absoluta." }, { "kind": "p", "text": "Sumemos a todo este revuelto una enorme cantidad de analfabetismo. ¿Qué da como resultado? Un medio expresivo como el cine que desde su mismo nacimiento se alza, lamentablemente, como un fenómeno primeramente social. Es verdad que vista hoy en día, El nacimiento de una nación se parece más a una propaganda nazi que a una de esas de las que ganan el Oscar. Pero si solo nos quedamos con eso, no estamos entendiendo el problema." }, { "kind": "p", "text": "El legado más importante de la primera película de la historia no es su tecnicismo, replicado a futuro por miles de realizadores. Su legado es el de que entendamos que el cine no solo es cine, y que el arte muchas veces funciona más como instrumento de comunicación que como simplemente entretenimiento. En esta sección veremos muchos más casos, con películas igualmente inmensas pero un poco más positivas, al cine como elemento crucial para retratar a la sociedad. Aun así, nunca hay que olvidar que la masividad tiene un costo. Y ese costo, es la responsabilidad." } ] }, { "slug": "1939-gone-with-the-wind", "title": "Gone with the Wind", "filmTitle": "Gone with the Wind", "year": 1939, "director": "Victor Fleming", "num": "II", "kicker": "Capítulo 02", "cover": "/fotogramas/gone-with-the-wind-8.jpg", "poster": "/fotogramas/gone-with-the-wind-poster.jpg", "rating": 9, "excerpt": "La película más taquillera de la historia hasta 2018. Fotografía deslumbrante, personajes profundos, color que hipnotiza. 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Selznick? ¿Por qué no nombró al director? Empecemos por ahí." }, { "kind": "p", "text": "La idea del único autor es un tema bastante polémico y con diversas opiniones dentro del mundo del cine. Del arte en general en realidad. La existencia de un solo autor responsable sobre todo lo que corresponde a una pieza artística puede resultar algo obsoleta, pero definitivamente sigue viva y presente dentro de la sociedad actual. En un film hay siempre muchísima gente que participa del rodaje, desde los técnicos (que a veces son cientos), los actores, los productores. En fin, muchísima gente involucrada. Pero si hay que elegir un único responsable del éxito o el fracaso de una obra, se suele seleccionar a la persona que lideró de alguna manera todo el proceso artístico, que suele ser el director de la película. Aun así, no siempre es ese el caso, con producciones como las películas de Marvel, más conocidas por su sello de superhéroes en general que de las visiones de sus directores en particular." }, { "kind": "p", "text": "Pero lo que hoy nos puede resultar molesto, es decir, que un director no tenga libertad creativa para desarrollar su propia visión, no siempre fue así. Y mucho menos si tenías de productor al señor David O. Selznick. No solo conocido como el productor de la película de la fecha, este señor tiene en su curriculum películas como \"Rebecca\" de Alfred Hitchcock, con quien se peleó luego por diferencias creativas, el western \"Duel in the Sun\" de King Vidor, con quien se también se peleó por diferencias creativas, la película de cine negro \"The Third Man\" de Carol Reed, con quien se peleó por – sí, de nuevo, diferencias creativas. Tener un productor tan involucrado obviamente benefició a todas estas grandes películas, principalmente porque había una misma visión desde el momento en que se compraban los derechos hasta la sala de edición, pero esta era tan dura e inamovible que conflictuaba con todas las personas que se involucraban en el medio." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/gone-with-the-wind-2.jpg", "alt": "Fotograma de Gone with the Wind" }, { "kind": "p", "text": "Obviamente, \"Lo que el viento se llevó\" no fue la excepción. La película tuvo 3 directores, 3 directores de fotografía y hasta 6 guionistas distintos, todos contratados para rehacer y mejorar el trabajo del anterior, en busca de poder llevar a cabo la visión del productor. Esta noción del productor como único autor del film también contribuyó a un nivel de trabajo elevado en todos los aspectos de la producción. En el casting, por ejemplo, se dice que entrevistaron a alrededor de 1400 personas para el rol de la protagonista, finalmente interpretada por la para ese momento desconocida Vivien Leigh. Pero ya que estamos hablando de protagonistas, dejemos un poco de lado estos \"datazos\" que contextualizan el film y entremos ya a hablar de la película en sí misma." }, { "kind": "p", "text": "Y que mejor forma que describiendo el enorme personaje de la protagonista de esta historia. \"Lo que el viento se llevó\" cuenta la historia de Scarlett O'Hara, una joven mujer sureña que durante 1861 vive en su elegante mansión y goza de todos los lujos de los que puede gozar. Tiene todo lo que quiere, hasta que se enamora de Ashley (que es un nombre de hombre, aclaro por si la época no se los aclaraba ya) quien está a punto de casarse con otra mujer. Eso, que funciona como la trama principal en un principio, termina siendo la estructura de una historia mucho mayor, ya que para los que saben algo de historia estadounidense, justo en 1861 estalla la guerra de secesión, donde todos estos privilegios sureños que mantenían estas enormes mansiones iban a ser derrotados en manos del ejército \"yankee\", los abolicionistas de la esclavitud." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/gone-with-the-wind-3.jpg", "alt": "Fotograma de Gone with the Wind" }, { "kind": "p", "text": "La guerra desencadena una montaña rusa de situaciones, emociones y pequeñas historias que van formando la gran historia de supervivencia, mientras que presenciamos el proceso de transformación sobre la niña mimada que veíamos al principio de la película hasta la mujer independiente, manipuladora, pero, sobre todo, imponente. La construcción interpretativa realizada por la desconocida Vivien Leigh, junto al enorme personaje elaborado en el guion forman una de las actuaciones más impresionantes de toda la historia del cine, que como decía al principio de este párrafo, lleva al espectador por una innumerable cantidad de situaciones y emociones distintas. Por momentos es una película de amor, de guerra, de aventura, de suspenso. Sucede de todo, y todas las transiciones son acompañadas por este increíble trabajo actoral." }, { "kind": "p", "text": "A eso se le suma unos muy buenos secundarios que, a pesar de no robarle en ningún momento el protagonismo a Vivien, se destacan prácticamente todos por igual. Clark Gable, que llegaba como la estrella del film, no hace agua alguna con una interpretación igual de polifacética que la de Vivien, pero el trabajo de Leslie Howard como Ashley, Olivia de Havilland (que falleció muy recientemente con 102 años de edad) como Melanie Hamilton o Hattie Mcdaniel como Mammy es igualmente muy destacable. Pero es con esta última, la actriz afroamericana Hattie Mcdaniel, donde deberemos detener el análisis y ya hablar del enorme elefante debajo de la mesa." }, { "kind": "p", "text": "La semana pasada hablábamos de una película que tranquilamente podría mostrarse en doble programa junto a \"Lo que el viento se llevó\", si no fuera por sus extensas duraciones, que era \"El nacimiento de una nación\" (1915). Ambas fueron impresionantes éxitos de taquilla, siendo justamente \"Lo que el viento se llevó\" la primera en romper el récord de más tickets vendidos que había hecho su antecesora, casi 25 años atrás. Pero, además de ser comercialmente impresionantes, ambas transcurren en la misma época, siendo esta la famosa guerra de secesión. En esta guerra civil, los estadounidenses se dividieron en dos. Unos querían abolir la esclavitud, y otros querían \"mantener sus derechos\" a tener esclavos." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/gone-with-the-wind-5.jpg", "alt": "Fotograma de Gone with the Wind" }, { "kind": "p", "text": "Pero, a pesar de transcurrir en la misma época y estar situadas del mismo lado de la guerra, es innegable que el racismo de la primera, en la cual recordemos, los héroes de la historia son literalmente el Ku Kux Klan, no tiene nada que ver con el racismo que puede llegar a tener la segunda. Pero, lo que también es innegable, es que en las dos el racismo existe. Ya de por si, en la novela original que Selznick compró, la historia es increíblemente racista y tiene muchísimas mas menciones al infame clan y la relación de este con sus protagonistas. Selznick, al leer todas estas menciones y recordar lo polémico y complejo que fue el estreno de aquella \"El nacimiento una nación\" probablemente cortó muchas de estas subtramas adrede, como se puede ver en el film, pero eso no le quita la base racista que se propone en la película final." }, { "kind": "p", "text": "Al comienzo mismo del metraje, sin que aparezca ningún personaje y, por lo tanto, sin ninguna perspectiva establecida todavía, los títulos que van detallando el elenco terminan con un texto que habla de una sociedad que se la llevó el viento, donde existieron los últimos caballeros y donde realmente la valentía y el honor daban su último flechazo. Palabra más, palabra menos. Ya desde ese texto, totalmente fuera de la diégesis, la película se perfila políticamente para un lado. Eso no quita que, obviamente, sería irreal ver una familia esclavista que en el medio de la guerra decidan ser pro-abolición y se den cuenta que lo que hacían estaba mal. Pero, como jugamos la carta de qué sería o no sería realista, tampoco podemos dejar pasar toda la romantización que la película propone hacia la época previa a la guerra." }, { "kind": "p", "text": "Personificado de alguna forma en el amor que tiene Scarlett hacia Ashley, su amor imposible, la protagonista añora una época que como decían los títulos, se la llevó el viento. Una época plagada de familias destruidas, linajes desaparecidos y una total falta de humanidad. Pero todo esto obviamente no está en la película. En este caso, los afroamericanos solo aparecen como sirvientes amigables y chistosos, que casi forman parte de la familia y que hasta en algún momento del film un blanco dice una expresión como \"pensaba liberarlos igualmente antes de la guerra\". Puede que no tengamos las juntadas violentas y asesinas que veíamos en \"El nacimiento de una nación\" donde los afroamericanos perseguían blancos para robar, violar y mutilar sin humanidad alguna, pero reflejar una sociedad tan desigual con tanto edulcorante claramente no es algo que esté bien." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/gone-with-the-wind-6.jpg", "alt": "Fotograma de Gone with the Wind" }, { "kind": "p", "text": "Y ahí es cuando tenemos que sentarnos a hablar realmente del problema de \"Lo que el viento se llevó\". Porque un espectador crítico puede sentarse, ver la película, y comprender las influencias racistas que tiene en la trama, pero no todos los espectadores son iguales ni tienen el mismo conocimiento sobre la historia. Si uno viera la película sin saber nada sobre la guerra civil, se podría pensar que los abolicionistas eran realmente un malvado grupo que les quitó derechos a la sociedad blanca y que tenía como único objetivo el derrocar las enormes mansiones mantenidas por sus esclavos. Pero claro, la película se cuenta desde la perspectiva de los confederados, tiene sentido que su perspectiva sea así. Es como querer contar una historia sobre el nazismo, desde la perspectiva de Hitler, y a su vez ver un Hitler preocupado por sus acciones antisemitas. Pero el tema en cuestión es que no todo lo que vemos está bien." }, { "kind": "p", "text": "Uno de los problemas de la masividad en el consumo en el arte se da justamente con la banalidad del mismo. ¿Cuánta gente que vio \"Lo que el viento se llevó\" abrió el Google y buscó un poco sobre la guerra de Secesión? Sus causas, sus consecuencias. ¿Por qué tardó tanto en comparación con otros países? ¿Qué relación tiene esta tardanza con la discriminación actual a los afroamericanos estadounidenses? ¿Cómo es la discriminación en mi país? ¿La policía también gatilla sin pensar? Estas son algunas de las infinitas preguntas que le pueden surgir a alguien luego de ver una obra como \"Lo que el viento se llevó\". La simple curiosidad de querer entender el proceso histórico, de poner en duda lo que uno ve y de llegar a sus propias conclusiones." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/gone-with-the-wind-7.jpg", "alt": "Fotograma de Gone with the Wind" }, { "kind": "p", "text": "Lo que hizo HBO Max cuando eliminó por unos días \"Lo que el viento se llevó\" para reintroducirla con un video de 4 minutos explicando su contexto puede que sea positivo, pero al fin de cuentas no es suficiente. Es imposible etiquetar todos los problemas de representación de la historia del cine. Qué estoy diciendo por favor, es imposible porque al día de hoy los afroamericanos solo aparecen en el cine para \"hacer de afroamericanos\". Ni hablar del rol de la mujer en la historia del cine y en la actualidad. No se puede etiquetar todo con una advertencia. El espectador debe poder tener una visión crítica. Si lo llevamos de la mano y le decimos que está bien y qué está mal, el día que no haya nadie para marcárselo, no podrá discernir entre el contenido de algún vídeo de youtube que niega el holocausto y la obra maestra de Spielberg que tuvo años y años de investigación sobre el nazismo." }, { "kind": "p", "text": "¿Sirvió lo que hizo HBO? Si, porque abrió las puertas a la conversación. Hoy en día miles de personas que no habían visto la película puede que la hayan querido ver y hayan querido comprender su contexto. Puede que hasta alguno haya abierto Wikipedia y haya buscado la guerra de secesión. Pero el real cambio debe venir inequívocamente de la educación. Debemos replantearnos cómo consumimos lo que consumimos. Debemos repensar por qué disfrutábamos lo que disfrutábamos y por qué puede que ya no lo disfrutemos más. Debemos evolucionar como una sociedad crítica porque si no lo hacemos, algún día dejará de estar de moda señalar y las plataformas ya no borrarán el contenido. Y lo volveremos a consumir, sin contexto alguno, sin saber qué está bien y qué está mal." }, { "kind": "p", "text": "\"Lo que el viento se llevó\" es una obra maestra del cine. Su fotografía es impresionante. El color es impresionantemente bello. Sus personajes son profundos y complejos. Sus 4 horas de duración pasan como agua y son sencillamente atemporales. A su vez, es racista. Lo era hace 30 años, hace 50 y cuando salió. Hoy, quizás, lo podemos ver. Intentemos que podamos verlo mañana." } ] }, { "slug": "1954-seven-samurai", "title": "Seven Samurai", "filmTitle": "Shichinin no Samurai", "year": 1954, "director": "Akira Kurosawa", "num": "III", "kicker": "Capítulo 03", "cover": "/fotogramas/1954-seven-samurai-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/seven-samurai-poster.jpg", "rating": 9, "excerpt": "Más de tres horas justificadas no por un presupuesto enorme, sino por una necesidad dramática real. Kurosawa demostró que la épica se construye desde los personajes, no desde la escala.", "related": [ "1956-diez-mandamientos", "1959-ben-hur", "1962-lawrence-arabia", "1939-gone-with-the-wind" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1956-diez-mandamientos", "score": 22 }, { "type": "critica", "slug": "1959-ben-hur", "score": 22 }, { "type": "critica", "slug": "1962-lawrence-arabia", "score": 20 }, { "type": "critica", "slug": "1939-gone-with-the-wind", "score": 20 } ], "blocks": [ { "kind": "p", "text": "Quizás por la naturaleza de la sección, la palabra obra maestra a veces quede un poco banalizada, ya que, al fin y al cabo, estamos hablando de las películas más grandes de la historia. Pero, en este caso y a diferencia de los dos primeros episodios donde hablábamos de películas enormes e imponentes visualmente por sus decorados inmensos y sus altísimos presupuestos, no tenemos específicamente eso. A pesar de ser una película increíblemente ambiciosa desde la producción, con una ambientación en el Japón feudal y unos decorados igual de enormes a sus expectativas, la puesta en escena podría ser un paso atrás en relación a las propuestas estadounidenses. Pero digo podría porque, efectivamente, no lo es." }, { "kind": "p", "text": "Vamos a hablar de la historia. Y para hablar de la historia, vamos a tener que hablar de el legado que le dejó al cine. La premisa es simple. Japón, año 1586. Un grupo numeroso de bandidos se dedican a asaltar ciudades y pueblos enteros, robándoles la cosecha y dejando a su población sin comida alguna. Cuando los campesinos de un pueblo se enteran de que serán atacados muy pronto por estos bandidos, se deciden a contratar a siete samuráis (que es con suerte lo que podían permitirse) para que frenen a los malhechores y defiendan su cosecha." }, { "kind": "p", "text": "Esta premisa, que hoy parece simple y directa, fue en su momento la piedra fundamental que terminó estructurando miles de películas a futuro. Desde el obvio ejemplo de los remakes que tuvo, como \"Los magníficos siete\" (1960) de John Sturges (que a su vez tuvo un remake en 2016) que en forma de Western repetía la estructura de buscar 7 salvadores que defiendan a un pueblo, hasta películas como \"Los vengadores\" (2012) o \"La liga de la justicia\" (2017), con una estructura igual de parecida. Pero reducir \"Los siete samuráis\" a la estructura sería definitivamente achatar una obra llena de detalles y mimos del cineasta, que crearía su propio estilo visual y desarrollaría una influencia cinematográfica brutal." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/seven-samurai-2.jpg", "alt": "Fotograma de Shichinin no Samurai" }, { "kind": "p", "text": "Para entender este estilo de Akira Kurosawa, primero debemos comprender de dónde venía el cine japonés en su totalidad. Japón, para el año 1954, recién estaba recuperándose de las catástrofes producidas al estar en el bando de los malos durante la segunda guerra mundial. Sus películas durante la segunda guerra fueron, obviamente, propagandísticas, pero con el final de la guerra y luego de las bombas atómicas de Hiroshima y Nagasaki, el pueblo y sus cineastas quedaron afectados con un sentimiento de desesperanza. Películas como \"El ángel ebrio\" (1948) son una clara muestra de este sentimiento, el cual a pesar de no ser directamente catalogado como \"película de posguerra\", si demuestra este tono depresivo de aquella sociedad. Otros países como Italia si hablarían de forma más directa sobre el efecto de la guerra en su pueblo, pero en Japón esto está mucho más oculto en el exterior, siendo a su vez, mucho más presentes en su interior." }, { "kind": "p", "text": "La lista de cineastas que salieron de ese sentimiento de posguerra fue claramente enorme. Cineastas como Kenji Mizoguchi o Yasujirō Ozu fueron marcados por este estilo, ya sea porque lanzó sus carreras o porque afectó a las mismas con un tono de madurez mucho más claro y desarrollado. Dentro de este tipo de cineastas, Akira Kurosawa será probablemente el más prestigioso a niveles internacionales, con premios en festivales de cine y una llegada mucho más masiva. Pero, a pesar de ser obviamente un director japones, no es difícil encontrar las influencias de las que toma Kurosawa para su propio estilo." }, { "kind": "p", "text": "Está claro que el Western de tipos como John Ford (el estadounidense por antonomasia) sirvieron para la iconografía visual que iba a generar Kurosawa. Películas como \"La diligencia\" (1939) son claros antecesores del estilo del japonés, quien miraba a los estadounidenses con el mismo cariño que luego Tarantino mirará a los japoneses. Los planos generales, la fluidez de la cámara, y hasta la personalidad de algunos de sus héroes, todo es tomado por el director, y reconfigurado. A su vez, el estilo propio de Kurosawa iba a ser retratado luego en los westerns estadounidenses del 60, también llamados \"Western crepusculares\" por esta misma sensación de desesperanza y de final de tramo." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/seven-samurai-3.jpg", "alt": "Fotograma de Shichinin no Samurai" }, { "kind": "p", "text": "Volvamos entonces a \"Los siete samuráis\". Decíamos que este estilo desesperanzador de posguerra está muy presente en Kurosawa. Una de las maneras más claras de entender, de una forma simplista y bastante básica, el poderío dramático de esta película es en las motivaciones de los samuráis. Tal como uno de los samuráis le dice a otro para traerlo a la tarea. \"Esta misión no nos dará ni fama ni dinero.\" No había mayor motivación que la justicia. El honor. Vaya uno a saber que le puede disparar esta frase al espectador. Lo que si se puede tangibilizar, sin ánimos de spoilear, es que el final de la película deja claro un espejismo con esta frase dicha casualmente durante el film. Está claro quienes ganan y quiénes no ganan la batalla." }, { "kind": "p", "text": "La potencia narrativa de la película posibilita a su vez estas 3 horas y 27 minutos de metraje. Pero no dura todo ese tiempo porque tenemos un viaje extremadamente costoso con centenas de decorados y presupuestos millonarios. Dura esto porque esa es la sensación que Kurosawa quiere dejar en el espectador. Un viaje que haremos junto a estos samuráis, y donde la historia y lo que cuenta es mucho más grande que su presupuesto o su decorado grandilocuente. Eso sí, algunas escenas demuestran el talento que tuvo el director para filmar esta inmensidad, siendo muy recordada entre la cinefilia una secuencia entera donde la lluvia no para de caer, un efecto visual bellísimo y que potencia aún más lo que sucede dramáticamente en pantalla." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/seven-samurai-4.jpg", "alt": "Fotograma de Shichinin no Samurai" }, { "kind": "p", "text": "También, desde el punto de vista visual (oh dios mío, que redundante) hay muchas más herramientas del director para generar su estilo. Elementos que ya había probado por el director en películas anteriores como \"Rashomon\" (1950), también ambientada en el japón feudal, vuelven y son replicados con aún mayor efectividad. Tenemos, por ejemplo, otro de los legados cinematográficos ya grabados en la cultura estilística de cualquier director \"de los de ahora\", que es el uso de los lentes teleobjetivos para los duelos y las batallas de samuráis. Estos lentes están caracterizados por desenfocar gran parte de la imagen, a su vez generando una mayor sensación de velocidad al mover la cámara, logrando de esta forma un dinamismo y un ritmo mucho más ágil, hoy replicado por prácticamente cualquier película de acción." }, { "kind": "p", "text": "Pero, aunque el estilo visual de Kurosawa sea uno de sus mayores legados, insisto con que, al menos con \"Los siete samuráis\", lo visual está en un segundo plano. Los personajes que interpretan cada uno de los samuráis, sus motivaciones, sus decisiones, sus maneras de ser. Todo esto es lo realmente importante de la película. La potencia dramática de sus personajes es la que finalmente posibilita que cuando la acción llegue a la pantalla, cuando estos samuráis finalmente se confronten a los malvados bandidos, podamos sentir algo por ellos. Que realmente nos importe lo que les pasa es eventualmente lo que diferencia una película aburrida de una entretenida. Y que realmente lo que pasa signifique algo es lo que, finalmente, diferencia una gran película de una obra maestra." }, { "kind": "p", "text": "Es obviamente imposible poder escribir con certeza todo el legado que \"Los siete samuráis\" y Akira Kurosawa dejaron para el posterior mundo del cine. Lo que si se puede entender es que este legado no es simplemente un movimiento cinematográfico al pasar o algo que solo le interesó a los \"cinéfilos intelectuales\". Desde directores como Sergio Leone con \"Por un puñado de dólares\" hasta George Lucas con \"Star Wars\", todos han sido influenciados directamente por el cineasta japones y sus intenciones. Por eso es quizás aún más importante que se recuerde como se debe a este tipo de obras, que no solo fueron piezas elementales de la construcción de un arte cinematográfico, sino que, si son vistas hoy en día, son igual de excelentes que hace 70 años. Cine atemporal." } ] }, { "slug": "1956-diez-mandamientos", "title": "The Ten Commandments", "filmTitle": "Los diez mandamientos", "year": 1956, "director": "Cecil B. DeMille", "num": "IV", "kicker": "Capítulo 04", "cover": "/fotogramas/1956-diez-mandamientos-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/diez-mandamientos-poster.jpg", "rating": 8, "excerpt": "La respuesta de Hollywood a la televisión fue simple: hacerlo todo más grande. Más de 10.000 extras en un solo plano, Technicolor deslumbrante y la apuesta de Paramount que inició la carrera por hacer la película más grande de la historia.", "related": [ "1959-ben-hur", "1960-spartacus", "1963-cleopatra", "1939-gone-with-the-wind" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1959-ben-hur", "score": 38 }, { "type": "critica", "slug": "1960-spartacus", "score": 28 }, { "type": "critica", "slug": "1963-cleopatra", "score": 28 }, { "type": "critica", "slug": "1939-gone-with-the-wind", "score": 28 } ], "blocks": [ { "kind": "p", "text": "Resulta muy difícil encontrar una historia más épica y grandiosa como la del relato bíblico, específicamente la del éxodo judío. Para la época, ya había habido intentos de volver a narrar uno de los relatos más antiguos de todos los tiempos. Por ejemplo, en 1949 salía la novela \"Príncipe de Egipto\" escrita por Dorothy Clarke Wilson, pero si vamos más años atrás, hasta dentro del cine había habido intentos similares. El caso más claro sería evidentemente la película de título homónimo, \"The Ten Commandments\" estrenada en 1923 y dirigida por el mismo director que en la versión de 1956." }, { "kind": "p", "text": "El valor histórico de la versión de 1923 es claramente innegable. Resulta increíble que se haya podido hacer algo así hace casi 100 años. Sin embargo, pese a este enorme valor, la versión del 23 no tiene punto de comparación ni en tamaño ni en calidad con su posterior \"remake\", si se le pudiera llamar de esta forma. El hipotético va en este caso porque no solo en la primera versión se narraba una historia muchísimo más reducida del relato bíblico, sino que este representaba solo la mitad del metraje. La segunda mitad de la película es una historia moderna y creada para explicar de una forma bastante explicita el \"poder\" de los diez mandamientos en la actualidad." }, { "kind": "p", "text": "A pesar de esta segunda mitad un poco de trazo grueso, la historia ya estaba contada por el mismo director, en el mismo medio expresivo y con una calidad ya bastante aceptable. ¿Por qué se volvió a hacer? Para responder esta pregunta, es fundamental entender dónde estaba la industria cinematográfica en ese momento, ya que estaba comenzando a nacer uno de los enemigos más importantes de la misma. O al menos así se vivió en esa época, que no conocían el peligro de los malvados y monstruosos servicios de streaming que conocemos hoy." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/diez-mandamientos-2.jpg", "alt": "Fotograma de The Ten Commandments" }, { "kind": "p", "text": "Luego de la segunda guerra mundial, el mundo obviamente cambió mucho. Veíamos por ejemplo como en Japón comenzaban a surgir historias más oscuras y profundas al analizar \"Los siete samuráis\" de Kurosawa, o con los casos de los movimientos cinematográficos de la posguerra en países como Italia o Francia. Pero, a decir verdad, en Estados Unidos ganaron mucha plata con esto de matar nazis. Además, gracias a la guerra, el país norteamericano pudo abaratar muchísimo los costos de lo que implicaba \"hacer tecnología\". Es por eso que un producto sin mucho éxito previo a la guerra como la televisión, consiguió dentro de la tragedia un empujón enorme." }, { "kind": "p", "text": "Para cuantificar este fenómeno basta con ver que en 1946, con la guerra recién terminada, un 0,5% de los ciudadanos estadounidenses tenían televisión. Para 1954, ese número se elevaba a casi un 56% de la población. Y esto, obviamente, no le gustaba mucho a los estudios cinematográficos. A pesar de ser televisores pequeños y en blanco y negro, el peligro de una migración del público de las salas hacia sus propios hogares se comenzaba a asomar. Es por esa razón que durante los próximos años (y si, también durante los próximos números de esta sección), los estudios comenzarán a hacer películas realmente inmensas, con el Technicolor más espectacular posible y con una especial atención a vender algo que la televisión nunca iba a poder replicar. Al menos eso pensaban en 1956." }, { "kind": "p", "text": "En ese contexto nace el proyecto de rehacer la película de \"Los diez mandamientos\". La historia es probablemente conocida por todo el mundo, pero vale la pena recordar algunos puntos clave. El pueblo judío estaba esclavizado. Moisés, uno de los hijos del faraón, descubre que es hijo de una familia judía en realidad, y gracias a eso comienza su viaje como el liberador de este pueblo, en una batalla religiosa nunca antes vista. De un lado, literalmente el poder de Dios. Del otro, el poder de un dictador egipcio sin humanidad alguna. Adivinen quién ganará." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/diez-mandamientos-3.jpg", "alt": "Fotograma de The Ten Commandments" }, { "kind": "p", "text": "Igualmente, el fantástico relato bíblico está complementado con algunas subtramas nuevas e inventadas para la película. El romance de Moisés, o el hecho de que los faraones tengan nombres reales son algunos de los puntos \"inventados\" de esta versión, con el fin de aligerar y dramatizar un poco más todo este épico conflicto. Estas dramatizaciones no terminan de quitarle el tono épico al relato, pero si son las que de alguna manera peor envejecen, por más paradójico que suene. Envejece peor lo que inventan en 1956 que la historia original de hace 4000 años." }, { "kind": "p", "text": "Pero vista hoy en día, lo que sin lugar a dudas más resalta de toda esta historia épica es su increíble cinematografía. Paramount Pictures es la encargada de dar el pistoletazo de salida a esta carrera por hacer la película más grande de toda la historia. El presupuesto, obviamente récord de su época, sería irrealizable hoy en día. Desde decorados inmensos y con un detalle impresionante, hasta lo que es específicamente la secuencia del éxodo del pueblo judío. El momento que Moisés abre las aguas o la persecución de los egipcios con sed de sangre involucró a más de 10.000 extras en plano. Si, más de 10.000. No, no me equivoque con los ceros." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/diez-mandamientos-4.jpg", "alt": "Fotograma de The Ten Commandments" }, { "kind": "p", "text": "A esto se le suma un punto diferencial y también muy importante en relación a las películas que veníamos viendo. Por esta época comenzaba a entrar en escena el hoy ya hegemónico formato panorámico dentro del cine, que se alejaba del encuadre más cercano a un cuadrado para mostrar una imagen muchísimo más larga y rectangular, como los cines o las pantallas de hoy en día. En este caso, la película fue filmada con la tecnología de Vistavision, un formato sorprendentemente detallado y con el cual se hizo obviamente un remasterizado impecable al formato digital. El Vistavision era, sobre toda las cosas, muy caro, pero gracias a él la película cuenta con una reproducción en color y en tamaño que al día de hoy solo se la puede caracterizar como brutal." }, { "kind": "p", "text": "El tamaño y calidad de este material fílmico fue obviamente acompañado por unos decorados muy difíciles de ser superados, tan solo en competencia con algunos contemporáneos que hablaremos en números posteriores de esta sección. Recordemos que no existía cosa alguna como \"efectos digitales\" o \"efectos por computadora\". Todo lo que vemos en pantalla se filmaba realmente, con lo que fueron algunos de los sets más grandes de toda la historia. A todo eso se le agregan unos efectos prácticos totalmente increíbles, que obviamente ganaron su correspondiente premio óscar ese año, pero que vistos al día de hoy siguen siendo más que sorprendentes." }, { "kind": "p", "text": "En cuanto al reparto, ya con toda la plata que se estaba gastando, no hubo recorte alguno. Algunas de las estrellas más grandes de esos tiempos formaron parte de la historia, con nombres en roles secundarios como John Carradine, Vincent Price o Edward G. Robinson, para dar algunos ejemplos. En la némesis de nuestro protagonista estuvo Yul Brynner, quien en su papel como Ramsés II se destaca como pocos y funciona perfecto para dar algunos de los monólogos más interesantes del film. En el interés romántico de Moises, tenemos a Anne Baxter, quien a pesar de no tener el personaje más profundo de la película (seamos sinceros, su opinión sobre el amor no resiste archivo), tiene algunas escenas muy potentes." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/diez-mandamientos-6.jpg", "alt": "Fotograma de The Ten Commandments" }, { "kind": "p", "text": "Y por último, para el personaje protagonista, tenemos a la superestrella Charlton Heston, quien para esa época estaba pasando uno de sus momentos más grandes como celebridad de Hollywood, y que luego de su interpretación como Moisés su nombre quedaría grabado a piedra dentro de la extensa historia de Hollywood. No es que su interpretación sea muy espectacular, porque cualquiera que haya visto a Charlton Heston actuar podría darse cuenta de que en realidad es un tipo bastante sobrio e inexpresivo. Pero en este caso, bajo el misticismo de profeta divino, su forma de actuación le vino como anillo al dedo. Hoy en día, resulta muy difícil pensar en otro Moisés que no fuera interpretado por él." }, { "kind": "p", "text": "Todo este reparto es acompañado por un guion extremadamente shakespeariano en sus formas, que con grandes monólogos y personajes totalmente sedientos de poder se opondrán y jugarán un duelo increíble. Las escenas donde Moisés y Ramsés II se enfrentan son momentos dramáticos increíbles y cualquier amante de la construcción clásica podrá apreciar estos duelos verbales tan precisos. Eso sí, quizás demasiado teatrales teniendo en cuenta los decorados con los que contaban, pero tampoco se le puede pedir todo a una propuesta tan comercial y riesgosa al mismo tiempo." }, { "kind": "p", "text": "Este fue el primer intento de ganar lo que pasaría a ser un duelo casi interminable entre la televisión y la industria cinematográfica. La producción de Paramount Pictures sentó un listón altísimo para las películas venideras, que durante las décadas del 50 y el 60 competirán por hacer la película más grande de todos los tiempos. Dentro de toda esta competición, muy pocas llegarán al nivel de calidad que tuvo \"Los diez mandamientos\", que en sus 3 horas 40 termina contando el relato más grande jamás creado sobre la libertad y la ley. Sus efectos prácticos, sus sets imposibles y su depurada creatividad tienen un escalón aparte dentro de las hazañas cinematográficas de Hollywood, con secuencias irrepetibles y momentos únicos en la historia del cine. Aun así, esta extensa carrera por hacer la película más grande del mundo no será gratuita…" } ] }, { "slug": "1959-ben-hur", "title": "Ben-Hur", "filmTitle": "Ben-Hur", "year": 1959, "director": "William Wyler", "num": "V", "kicker": "Capítulo 05", "cover": "/fotogramas/1959-ben-hur-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/ben-hur-poster.jpg", "rating": 9, "excerpt": "La respuesta de MGM a Paramount: hacer la película más grande jamás filmada. Lo que distingue a Ben-Hur es que su grandeza no sacrifica profundidad. Una epopeya emocional sobre la fe, la injusticia y la identidad.", "related": [ "1956-diez-mandamientos", "1939-gone-with-the-wind", "1963-cleopatra", "1960-spartacus" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1956-diez-mandamientos", "score": 38 }, { "type": "critica", "slug": "1939-gone-with-the-wind", "score": 28 }, { "type": "critica", "slug": "1963-cleopatra", "score": 28 }, { "type": "critica", "slug": "1960-spartacus", "score": 28 } ], "blocks": [ { "kind": "p", "text": "\"Los diez mandamientos\" rompió el mercado. Los estudios de Paramount Pictures habían comenzado una carrera por hacer la película más grande de toda la historia. Más grandes que la vida misma, en algunas ocasiones. No es que hayan inventado el concepto de superproducción histórica, que existe casi desde que el cine se convirtió en industria, con películas como \"Jezabel\" del mismísimo William Wyler, lanzada en 1938. Pero \"Los diez mandamientos\" subió la vara a un nivel de producción y veracidad nunca visto en la historia de la representación narrativa. Todos los estudios efectivamente respondieron con sus propias propuestas, cada uno innovando con algún aspecto técnico o trayendo la estrella más conocida que podían." }, { "kind": "p", "text": "La Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) no se iba a quedar atrás. Es por eso que, con intenciones de repetir el enorme éxito de la producción de Paramount, los productores se montaron en palabras de Bender de Futurama, \"su propio parque temático con juegos de azar y mujerzuelas\". ¿La Paramount había apostado por el Vistavision para filmar en formato rectangular y tener mejores pantallas? MGM filmó con Panavision, la tecnología que permitió ser aún más ancha y espectacular. Además, mientras que la película de Paramount relataba una historia del antiguo testamento, en MGM apostaron por un relato un poco más moderno. Inspirados en la novela de 1880 llamada \"Ben-Hur: A Tale of the Christ\", contrataron a un sinfín de guionistas para adaptar esta historia cristiana a la pantalla grande. A diferencia de \"Los diez mandamientos\", esta historia cristiana no está directamente inspirada en las historias narradas en el nuevo testamento, sino que transcurre imaginariamente en paralelo a el nacimiento de Cristo y su posterior crucifixión." }, { "kind": "p", "text": "Esta diferenciación entre las bases literarias plantea un punto separador bastante importante a favor de la nueva superproducción. Los personajes ya están más caracterizados dentro de arquetipos más cinematográficos y toda la acción sucede de una forma mucho más especializada que si hubiera que forzar la \"renovación\" del texto bíblico con la aún así excelente \"Los diez mandamientos\". La historia de Ben-Hur es claramente emocionante, llena de momentos icónicos e imborrables dentro de la historia del cine estadounidense. Aun así, puede que o por su extensa duración o por su supuesta religiosidad, la película hoy en día no es tan vista como otros grandes éxitos del Hollywood dorado como Casablanca o Lo que el viento se llevó." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/ben-hur-2.jpg", "alt": "Fotograma de Ben-Hur" }, { "kind": "p", "text": "Pero ya vamos bastante adentrados y todavía no dijimos de qué trata esta película, así que vamos al barro y empecemos a desglosarla. Ben-hur cuenta la historia de Judas Ben-Hur, un judío en la era romana y contemporáneo a Jesucristo, quien es falsamente acusado de intentar asesinar a un gobernador romano y es condenado a ser un esclavo del imperio, junto a la encarcelación de toda su familia. Esto es simplemente el comienzo de una larga historia de superación, de fuerza, y sobre todo, de fe, donde veremos como a pesar del oscuro futuro que se le puede vislumbrar al personaje, el luchará una y otra vez por salir adelante." }, { "kind": "p", "text": "La sensación positiva de la caracterización del personaje protagonista en Ben-Hur termina siendo un elemento fundamental del mensaje propio de la obra. Resulta difícil representar mejor lo que significa realmente la fe o la religión que como es mostrada en esta película. A pesar de estar situada dentro del ámbito cristiano, tiene un mensaje muchísimo más inclusivo y expansivo. Ben-Hur habla realmente de esa fuerza insuperable del ser humano para salir adelante, al mismo tiempo que debate esa sensación de impotencia cuando suceden cosas que están fuera de nuestro control. ¿Dónde está ese supuesto dios cuando a hombres justos le suceden tragedias? ¿Para qué ser una persona de bien en un mundo donde no parece haber recompensa alguna sobre este accionar?" }, { "kind": "p", "text": "Quizás todas estas preguntas existenciales estén desviando el real tema de conversación. Porque, realmente, el punto más relevante y que en su momento elevó el film a la categoría de clásico instantáneo, es su mastodóntica y majestuosa producción. Si \"Los diez mandamientos\" había ambientado un film como nunca antes y se consagró como la película más costosa de toda la historia, \"Ben-Hur\" le cantó retruco y le quitó el récord que recientemente había ganado el film de Paramount. En este caso, la gran mayoría del film fue filmada en el enorme complejo de estudios italiano Cinecittà. Estos, paradójicamente construidos por el fascista Mussolini y con objetivos bastante distintos a los de servir a USA, sirvieron porque lo que quería hacerse en esta superproducción requería de mucho, mucho, mucho espacio. Más de 300 sets, todos con inmensos tamaños y destacando la escena de la carrera de cuadrigas, donde construyeron una pista circular de casi 500 metros de largo, contrataron 7000 extras y filmaron a caballos corriendo como nadie los volvió a filmar en toda la historia." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/ben-hur-4.jpg", "alt": "Fotograma de Ben-Hur" }, { "kind": "p", "text": "Y de esas situaciones en el film hay un montón. Una batalla marítima, una reunión religiosa multitudinaria para escuchar a Jesús o simplemente la mera construcción de las ciudades de Jerusalén o Roma son algunas de las razones donde podemos ver este récord (que vale la pena destacar, le duró poco) de la película más cara jamás creada. Pero, a pesar de todo este regodeo presupuestario y de esta esplendorosa puesta en escena, la película nunca pierde su hilo psicológico y narrativo. Como toda gran obra maestra, todo lo que sucede en las 3 horas 40 de su metraje, aporta y está relacionado a la construcción y desarrollo de su tema principal, que sigue siendo muy profundo para el tamaño de producción que estamos viendo." }, { "kind": "p", "text": "Y no solo su guion está cargado de una calidad cinematográfica sublime, sino que hay elementos de dirección sobre cómo filmar determinadas escenas que claramente muestran un enorme talento. Un ejemplo muy claro y sin spoilear mucho sobre la trama es la forma en la cual se muestra a Jesucristo en las pocas escenas que aparece. Un personaje relativamente secundario, que no es el centro de la trama en lo absoluto, pero que cada aparición que tiene está cargada de una divinidad y una solemnidad impresionante." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/ben-hur-6.jpg", "alt": "Fotograma de Ben-Hur" }, { "kind": "p", "text": "La construcción de lo divino está efectivamente apoyada en la gran mano de un director camaleónico, aparentemente invisible y definitivamente infravalorado dentro de la historia del cine, William Wyler. Sus películas puede que no sean tan fáciles de reconocer como otros estilos de dirección más \"autorales\", pero dentro de su filmografía podemos encontrar una gran cantidad de auténticas obras maestras, todas inscritas dentro de géneros muy distintos y con estilos que se adaptan claramente a cada film. Su dirección se adapta la película y no al contrario, pero es innegable su talento a la hora de narrar visualmente, claramente demostrado en Ben-Hur, o en otra excelente película como el western \"Horizontes de grandeza\". Dura menos de 3 horas por lo que quedó fuera de la sección, pero bueno, aprovecho el espacio para recomendarla como otra obra indispensable. Un permitido." }, { "kind": "p", "text": "Otro gran talento escondido de Wyler se encuentra en su mucho más tangible habilidad de dirigir actores. A pesar de tener algunas historias dentro del ambiente donde dicen que era algo déspota (hay quienes dicen que filmaba 40 tomas por plano y hay quienes dicen que era un amor, andá a saber), lo que es sabido es que todos los actores en Ben-Hur están totalmente a la altura del film. Desde el inexpresivo Charlton Heston, la estrella indiscutida, quien es exprimido por Wyler para dar probablemente el mejor papel de su carrera, hasta secundarios como Jack Hawkins como el rival romano de Judas o Hugh Griffith, quien ganó un oscar a mejor actor de reparto por su papel del árabe Sheik Ilderim. Ah, si, por si te siguen interesando esos premios, Ben-Hur ganó 11 de esos. Al día de hoy, tiene el récord compartido de mayor cantidad de Oscars ganados con \"Titanic\" y \"El Señor de los Anillos: el retorno del Rey\", todas que duran más de 3 horas. Ya va tomando sentido la sección, ¿no? Si dura 3 horas… mínimamente tiene que estar buena." }, { "kind": "p", "text": "Es difícil encontrar historias tan grandes que logren mantener un real interés narrativo a pesar del enorme show. Una de las criticas más duras ante las superproducciones del siglo XXI es justamente eso, que son obras realmente vacías e insulsas. Ben-Hur es (o fue) la película más grande de toda la historia y, a su vez, fue una emocionante epopeya emocional y existencial sobre la religión, la fe y el sentimiento de impotencia que sucede en consecuencia. Además, si, tiene escenas extremadamente memorables, tiene decorados con el que muy pocas películas de toda la historia pueden atreverse a compararse y tiene una construcción de \"lo épico\" que realmente fue insuperable. Esto enseña una cosa muy clara, al menos desde la perspectiva industrial. No por ser inmenso, tiene que dejar de hacerse cine. Y estoy seguro que Scorsese está de acuerdo con eso." } ] }, { "slug": "1960-spartacus", "title": "Spartacus", "filmTitle": "Espartaco", "year": 1960, "director": "Stanley Kubrick", "num": "VI", "kicker": "Capítulo 06", "cover": "/fotogramas/1960-spartacus-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/spartacus-poster.jpg", "rating": 8, "excerpt": "Kirk Douglas, Stanley Kubrick y Dalton Trumbo: tres egos enormes en una película que casi no sobrevive a sí misma. Y sin embargo, Espartaco terminó siendo más entretenida de lo que sus propios creadores jamás admitieron.", "related": [ "1975-barry-lyndon", "1971-naranja-mecanica", "1963-cleopatra", "1939-gone-with-the-wind" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1975-barry-lyndon", "score": 45 }, { "type": "critica", "slug": "1971-naranja-mecanica", "score": 41 }, { "type": "critica", "slug": "1963-cleopatra", "score": 30 }, { "type": "critica", "slug": "1939-gone-with-the-wind", "score": 28 } ], "blocks": [ { "kind": "p", "text": "El contexto, si vienen leyendo las notas, está más que claro. Un Hollywood imponente, que con miedo a la llegada de la televisión comienza a producir las películas más grandes de toda la historia. Todo eso, obviamente acompañado de una leve sensación de escapismo y de entretenimiento puro. En ese contexto, se lanzó \"Ben-Hur\" (1959), una de las superproducciones más grandes de toda la historia. Para esa película se hizo, obviamente, un casting a la altura del proyecto, por lo que una enorme cantidad de actores de gran renombre pasaron y probaron el personaje." }, { "kind": "p", "text": "Para dar ejemplos, tipos como Marlon Brando, Paul Newman o Rock Hudson se presentaron al casting. De entre todos ellos, quedó el no tan gran actor Charlton Heston, que estaba en su momento más alto de estrellato. Pero pará, podrás decir. ¿Por qué me estás hablando de \"Ben-Hur\" si dijiste que íbamos a hablar de \"Espartaco\"? Porque uno de los grandes nombres que se presentó al casting fue justamente Kirk Douglas, otra gran estrella de la época y padre de Michael Douglas, para los más alejados del mundillo. Kirk quedó realmente frustrado por la situación, y en consecuencia, se decidió por montar su propia \"Ben-Hur\", pero sin religión y con el como protagonista." }, { "kind": "p", "text": "Con su productora \"Bryna Productions\" compró los derechos de una novela similar y finalmente convenció a Universal Pictures de que le financiara y distribuyera el film. Universal, quien todavía no había tenido un gran éxito en esta moda de las superproducciones históricas, lo dejó a Kirk Douglas de productor ejecutivo para que tome decisiones en el film, además de darle obviamente el papel protagónico de la historia. Pero, ya que hablamos de la historia, permítanme que hablemos de un detalle; La historia que cuenta y la persona que la escribió." }, { "kind": "p", "text": "La novela homónima cuenta la historia de un esclavo llamado Espartaco en el año 71 A.C, que luego de una serie de circunstancias termina liderando una revolución para liberar a todos los esclavos de la antigua Roma. Espartaco era un gladiador esclavo, y entrenaba junto a otros gladiadores esclavos, hasta que un día se terminó dando cuenta de que juntos, eran mucho más fuertes que sus jefes esclavistas. La novela, lanzada en 1951, fue escrita por una persona llamada Howard Fast, quien, por si no se dieron cuenta con la sinopsis, tenía alguna que otra idea de izquierda. Esto, en 1951, era prácticamente ilegal." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/spartacus-2.jpg", "alt": "Fotograma de Spartacus" }, { "kind": "p", "text": "Howard Fast, quien se había unido en 1943 al Partido Comunista de los Estados Unidos, fue enviado a la cárcel por negarse a declarar sobre sus ideales, a pesar de que intentara defenderse con una enmienda de la constitución estadounidense que decía y dice que el gobierno no puede hacer leyes que prohíban religiones, ideologías o la libertad de expresión. Con el comienzo de la guerra fría, se podría decir que esta enmienda no fue muy tomada en cuenta. El novelista fue uno de los centenares de artistas llevados a declarar en una de las situaciones más bochornosas de toda la historia de la democracia estadounidense." }, { "kind": "p", "text": "A veces, hasta se daba el caso de que ni siquiera eran comunistas. Muchos solo luchaban por el mero respeto de la constitución y la libertad de expresión, pero el gobierno perseguía y encarcelaba sin miedo a la opinión pública. Estrellas del renombre de Humphrey Bogart o Katharine Hepburn fueron también puestos en la lista por sus declaraciones en defensa de la libertad, y ningún estudio los contrataba a menos de que declaren en el congreso y den nombres de otros comunistas o cercanos a eso. Esto generó una grieta enorme en Hollywood, que rápidamente quedó dividida entre los soplones que mandaban a la cárcel a sus amigos, y los idealistas que iban a cumplir su condena en defensa de la libertad de expresión." }, { "kind": "p", "text": "Cuando salían, todo estaba lejos de terminar. En el caso de los actores, quedaban relegados a papeles menores o ni siquiera se los contrataba. En el caso de los guionistas, el proceso era un poco más complejo. En muchas ocasiones, estos guionistas continuaban escribiendo para los estudios, pero bajo seudónimos inexistentes, cosa que los grupos anticomunistas no los descubrieran y las películas pudieran continuar contando con guiones de calidad. Se les pagaba monedas en comparación a los sueldos reales, pero continuaban trabajando y pudiendo conseguir lo suficiente para sobrevivir todos los meses." }, { "kind": "p", "text": "En todo este contexto, Universal acepta la historia de \"Espartaco\", y le envía el proyecto a un guionista también bastante rojo, llamado Dalton Trumbo, para que adapte la novela y la convierta en guion, aunque, eso sí, firmando bajo seudónimo y cobrando muy pocos dólares. Trumbo fue uno de los líderes de esta revolución por la libertad de expresión, quien cumplió su condena en la cárcel y luego escribió decenas de guiones con seudónimos varios, ya sea para películas de clase B como para superproducciones ganadoras del Óscar. Un dato curioso es que el señor Trumbo ganó dos premios a mejor guion que no pudo ir a recibir, ya que estaban firmados bajo nombres inventados como Robert Rich o Ricky Martin. Bueno, ese último no." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/spartacus-4.jpg", "alt": "Fotograma de Spartacus" }, { "kind": "p", "text": "Trumbo le entregó a Douglas una historia muy cuidada y con la cual ambos quedaron contentos. Luego de idas y vueltas el director contratado fue Anthony Mann, quien no duró ni una semana antes de ser echado por el propio Kirk. La dinámica de trabajo estaba planteada de una manera muy extraña, ya que a pesar de tener la necesidad de una cabeza que dirija el film y tome las decisiones creativas, terminaba sucediendo que lo que sucedía en el set de rodaje era comandado por el actor protagonista, que a su vez era el productor del film. Es después de todo ese rejunte de peleas, personas echadas y duelos de egos que a Kirk Douglas se le ocurre contratar a un joven director de cine, no tan conocido en esa época, pero que luego se convertiría en uno de los mejores directores de cine de toda la historia." }, { "kind": "p", "text": "Stanley Kubrick ya había trabajado con Douglas en una película anterior llamada \"Senderos de gloria\" (1957), en la cual, dicho sea de paso, ya habían tenido algunos encuentros poco gratos. Todavía Kubrick no era el director casi fascista que iba a hacer llorar a Shelley Duvall en \"El Resplandor\" (1980), pero su carácter comenzaba a tomar forma rodaje tras rodaje. Todo eso explotó en la producción de \"Espartaco\". El problema era que se estaba gastando una increíble cantidad de plata en la producción del film, mucha de ella proveniente directamente de los bolsillos de Douglas, mientras que las obsesiones de Kubrick por hacer una película profunda e interesante daban más y más problemas. Y si, también le gustaba filmar muchas tomas. Muchas." }, { "kind": "p", "text": "Otra de las peleas que se tuvo fue en torno a el guionista del film. Kirk Douglas estaba seguro de querer terminar con la lista negra y poner en los títulos del film el nombre real de Dalton Trumbo, mientras que Kubrick no lo veía muy claro. Finalmente, Trumbo fue oficialmente acreditado y se conoció a Kirk Douglas como \"el que terminó con la lista negra de Hollywood\". Aun así, en la afirmación que acabo de decir, hay que poner un asterisco." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/spartacus-6.jpg", "alt": "Fotograma de Spartacus" }, { "kind": "p", "text": "La familia de Trumbo nunca estuvo muy agradecida con Douglas, y en todas las declaraciones que han hecho dicen que básicamente, se colgó de una causa que nunca fue suya y de que en realidad Douglas lo acreditó porque Trumbo ya había firmado un contrato para la película \"Éxodo\" (1960) que iba a ser lanzada a posteriori y con el nombre oficial del guionista en los títulos. Entendiendo eso, todo lo relacionado a su heroica historia de cómo derrocó a la industria debería ser tomado con pinzas, y honrar con mayor nombre a tipos como Dalton Trumbo que literalmente fueron a la cárcel en defensa de la libertad de expresión, y no actores que se cuelgan de causas ajenas cuando la causa ya estaba ganada. Mucha política, ¿no? Aflojemos." }, { "kind": "p", "text": "Sería correcto pensar que la película terminó siendo un desastre, pero el resultado está muchísimo más lejos de la palabra desastre que lo que se podría pensar. Siendo de una liga menor en comparación a las obras maestras como \"Ben-Hur\" o \"Los diez mandamientos\", la calidad final de \"Espartaco\" fue increíblemente alta. Recordemos que el presupuesto fue continuó siendo enorme, y las ideas revolucionarias dentro del film lo dotaron de un tono épico muy distinto al de sus contemporáneas, que fue de agradecer. El público también terminó yendo muy emocionado a las salas, a pesar de toda la presión política que hubo de parte de algunos sectores anticomunistas que intentaron boicotear el film. El presidente electo del momento, John F. Kennedy (Jack para sus amigos) fue al estreno de la película y su apoyo ayudó mucho a apaciguar las presiones anticomunistas." }, { "kind": "p", "text": "También, la película era efectivamente enorme. Los decorados estaban a la altura, el guion de Trumbo era algo muy bien cuidado y la dirección de el joven Kubrick terminó dotando de un dinamismo a la película que ayudó mucho a que sea este éxito en la crítica y en la taquilla, algo bastante infrecuente hasta nuestros días. A pesar de eso, ni Stanley Kubrick ni Kirk Douglas quedaron contentos con lo que quedó, y en entrevistas posteriores han renegado siempre de la calidad del film. Desde mi punto de vista personal, difiero con la opinión del maestro, ya que \"Espartaco\" es finalmente una obra entretenida e interesante, entendiendo el contexto. En el caso de Kubrick, tomó todo el proceso como aprendizaje para nunca más dirigir una película en la cual no tenga el completo control creativo de la misma. Su posterior carrera le terminará dando la razón." }, { "kind": "p", "text": "En conclusión, \"Espartaco\" resultó en una película rodeada de política, pero que en su interior era mucho más entretenimiento que arte. Hoy quizás sea más valioso recordarla como una de las piezas fundamentales de la caída del macartismo y la persecución política en Hollywood, pero este título no le quita su valor como película y obra artística, gracias a sus personajes y su dirección. Aun así, poco a poco vamos viendo que el hacer películas grandes comienza a tener consecuencias importantes en la producción de las mismas, y estamos cada vez más cerca del fin de esta época tan alta presupuestalmente hablando. Porque si, todo lo que brilla puede ser oro. Pero el oro a veces es demasiado caro." } ] }, { "slug": "1962-lawrence-arabia", "title": "Lawrence of Arabia", "filmTitle": "Lawrence de Arabia", "year": 1962, "director": "David Lean", "num": "VII", "kicker": "Capítulo 07", "cover": "/fotogramas/1962-lawrence-arabia-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/lawrence-arabia-poster.jpg", "rating": 10, "excerpt": "Quizás la cima absoluta de la fotografía cinematográfica. Lawrence de Arabia no se limita a retratar el desierto: lo convierte en un personaje más, tan ambiguo y majestuoso como su protagonista.", "related": [ "1960-spartacus", "1963-cleopatra", "1956-diez-mandamientos", "1939-gone-with-the-wind" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1960-spartacus", "score": 22 }, { "type": "critica", "slug": "1963-cleopatra", "score": 22 }, { "type": "critica", "slug": "1956-diez-mandamientos", "score": 20 }, { "type": "critica", "slug": "1939-gone-with-the-wind", "score": 20 } ], "blocks": [ { "kind": "p", "text": "Vamos a poner las cosas claras. El breve receso que nombraba al inicio de esta nota tiene un asterisco importante. Esta producción, a pesar de no ser enteramente Hollywoodense, fue distribuida por Columbia Pictures, una gran productora estadounidense que aún no había propuesto su competidora a gran escala en esta maratón de hacer la película más grande de toda la historia. Aún así, la productora que tuvo la idea y ejecutó el rodaje del film fue una productora británica. Esta coproducción entre dos industrias establecidas dio forma a un producto único en su tiempo, y es totalmente rastreable en la identidad del film." }, { "kind": "p", "text": "No es que en Gran Bretaña estuvieran haciendo un cine radicalmente distinto al estadounidense, como si lo era en el caso de Italia o Francia, pero tenemos un estilo muy distinto al de películas como \"Los diez mandamientos\" o \"Ben-Hur\". La historia no es excepción alguna a esta diferenciación que comenzaría a surgir en el mundo del cine. Desde su premisa, seguimos con historias no muy complejas." }, { "kind": "p", "text": "Durante la primera guerra mundial, un coronel británico llamado T.E Lawrence es enviado a Arabia con el fin de recopilar información sobre las tribus de por allí, ya que la zona estaba comenzando a tener una alta relevancia política. Principalmente, sobre el país de Turquía, aliado de Alemania. Una vez allí, Lawrence irá conociendo distintas tribus árabes para finalmente liderarlas con la intención de formar una revolución que busque derrocar del poder al gobierno turco. Bueno, al final puede que sea un poco más compleja que lo normal." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/lawrence-arabia-2.jpg", "alt": "Fotograma de Lawrence of Arabia" }, { "kind": "p", "text": "Inicialmente ya no encontramos con un rastro diferenciador en relación a aquellas grandes historias que sucedían en el antiguo Egipto o en el imperio romano. La película habla sin metáfora o simbolismo alguno de una política relativamente actual para la época. No es que hubiera sucedido hace 5 o 10 años, pero que una película de presupuestos tan elevados como \"Lawrence de Arabia\" tenga una postura y una ideología tan visible es un punto totalmente a destacar y tener en cuenta. Ya habíamos visto pequeños rastros de comunismo en \"Espartaco\", pero lo que en la película de Kubrick podía estar escondido con la esperanza de ser interpretado, acá está en el frente de todo el film. Sin ánimos de spoilear el final, esta película británica tiene una opinión muy clara sobre el accionar colonial de Gran Bretaña." }, { "kind": "p", "text": "Con todo lo descrito anteriormente parecería que estamos hablando de un \"talkie\" (película de puro dialogo) donde distintos políticos se la pasan hablando sobre ideologías irrelevantes. Por suerte, la película es totalmente lo contrario. La mayor parte del film está realmente situada en el viaje de Lawrence hacia Arabia, y su transformación como protagonista. Esta transformación, justamente, es simplemente exquisita." }, { "kind": "p", "text": "Todos los distintos matices por los que irá atravesando el protagonista de la historia demuestran un talento en la escritura de guiones no visto aún en las superproducciones de Hollywood, con su tono clásico y estandarizado. Los personajes del film están impregnados de una oscuridad y una ambivalencia excelentemente lograda. No es que no haya buenos y malos. Es que realmente, no se salva nadie. Son todos malos." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/lawrence-arabia-3.jpg", "alt": "Fotograma de Lawrence of Arabia" }, { "kind": "p", "text": "Pero volviendo al tema de los diálogos, una de las cosas que más impresiona del film en la actualidad es la gran cantidad de secuencias donde justamente el film decide callarse, y narrar todo lo que sucede desde la imagen. Casi pidiéndole prestado al cine mudo, la imagen cumple un rol fundamental para contar el relato, y en todo lo que sucede durante el viaje de Lawrence en los desiertos de Arabia, las mejores secuencias son las que menos hablan. Las imágenes quedan grabadas en el imaginario del espectador, y no resulta necesario decir palabra alguna. Nada más ni nada menos que cine de calidad." }, { "kind": "p", "text": "Luego, en los tramos políticos donde la conversación se hace más visible y los diálogos están más a la luz, estos aún siguen resultando interesantes. Esta ambivalencia del relato donde no todo lo que vemos está bien provoca que nada de lo que se hable en las conversaciones políticas sea realmente lo que se está hablando. Lo oculto dentro del dialogo, eso que se evita o se desmiente, pero que realmente es la verdad, resulta imprescindible para entender la trama y explicar la cadena de situaciones que suceden a posterior. Es y no es, usted me entiende." }, { "kind": "p", "text": "Toda esta excelencia en el guion, coescrito entre Robert Bolt y Michael Wilson, hubiera quedado en nada si no hubiera sido por el talento inconmensurable de sus intérpretes. A pesar de ser una película carísima por su dificultosa producción y su extenso metraje (dura 3 horas y 48 minutos), no nos encontramos en su elenco a increíbles superestrellas. Por ejemplo, en el rol protagónico tenemos a un muy habilidoso Peter O'Toole, pero su talento no había sido comprobado aún en la gran pantalla. Si, tenía un poco de experiencia teatral y ya había aparecido en un par de largometrajes previos, siempre en roles menores y nunca en algo tan grande como esta superproducción." }, { "kind": "p", "text": "Ya en los secundarios si encontramos algún nombre más pesado como Alec Guiness (quien muchos años después haría de Obi-Wan en Star Wars: Una nueva esperanza) que ya había trabajado con el director David Lean, pero que no era específicamente una superestrella. Similar caso para Anthony Quinn, actor mexicano que había tenido roles menores en películas anteriores, pero nunca en algo tan grande e inmenso. Quizás el único caso de gran talento era Jack Hawkins, que había ganado un premio óscar como actor de reparto en \"Ben-Hur\", pero que en \"Lawrence de Arabia\" tampoco es que cumpla un rol extremadamente principal. Queda excluido también Omar Sharif, que para la época era una superestrella en Egipto, pero aún no había aparecido en occidente. \"Lawrence de Arabia\" terminará globalizando su talento." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/lawrence-arabia-4.jpg", "alt": "Fotograma de Lawrence of Arabia" }, { "kind": "p", "text": "Esta falta de grandes nombres era una apuesta muy peligrosa para un film que invertía 15 millones de dólares. Solo adaptándole la inflación, el presupuesto sería unos 125 millones de dólares de ahora, pero si escuchamos a Steven Spielberg (que alguna idea tiene sobre hacer pelis caras y buenas) en unos halagos que declaraba sobre el film, este número aumentaría a unos 285 millones. Sin embargo, quizás te estás preguntando… Si no lo gastaron en los actores, ¿dónde gastaron toda esa plata? ¿Se fue todo en cafés y medialunas? Excelente pregunta. No, no se fue en los desayunos." }, { "kind": "p", "text": "El rodaje que inició en mayo de 1961 finalizó en septiembre, pero de 1962. Su rodaje duró más de 15 meses, pero no solo fue la extensa duración del mismo lo que hizo que el presupuesto fuera tan abultado. Lo que sucedía es que gran parte de la película sucede en el desierto. Y cómo eran los 60, adivinen donde filmaron. Así es, en el desierto. El rodaje en un terreno tan adverso, con temperaturas tan extremas y con condiciones tan dificultosas, resultó en miles de pequeños problemas que dejaban en consecuencia un trabajo muy laborioso." }, { "kind": "p", "text": "Por ejemplo, sucedía en algunos planos que directamente podían hacer una sola toma por día debido a las marcas que dejaban los actores en la locación, es decir, en la arena. En el mejor de los casos, podían limpiar las huellas, pero eso demoraba todo un tiempo entre toma y toma, todo bajo el arduo sol del desierto, o el eterno frio de la noche desértica. Aún así, si uno ve el metraje final, se da cuenta que no es que simplemente no querían que se vean las huellas o que al director le gustaba pedir tomas de más." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/lawrence-arabia-6.jpg", "alt": "Fotograma de Lawrence of Arabia" }, { "kind": "p", "text": "El trabajo de fotografía en \"Lawrence de Arabia\" es muy probablemente uno de los mayores picos en toda la historia del cine. No de esta sección, no de este género, sino que de toda la historia. El color, los atardeceres, el desierto y todos estos escenarios naturales forman unas imágenes que, así como están, pueden ir directamente a un cuadro de museo. Tenemos en el film una combinación entre la culminación de un proceso tecnológico que venía desarrollándose como era el de las cámaras Panavision y su excelente profundidad de campo, junto a una mano artística para fotografiar y narrar visualmente que nunca se había visto. El talento conjunto entre David Lean y su director de fotografía F.A Young se ganan un puesto importantísimo en la historia del séptimo arte tan solo por su cinematografía." }, { "kind": "p", "text": "Esto, combinado con un guion que usa el dialogo como herramienta cinematográfica y no abusa de escenas sobre explicativas, forma una imagen tan bien lograda que hasta da pena tener que verla en un televisor, sea del tamaño y la calidad que sea. Por suerte, en su momento, mucha gente fue a verla. El enorme riesgo que invirtieron al producir una película por 15 millones de dólares con un tema tan político y sin el apoyo de enormes superestrellas en roles protagónicos podría haber terminado la carrera de algún productor, pero el éxito que tuvo entre la gente fue claramente positivo. Ganando más de 70 millones de dólares, se convirtió en una de las películas más exitosas comercialmente y quedó a su vez en la historia cinematográfica como una de las mejores películas jamás creadas. También, hay que decirlo, una de las más grandes." }, { "kind": "p", "text": "Y es este último premio, el de una de las más grandes, el que más rápido se le quitará, lamentablemente. Mientras que en otros países el cine avanzaba y evolucionaba con temas más profundos y sociales, en Hollywood seguían empecinados con filmar historias lo más grande posible, y lo menos reflexivas. Este fenómeno, que posteriormente será llamado como \"el viejo Hollywood\", verá sus últimos días tan solo un año después de esta obra maestra. En 1963, estrenará en Estados Unidos la inmensa \"Cleopatra\". Esperen a la semana que viene y queden pendientes a lo que se nos viene. No es tan positivo." } ] }, { "slug": "1963-cleopatra", "title": "Cleopatra", "filmTitle": "Cleopatra", "year": 1963, "director": "Joseph L. Mankiewicz", "num": "VIII", "kicker": "Capítulo 08", "cover": "/fotogramas/cleopatra-2.jpg", "poster": "/fotogramas/cleopatra-poster.jpg", "rating": 6, "excerpt": "Un resumen perfecto de todo lo que condenó la muerte prematura del clasicismo hollywoodense. Presupuesto descontrolado, caos de producción, y un director brillante ahogado por la maquinaria del estudio.", "related": [ "1960-spartacus", "1956-diez-mandamientos", "1939-gone-with-the-wind", "1959-ben-hur" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1960-spartacus", "score": 30 }, { "type": "critica", "slug": "1956-diez-mandamientos", "score": 28 }, { "type": "critica", "slug": "1939-gone-with-the-wind", "score": 28 }, { "type": "critica", "slug": "1959-ben-hur", "score": 28 } ], "blocks": [ { "kind": "p", "text": "Después de todo lo que hablamos en la sección, ya la idea de películas enormes comienza a perder perspectiva. Esto es totalmente normal, y sería fácil pensar que en esos años hasta los productores pasaban por una situación similar. Si, estuvo claro que \"Los diez mandamientos\" fue un antes y un después en las superproducciones. También quedó claro que \"Ben-Hur\" mejoró el formato en cada uno de los aspectos posibles. Pero dentro de esa lógica historicista, ¿dónde entra \"Espartaco\"? ¿Es una más? ¿Y Lawrence de Arabia? Las líneas de la película más grande de la historia comenzaban a desdibujarse, y las grandes productoras seguían presionando en la carrera." }, { "kind": "p", "text": "Es allí donde entra 20th Century Fox, que aún no había puesto su caballo de batalla en la carrera. Con la idea de hacerle un remake a un éxito que había sucedido en los comienzos del cine mudo (estamos hablando de la \"Cleopatra\" de 1917), la Fox contrató en 1958 al productor Walter Wanger, quien rápidamente se puso manos a la obra. En Fox, aún así, no tenían pensado filmar una superproducción, ni muchísimo menos. El presupuesto del film comenzó en los 2 millones de dólares, que adaptados a inflación sería el presupuesto de una película media actual. Wanger, en cambio, tenía mayores planes para el film. El productor veía el éxito que había tenido la epopéyica \"Los diez mandamientos\" y sus ojos se ponían con símbolos de billetes." }, { "kind": "p", "text": "Con ese presupuesto, ficharon al director Rouben Mamoulian. Luego de charlas y convencimientos entre el nuevo director, Wanger y la Fox, esos 2 millones de dólares se convirtieron rápidamente en 5 millones, los que se agrandaron mucho más cuando entró al proyecto la superestrella Elizabeth Taylor. En un movimiento sin precedentes, fue Taylor misma la que reclamó cuanto debía cobrar. Recordemos que Hollywood en ese entonces estaba fuertemente influenciado por su sistema de estrellas, donde los actores eran empleados en total dependencia de sus productoras y estas determinaban todo lo que ellas quisieran sobre su salario o sus condiciones." }, { "kind": "p", "text": "Elizabeth Taylor, en cambio, decidió que no participaría del film por un número inferior a 1 millón de dólares, y a pesar de que esta actitud le haya pavimentado el camino a miles de actrices a futuro que comenzarían a tener más poder sobre sus carreras, se podría decir que esta decisión del productor fue la primera errada de muchas." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/1963-cleopatra-cover.jpg", "alt": "" }, { "kind": "p", "text": "La producción cada vez se agrandaba más y más. Mientras \"Cleopatra\" todavía no comenzaba ni a filmarse, salía \"Ben-Hur\" y destrozaba el mercado, llenándose de millones. Cada nueva película que salía era un nuevo pretexto para que Fox ponga aún más plata. Pero recordemos que todo este fenómeno de películas enormes comenzó justamente porque la industria del cine tambaleaba. La televisión ganaba cada vez más espectadores, y las salas de cine se centralizaban cada vez más. Por otro lado, la censura y el clasicismo de Hollywood cada vez se tornaban más y más anticuados. Los finales felices y el sueño americano se comenzaban a resquebrajar." }, { "kind": "p", "text": "A mediados de 1961, \"Cleopatra\" comenzó finalmente su rodaje, en Inglaterra. Los decorados a construir eran enormes y los números del presupuesto se desataban. La historia de Cleopatra, que sucedía principalmente en Egipto y Roma, resultó que no fue muy compatible con el clima británico. Unas tormentas destrozaron fuertemente los sets tan costosos de rodaje, y, por si fuera poco, la superestrella Taylor se enfermó y demoró aun más el comienzo del mismo. Con tan solo 10 minutos filmados y 7 millones de dólares perdidos, Fox decidió reiniciar la producción cambiando a casi todas las cabezas del equipo y sobre todo cortándole la cabeza al director Mamoullian. Cortándosela figurativamente hablando, vale aclarar." }, { "kind": "p", "text": "Para su reemplazo, Wanger contrató finalmente en la dirección a Joseph L. Mankiewicz, un cineasta especializado en la dramaturgia y hermano del guionista Herman J. Mankiewicz, quien pronto estará estrenando su biopic post-mortem en Netflix. ¿Es muy relevante este dato? No, en realidad. Pero lo que si es relevante es que la dirección de Mankiewicz terminará siendo uno de los pocos puntos que salven a esta \"Cleopatra\" del fracaso absoluto, si se le puede decir que se salvó. Hagamos un break y hablemos un poco del film." }, { "kind": "p", "text": "\"Cleopatra\" cuenta justamente la historia de la reina de Egipto, Cleopatra VII, y específicamente el fragmento de su vida en relación a sus dos romances principales. Primero con Julio Cesar, y luego con Marco Antonio, ambos romanos. Estos dos romances suceden a la par de distintas crisis políticas que van teniendo en Roma y en Egipto, que desenvuelven tramas bastante complejas de traición, poder y venganza." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/cleopatra-4.jpg", "alt": "Fotograma de Cleopatra" }, { "kind": "p", "text": "Uno de los primeros problemas al intentar adaptar el relato de Cleopatra a la gran pantalla fue que, a decir verdad, hay muy poca información certera de su vida. Siendo Cleopatra una de las pocas mujeres en la historia que llegaron a tener tanto poder, los imperios que la sucedieron se ocuparon de borrar y desaparecer su legado tangible, sumado al misticismo y lo poco que conocemos en general sobre el antiguo Egipto. Esto hizo que, a pesar de estar formalmente adaptando dos textos \"con fundamento histórico\", la gran mayoría del relato tiene sus bases en la tragedia escrita por William Shakespeare llamada \"Antonio y Cleopatra\"." }, { "kind": "p", "text": "Entendiendo la base dramática del relato, la contratación de Mankiewicz para la dirección fue una decisión extremadamente acertada. El director ya había dirigido grandes historias cargadas de construcciones clásicas como \"All About Eve\" (\"La malvada\" en Argentina) en 1950 o la otra gran obra junto a Elizabeth Taylor, \"Suddenly, Last Summer\" (\"De repente en el verano\") de 1959. El estilo del director, junto a sus guiones tan particulares, apoyó al film en los momentos que más se debilitaba. Aun así, nada estuvo cercano a un rodaje tranquilo luego de ser contratado." }, { "kind": "p", "text": "El rodaje de \"Cleopatra\" siguió siendo igual de catastrófico que como empezó. Por un lado, los intentos de Mankiewicz sobre construir un relato más acercado a su dramaturgia resultaban estar muchas veces en una directa oposición a las intenciones de Wanger y su superproducción histórica. A esto se le suma todo el enorme presupuesto dedicado a los decorados, que fueron totalmente desechados en Inglaterra y reconstruidos en su totalidad en los estudios de Cinecittà, la nueva locación donde filmaron. Estos conflictos, sumados a una producción que cada vez tenía más apuro por estrenar y poder recuperar algo del presupuesto perdido, forzaba a Mankiewicz a trabajar día y noche en el guion, a la par del rodaje mismo." }, { "kind": "p", "text": "A todo esto se le sumó un escándalo mediático alrededor de Elizabeth Taylor y el actor que interpretaba a Marco Antonio, Richard Burton. Estando ambos casados, comenzaron a suceder rumores a la par del rodaje de la película que hablaban de un affair mutuo, que comenzaron en rumores y terminaron en verdad. La mala publicidad ciertamente no ayudaba a lo que cada vez se complicaba más y más." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/cleopatra-5.jpg", "alt": "Fotograma de Cleopatra" }, { "kind": "p", "text": "Hasta Mankiewicz, ya casi por terminar el film, fue echado y posteriormente recontratado por diferencias creativas con la Fox, que veía como el presupuesto se tornaba realmente mastodóntico. Mientras que la película más cara de la historia para cuando estaban filmando era \"Ben-Hur\" con unos 15 millones de dólares de presupuesto, \"Cleopatra\" simplemente duplicaba el record, con más de 31 millones ya gastados. A la hora de sentarse en la mesa de edición y comenzar a montar el film, Mankiewicz le entregó a la productora como corte final una versión de la película que duraba nada más ni nada menos que 6 horas." }, { "kind": "p", "text": "En 20th Century Fox descartaron totalmente la propuesta del director, y en el corte que elaboraron, sin atención creativa alguna a las intenciones de los que participaron, lo redujeron a unos 180 minutos de metraje, recortando la mitad de la historia. Todos los que participaron en el rodaje quedaron increíblemente descontentos con lo que quedó, alegando que la película resultaba confusa o que habían sacado partes esenciales del conflicto dramático. Muchísimos años más tarde vería la luz el corte que conocemos hoy, de un poco más de 4 horas, pero esas dos horas restantes desaparecieron de la faz de la tierra cinéfila." }, { "kind": "p", "text": "Elizabeth Taylor, por su parte, directamente se negó a seguir asistiendo a las funciones de estreno luego de ver lo que habían hecho con el material filmado. Mankiewicz, quien cayó en las drogas para poder mantenerse despierto y escribiendo durante las noches de rodaje, se juró no volver a dirigir una superproducción nunca más en su carrera, la cual se ralentizó muchísimo en busca de un descanso luego de todo el trabajo de \"Cleopatra\". En cuanto a los intereses de la productora… Tampoco hubo excelentes resultados." }, { "kind": "p", "text": "20th Century Fox tuvo el lujo de tener en \"Cleopatra\" la película más taquillera del año y una de las más exitosas de la década, pero ni eso alcanzó para cubrir los gastos que terminaron alrededor de los 40 millones de dólares. El \"fracaso\" de Cleopatra casi les cuesta la productora en su totalidad, que solo fue salvada gracias al éxito de \"La novicia rebelde\" y al aún mayor éxito (y ciertamente, muchísimo más sorpresivo) que terminó siendo \"Star Wars\" casi 15 años después." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/cleopatra-7.jpg", "alt": "Fotograma de Cleopatra" }, { "kind": "p", "text": "Unos meses después del estreno de Cleopatra, el entonces presidente de los Estados Unidos de America, John F Kennedy, era asesinado públicamente por un francotirador sin identificar. Unos años más tarde, Martin Luther King también correría una suerte similar. La familia Manson tomaría también protagonismo en la cultura estadounidense cuando para finales de década se encargarían de matar a Sharon Tate y sus amigos, en un horroroso escándalo satanista dentro del fenómeno \"Helter Skelter\"." }, { "kind": "p", "text": "No volvería a haber una \"Cleopatra\", ni una \"Ben-Hur\" en Hollywood. Los que crearon las grandes productoras a comienzos de siglo fallecían de viejos y en total desconexión con lo que sucedía en la sociedad norteamericana de la época. El escapismo de las grandes historias sería dejado de lado por un Hollywood que irá de lleno a debatirle cara a cara a los grandes políticos, a las grandes instituciones y hasta a las grandes productoras sobre cómo se debía hacer cine." }, { "kind": "p", "text": "\"Cleopatra\", probablemente sin desearlo, daría indirectamente el punto de salida a lo que hoy se le llama \"Nuevo Hollywood\". Una generación que tomaría los excesos de la anterior para transformarlos en conflictos sociales y políticos que afectaban a la sociedad de la época. ¿Es \"Cleopatra\" el mejor exponente de lo que sabía hacer el viejo Hollywood?" }, { "kind": "p", "text": "En absoluto. Muchas de las mejores películas de la historia están escondidas en esta construcción clásica del cómo contar una historia. Pero \"Cleopatra\" es un resumen perfecto de todo lo que condenó la muerte prematura del clasicismo hollywoodense. Aun así, les prometemos que seguirá habiendo películas de más de 3 horas que analizar en esta improvisada historia del cine. Y también les aseguramos que, lo que por un lado significó la muerte del cine clásico, significó por el otro el comienzo de una nueva manera de hacer cine, responsable de películas como “Taxi Driver”, “La naranja mecánica” o “El padrino”. El cine solo estaba empezando…" } ] }, { "slug": "1974-celine-julie", "title": "Céline et Julie vont en bateau", "filmTitle": "Céline y Julie van en barco", "year": 1974, "director": "Jacques Rivette", "num": "IX", "kicker": "Capítulo 09", "cover": "/fotogramas/1974-celine-julie-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/celine-julie-poster.jpg", "rating": 6, "excerpt": "Rivette nunca llegó a conectar con las grandes masas, probablemente de manera consciente. Su legado se mide en cómo los grandes directores hablan de él: siempre con respeto.", "related": [ "1975-barry-lyndon", "1979-apocalypse-now", "1974-padrino-parte-ii", "1963-cleopatra" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1975-barry-lyndon", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "1979-apocalypse-now", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "1974-padrino-parte-ii", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "1963-cleopatra", "score": 12 } ], "blocks": [ { "kind": "p", "text": "A pesar de que en esta curiosa historia del cine ya estamos a mediados de la década del 70, quizás sea relevante volver en el tiempo unos años antes, a una época ya muy hablada en la sección. La década del 50 tuvo su marca a fuego en Hollywood con el cine épico queriendo combatirle al avance de la televisión hogareña, pero este fenómeno no fue algo exclusivo de los norteamericanos. El cine comenzaba a ponerse en jaque. Y para comprender lo que sucedió después tendremos que separarnos un poco de aquellas películas de más de 3 horas." }, { "kind": "p", "text": "Existieron otros rasgos centrales que también caracterizaron estos tiempos. El sistema de estudios, las superestrellas, podríamos hablar de miles de cosas. Pero como la película que nos compete hoy es francesa, vamos a hablar de formas. Es frecuente escuchar el término \"clasicismo cinematográfico\" al hablar de películas viejas, o películas nuevas supuestamente filmadas como películas viejas pero, ¿qué significa este concepto?" }, { "kind": "p", "text": "Básicamente, se refiere a unas determinadas reglas a seguir. Como cuando uno compra un electrodoméstico nuevo y atentamente lee su manual de instrucciones (dijo nadie nunca), los estudios fueron creando, con el avance industrial del cine, determinadas reglas para estructurar las películas que producían. Estas no eran reglas necesariamente ideológicas o temáticas como las que propuso el macartismo en Estados Unidos, sino que eran reglas cinematográficas y universales." }, { "kind": "p", "text": "Las escenas debían filmarse de una determinada manera. Las cámaras, por ejemplo, debían siempre estar de una determinada forma, y hasta el ritmo de diálogo de los personajes era a veces muy parecido entre todas las películas. La principal función de estas reglas era, además de minimizar los riesgos, mantener la atención en la película. Cuando uno veía una película estadounidense de los 40, en ningún momento debía acordarse de que estaba en una sala de cine, con gente, mirando un film. La experiencia se proponía como algo inmersivo y total." }, { "kind": "p", "text": "Pero señor, ¿Por qué me está contando todo esto para hablar de una película francesa? Porque este mismo sistema, que como decíamos, era relativamente global y no dependía de fronteras, se repetía también en la Francia de mediados de los 50. Es justamente en esa época cuando comenzaba a formarse un movimiento que iba a agarrar estas reglas cinematográficas y no solo no cumplirlas; Las iba a desobedecer, conscientemente." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/celine-julie-2.jpg", "alt": "Fotograma de Céline et Julie vont en bateau" }, { "kind": "p", "text": "Insistimos en lo global porque, de alguna manera, una gran cantidad de países iban a generar respuestas muy distintas entre si a estas \"reglas\", pero manteniendo el espíritu. En Italia, el neorrealismo italiano iba a abandonar los rodajes en estudios y comenzar a filmar las calles reales de sus propias ciudades. El Free Cinema en Inglaterra iba a apostar por las ficciones con el tono más realista posible y hasta las cinematografías latinoamericanas iban a tener movimientos cinematográficos revolucionarios como el Cinema Novo de Brasil, o nuestro tan querido Nuevo cine argentino (parte 1) surgido también en la década del 60. Todos ellos se opusieron, de una u otra manera, a los cánones establecidos." }, { "kind": "p", "text": "La forma en que la cinematografía francesa se reinventó, en cambio, tiene algunas características únicas. Tal como decíamos, este nuevo fenómeno que iniciaba muy tempranamente a mediados de los 50, iba a ser liderado por un grupo de directores entre los cuales se encuentra el director de la fecha. Para esa época, Rivette era, al igual que muchos de sus futuros directores contemporáneos, un habitué en la sala de proyección de la cinemateca francesa." }, { "kind": "p", "text": "Esto, que podría parecer anecdótico, es quizás el elemento más importante para entender lo que estaba por surgir. Estudiaban las películas, reflexionaban sobre sus intenciones, sus formas y sus resultados. Lo que hoy nos parece extremo en un hilo de twitter, ellos lo atendían normalmente en un café. Había, además de un extenso conocimiento sobre las películas pasadas, una pasión sobre las mismas y sobre el cine mismo." }, { "kind": "p", "text": "Esta pasión generó la creación de una revista de cine importantísima, y probablemente podríamos decir una de las más importantes de toda la historia. \"Cahiers Du Cinema\", traducida como \"cuadernos de cine\" fue clave para criticar fuertemente el cine francés mainstream de la época, además de redescubrir y valorar correctamente las obras de algunos de los cineastas más infravalorados del momento, hoy auténticos maestros del cine. John Ford, Alfred Hitchcock u Orson Welles comenzaban a dejar de ser llamados como meras personas que participaban del rodaje, e iniciaban su camino a ser llamados autores." }, { "kind": "p", "text": "Y de esa misma revista de cine, que estaba repleta de amantes y estudiosos del séptimo arte, nació a posteriori el movimiento cinematográfico conocido como \"la nueva ola francesa\". Quizás sea una historia relativamente conocida, pero el comprender en su totalidad los orígenes de este movimiento explica mejor las ideas que iba a traer consigo. Esta pasión tan alocada por el cine provocó que cuando algunos de estos críticos decidieron sentarse en la silla de dirección y dirigir un film, pasaran cosas." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/celine-julie-5.png", "alt": "Fotograma de Céline et Julie vont en bateau" }, { "kind": "p", "text": "La nueva ola francesa, también llamada Nouvelle Vague, fue extremadamente heterogénea en sus estilos, principalmente por tener directores tan variados en sus ideas. Pero la principal característica era, justamente, la total oposición a los cánones cinematográficos previos. François Truffaut, por ejemplo, iba a profundizar en la infancia, la juventud y las historias comunes, alejándose de los grandes héroes y retratando lo común. Jean Luc Godard, por otro lado, iba a tomarse casi a rajatabla el desobedecer la mayor cantidad de reglas cinematográficas posibles. Jacques Rivette, quien nos compete hoy, tuvo un estilo bastante distinto y que, al igual que sus contemporáneos, cambió y mutó con el tiempo." }, { "kind": "p", "text": "Para mediados de la década del 70, época en la que estrenaba \"Celine y Julie van en barco\", Rivette ya había fortalecido y creado un estilo propio. El cine de Rivette resultaba fácilmente difícil de digerir. El cariño y respeto que le tenían sus directores contemporáneos no se traducía del todo en éxito comercial, y su última película llamada \"Out 1\" estrenada en 1969 estuvo repleta de problemas, entre los cuales se encontró uno bastante curioso. La película prácticamente no pudo ser proyectada en absoluto, debido a que su duración llegaba a la módica suma de 12 horas y 53 minutos. Si." }, { "kind": "p", "text": "En cambio, su próximo film \"Celine y Julie van en barco\" se redujo a poco más de 3 horas, y finalmente, logró un moderado éxito comercial. Podríamos decir que había simplificado un poco su estilo, o que lo aligero para las grandes masas, pero eso sería engañar a nuestros queridos lectores. Este film resulta difícil de ver de buenas a primeras." }, { "kind": "p", "text": "La película cuenta la historia de cómo dos mujeres se conocen y comienzan a desarrollar una amistad, a la par de que van descubriendo los poderes mágicos que tiene una mansión a la que frecuentan. Esta magia es, de alguna manera, el elemento central del film, que bebe de las corrientes literarias de la época para intentar adaptar una sensación bastante compleja de filmar." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/celine-julie-6.png", "alt": "Fotograma de Céline et Julie vont en bateau" }, { "kind": "p", "text": "El realismo mágico de autores como Adolfo Bioy Casares, Jorge Luis Borges o Gabriel García Márquez se encuentra intrínseco en el estilo del film. La realidad y la estética que surge resulta fácilmente maleable, pero las apariciones de lo fantástico no son en ningún momento sorpresivas o rotundas, si no más bien partes lógicas de ese universo. Estas referencias latinoamericanas tienen base en un colaborador crucial para el film. El guion fue co-escrito junto a Eduardo De Gregorio, un cineasta franco-argentino que colaboraba con Rivette en ese entonces." }, { "kind": "p", "text": "Pero atribuir el guion únicamente a las cabezas de Rivette y De Gregorio sería erróneo, ya que el film cuenta en los créditos con algo bastante curioso y que explica un poco mejor el estilo del film. Los cuatro principales intérpretes del film figuran también como guionistas del mismo, y esto se debe a que Rivette facilitaba y proponía la improvisación como el método central de filmar determinadas escenas. Las secuencias se alargan con situaciones y diálogos naturales que iban surgiendo en el momento, provocando primero que la película llegue a las más de 3 horas de duración y al mismo tiempo generando esa sensación de cotidianeidad." }, { "kind": "p", "text": "Es, eso si, una cotidianeidad extraña. Al igual que sus contemporáneos, Rivette filma a sus personajes con una perspectiva totalmente artificial, desde lejos y con ritmos variados. Sus planos siempre buscan a los personajes en cuerpo completo, generando una teatralidad obviamente buscada- En eso la película se circunscribe perfectamente en el cine francés de la época, recordando todo el tiempo que estamos viendo una película y rompiendo con la inmersión cinematográfica, pero a su vez se diferencia de los cortes sobre el eje o la velocidad que proponían algunos de sus contemporáneos en el montaje." }, { "kind": "p", "text": "A pesar de que cada director logró identidades muy distintas entre si (poco tiene que ver la historia el trágico cine de Resnais sobre la guerra con la locura imparable de Godard en \"Sin aliento\") no hubo muchos casos de películas de la Nouvelle Vague que duraran más de 3 horas. El movimiento en general, que fue totalmente influyente para directores como Martin Scorsese o Quentin Tarantino, tuvo muy poco éxito en la taquilla y se posicionó como una cinematografía muchas veces alternativa. Por eso quizás el ejemplo de Rivette resulta interesantísimo para entender este fenómeno." }, { "kind": "p", "text": "Rivette siguió filmando, y siguió experimentando con las formas cinematográficas, pero nunca llegó a conectar con las grandes masas, probablemente de manera consciente. El legado de su cine se encuentra en cómo los grandes autores y directores hablan de él con respeto. Su estilo encontró peculiaridades únicas y revolucionarias. Quizás su rol, al igual que el de otros grandes de esa época francesa, era justamente ese. Revolucionar." } ] }, { "slug": "1974-padrino-parte-ii", "title": "The Godfather Part II", "filmTitle": "El padrino parte II", "year": 1974, "director": "Francis Ford Coppola", "num": "X", "kicker": "Capítulo 10", "cover": "/fotogramas/1974-padrino-parte-ii-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/padrino-parte-ii-poster.jpg", "rating": 10, "excerpt": "Once años después de Cleopatra, el cine cambió por completo. Coppola demostró que una película épica podía ser profundamente íntima, y que la oscuridad de un plano puede decir más que cualquier diálogo.", "related": [ "1979-apocalypse-now", "1939-gone-with-the-wind", "1959-ben-hur", "1956-diez-mandamientos" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1979-apocalypse-now", "score": 47 }, { "type": "critica", "slug": "1939-gone-with-the-wind", "score": 28 }, { "type": "critica", "slug": "1959-ben-hur", "score": 20 }, { "type": "critica", "slug": "1956-diez-mandamientos", "score": 20 } ], "blocks": [ { "kind": "p", "text": "11 años pasaron desde la última película de esta sección, el inmenso desastre de Cleopatra. Tal como habíamos comentado, el colapso económico en la taquilla de este film tuvo consecuencias directas en la industria. Como si fuera poco, las cosas no estaban del todo calmas en Estados Unidos y parecía que el cine no estaba a la altura como herramienta de transformación social. Frases como \"El cine está muriendo\" abundaron, y la televisión se iba ganando camino como herramienta de entretenimiento." }, { "kind": "p", "text": "El problema, quizás, era justamente ese. El cine, frente al avance de la televisión como el entretenimiento del futuro, decidió ser aún más entretenido y comenzó esta batalla ilógica e infinita del presupuesto. Pero hubo una generación de cineastas que frente a esta batalla del entretenimiento por el mero hecho de pasar el rato, tuvo una respuesta. Intentar abreviar o resumir los logros de este \"nuevo Hollywood\" resultaría en algo enormemente complejo, pero por lo pronto podemos decir que tenían características en común que resonaban específicamente con el público." }, { "kind": "p", "text": "Ya no era necesario viajar a las eras romanas o egipcias para tener dramas épicos. Ya no era necesario contratar a las estrellas más bellas y relucirlas en una campaña de promoción impoluta. Las estrellas de esta generación eran, al menos visualmente, igual que cualquier otra persona. Dustin Hoffman, Al Pacino o Robert De Niro no eran personas increíblemente bellas y bien mozas, pero es evidente que su talento como interpretes era innegable. Aun así, como ustedes imaginarán, estos son actores. ¿Qué hay de los directores?" }, { "kind": "p", "text": "Los directores eran, primordialmente, jóvenes. Francis Ford Coppola, por ejemplo, había cumplido 30 años hace poco cuando fue llamado a dirigir la primera película de \"El padrino\", mientras que los directores de otras inmensas películas de Hollywood como \"Ben-Hur\" o \"Los diez mandamientos\" tenían mínimo, más de 50. En el caso de los diez mandamientos, ¡Cecil B. DeMille tenía 74! Era muy difícil que directores de esas edades logren tomar riesgos e identificarse con lo que las nuevas generaciones, influenciadas por la contracultura del momento, sentían y querían ver." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/el-padrino-2.jpg", "alt": "Fotograma de The Godfather Part II" }, { "kind": "p", "text": "Es en esa situación donde un nombre importante aparece en escena. El productor de películas de bajo presupuesto, Roger Corman, se destacará en la época como un autentico descubridor de diamantes en bruto. Debido a que siempre manejaba poco dinero, no paró de darle oportunidades a personas del ambiente, ya sea tanto actores como directores jóvenes y debutantes. Personajes imprescindibles de la historia del cine como Martin Scorsese, Peter Fonda, Jack Nicholson o James Cameron comenzaron sus carreras bajo su tutela, entre muchísimos otros. Pero hubo otra persona bastante talentosa que también se dio a conocer con su ayuda y nos es especialmente relevante en la película de hoy. Estamos hablando del enorme Francis Ford Coppola." }, { "kind": "p", "text": "Fue gracias a la oportunidad que le dio Corman que Coppola pudo, sorprendentemente, ser el encargado de adaptar la primera película de \"El padrino\". El libro original ya era un best seller, y la sensación que tenía Paramount Pictures, la productora, es que esta adaptación no podía fallar. No entraremos en detalles sobre esta primera película, porque lamentablemente se queda a unos 5 minutos de llegar a las 3 horas, y hay que ser justos con las reglas autoimpuestas. Si no respetamos nuestras propias reglas, ¿qué nos queda? Solo queda decir que la película, como ya sabrá la mayoría, fue un éxito rotundo." }, { "kind": "p", "text": "Lo que si habría que aclarar es que el rodaje de \"El padrino\" fue, como poco, complicado. Paramount no confiaba del todo ni en Coppola, ni en Al Pacino, ¡ni siquiera en Marlon Brando! Lo difícil que es equivocarse tanto… Pero es importante aclarar esto porque cuando desde Paramount le dijeron a Coppola que había que dirigir una secuela, él se negó completamente. El maltrato que recibió en la anterior producción le suplicaba que no vuelva a trabajar con ellos, por lo que se ofreció en ejercer de productor y buscar otro director joven que pudiera hacer la tarea. Ellos, en principio, le dijeron que si." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/el-padrino-3.jpg", "alt": "Fotograma de The Godfather Part II" }, { "kind": "p", "text": "Luego de un tiempo, Coppola llegó, alegre y atento a decirles a Paramount quién iba a ser el director de la próxima película de \"El padrino\", pero desde la productora le negaron su decisión, diciendo que bajo ninguna circunstancia esta persona iba a trabajar para ellos, y mucho menos en la secuela de \"El padrino\". Coppola entonces tuvo que decirle a su amigo italoamericano Martin Scorsese que Paramount no lo quería en la película y que debía seguir buscando más oportunidades laborales. Las vueltas de la vida, ¿no?" }, { "kind": "p", "text": "Luego de negociaciones en las cuales Paramount decía que si a todo con la condición de que la secuela repitiera la silla de dirección, Francis Ford Coppola queda nuevamente como director de \"El padrino: Parte II\". A partir de allí, y con el historial de la película original, Paramount fue bastante amable y la producción del film resultó pacifica y ordenada. Los milagros, evidentemente, existen. Es entonces ya momento de comenzar a hablar, por fin, de la inabarcable e imposible secuela." }, { "kind": "p", "text": "\"El padrino: Parte II\", al igual que su predecesora, se encontraron en un momento muy particular de la historia del cine estadounidense. El clasicismo de las películas de los 40 y los 50 estaban cayendo, y películas como \"El graduado\" (1967) o \"Easy Rider\" (1969) comenzaban a ganar terreno por su dirección desenfrenada y sus temáticas polémicas. El sexo, las drogas y el rock and roll daban pie a obras muy populares y con las que los jóvenes podían identificarse. Pero Coppola, quien venía de estudiar cine en la UCLA (Universidad de Cine de Los Ángeles) conocía y disfrutaba de la construcción cinematográfica clásica." }, { "kind": "p", "text": "Es ahí donde se encuentra ese rejunte de influencias que disparan un universo nunca antes visto en el cine de la época. Francis Ford Coppola podía mover su cámara lentamente con una iluminación extremadamente medida y un plano con composiciones perfectas al mismo tiempo que, por ejemplo, ponía una cabeza de caballo sangrando en la cama de un personaje o acribillaba a un personaje protagonista en el medio de un peaje." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/michael-corleone.jpg", "alt": "Fotograma de The Godfather Part II" }, { "kind": "p", "text": "Pero esos ejemplos son solo de la primera película. La segunda, en este caso, fue aún más allá. Con las mismas cabezas de equipo que en la película anterior, Coppola no se contentaba con hacer \"más de lo mismo\". La historia de la primera película que contaba la caída y el resurgir de la familia Corleone en Nueva York dejaba abierta la puerta para que simplemente siguieran contando los devenires de la mafia, pero en vez de hacer algo así, la apuesta fue mayor." }, { "kind": "p", "text": "La película cuenta, con dos líneas narrativas que se van entrecruzando entre sí, siendo por un lado la llegada de Vito Corleone a Ámerica, interpretado esta vez por un joven Robert De Niro, y por otro la situación en dónde queda Michael Corleone después de la primera película, como el jefe mafioso de la familia. La película va y viene en el tiempo, comparando y diferenciando las actitudes de estos dos personajes, al mismo tiempo que desarrolla cada una de sus historias." }, { "kind": "p", "text": "Obviamente no fue el primero en utilizar flashbacks, pero esta libertad narrativa que se permitió de ir y volver entre épocas de 40 años de diferencia fue todo un desafío. Desde la cuestión artística, esto implicaba, por ejemplo, construir decorados y elaborar vestuarios de dos momentos históricos distintos. A Robert De Niro se lo ambientaba en la Nueva York de finales de la década de 1910, mientras que Al Pacino y sus secuaces estaban en los finales de la década de 1950. Ambas construcciones, vale la pena aclarar, son grandiosas, pero a diferencia de la inmensidad de las películas del viejo Hollywood, la construcción de decorados se volvió una tarea de mucha mayor precisión y exactitud." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/padrino-parte-ii-2.jpg", "alt": "Fotograma de The Godfather Part II" }, { "kind": "p", "text": "Quizás no tendremos miles de extras, ni gloriosas pirámides, pero lo que hace Dean Tavoularis, el director de arte de la película, es igual de sorprendente. Los decorados no son simplemente precisos históricamente. Desde la distribución de las mesas, hasta el uso de las sillas, todos los elementos del film quedan resignificados y cumplen roles fundamentales en la narración. Detalles como el orden en el que se sentaban las familias italianas en la mesa o como se mece una silla en la que un personaje está nervioso abren mundos de narración cinematográfica hermosos, que en vez de ir a lo grande, aciertan en lo pequeño." }, { "kind": "p", "text": "Tenemos, igualmente, escenas y secuencias donde esta dirección de arte hace un show más expansivo, con, por ejemplo, una secuencia en la que Michael Corleone viaja a La Habana, Cuba, en el medio del estallido de la revolución de Castro, o un festival callejero en el cual Vito deberá ir a matar a un matón de la ciudad. Todas estas construcciones, que si son un poco más explosivas que los momentos más íntimos, están también logradas con enorme precisión, pero no se privan de construir simbolismos y mensajes más allá del historicismo, resaltando aún más el valor del film." }, { "kind": "p", "text": "Pero si hay que hablar de los momentos íntimos, es imposible no hablar de Gordon Willis, el director de fotografía del film. La manera en la que Gordon ilumina las escenas más importantes de ambos films, la película original y su secuela, cambiaron la historia de la fotografía cinematográfica. No, no estamos exagerando. Hay enormes momentos que son orquestados desde la iluminación, pero muchos de ellos son justamente construidos por la ausencia de esta misma." }, { "kind": "p", "text": "La oscuridad y los claroscuros tienen un rol crucial en mostrar como Michael debate con políticos y mafiosos, generando ambientes únicos e icónicos. Esta oscuridad del film, con un tono amarillento y lúgubre resultaron increíbles para la época, que acostumbraba a iluminar de formas más convencionales y clásicas, y hoy en día resultan indispensables para entender lo que terminó siendo la generación de los 70 en Estados Unidos, que conectaba las formas de la narración, es decir, la fotografía, el arte y el sonido, a lo que quería contar. Lo que hicieron Nino Rota y Walter Murch en el trabajo sonoro, lo que hizo el equipo de montaje para editar la película. Todos los departamentos son llevados al máximo nivel posible, destacándose como una obra maestra completa." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/padrino-parte-ii-3.jpg", "alt": "Fotograma de The Godfather Part II" }, { "kind": "p", "text": "Y si tenemos que entrar a hablar de las interpretaciones… El análisis sería más extenso que la propia película. Todos los personajes del film cuentan con actores inigualables. Desde John Cazale como Fredo, el hermano de Michael, hasta roles aparentemente menores como el de Michael V. Gazzo interpretando a Frank Pentangeli, un amigo de la familia Corleone. Son todos personajes pesados, sufridos, y que transmiten todas las emociones que pretende transmitir el film." }, { "kind": "p", "text": "Robert De Niro, quien dice pocas palabras en inglés y muchísimas en italiano, se ganó el Óscar a mejor actor de reparto por su papel como el joven Vito Corleone, en una gala donde también estuvieron nominados al mismo premio y por el mismo film Michael V. Gazzo y Lee Strasberg por su rol como Hyman Roth, el capo mafioso rival de Michael. Quedaron sin nominar del lado femenino actrices como Talia Shire volviendo a su personaje de Connie Corleone o la increíble Diane Keaton interpretando a Kay Adams, la esposa de Michael. Tranquilamente podría haber estado nominado todo el elenco." }, { "kind": "p", "text": "Al Pacino, por el otro lado, estuvo nominado pero no ganó su premio a mejor actor, algo que demuestra el poco valor real que tiene la academia para poder evaluar y premiar adecuadamente. La actuación de Pacino como Michael Corleone, que ya venía de ser increíble en la película anterior, se eleva aún más en \"El padrino: Parte II\", creando ya finalmente a uno de los personajes más importantes de la cultura del siglo XX. Una ceja de Michael moviéndose, o una mirada perdida conviven perfectamente con las explosiones de violencia de un personaje conflictivo y conflictuado." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/padrino-parte-ii-4.jpg", "alt": "Fotograma de The Godfather Part II" }, { "kind": "p", "text": "Y es justamente en esa palabra, conflictuado, donde está la esencia de todo el film. \"El Padrino: Parte II\", a diferencia de su antecesora, es una película dura y desesperanzadora. Ya no hay más tarantela italiana. Esta fue reemplazada por música estadounidense vacía e inútil. Ya Michael no tiene los valores con los que contaba Vito en la primera. Mata personas inocentes e irá destruyendo, a lo largo del film, hasta a su propia familia." }, { "kind": "p", "text": "Esa misma familia por la que Vito, sin saberlo, iba declarando desde joven su propia condena. La historia de un Vito lleno de esperanzas y que busca hacerse lugar, como sea, en la sociedad estadounidense, se acopla perfectamente a un Michael repleto de conflictos, traiciones y una familia a punto de quebrarse. Pero este es solo uno de los muchos temas que habla y trata la película. Toda esta historia puede extrapolarse a la sociedad estadounidense, a la violencia o a la política, por ejemplo. En eso es, al igual que la primera, una obra infinita, con lecturas disparadoras tan hermosas que demuestran, casi de manera obligatoria, cuál es el rol del cine en la sociedad." }, { "kind": "p", "text": "Quizás siendo menos definitivos, podemos decir que \"El padrino: Parte II\" es, al igual que la primera, una de las mejores películas de la historia. También podemos decir que, casualmente, dura más de 3 horas, pasándose de ellas por unos 20 minutos. La duración, al igual que en las películas anteriores de la sección, funciona para construir esta cualidad de lo épico, casi como una Ópera cinematográfica. Esto no es algo no específicamente frecuente del \"Nuevo Hollywood\", que irá por historias más potentes y directas. \"Taxi Driver\", por ejemplo, durará menos de 2 horas y no tendrá problemas en retratar a la sociedad estadounidense como pocos otros films lo han hecho. \"El exorcista\" duró poco más de 2 horas y también cambió para siempre la historia del cine de terror." }, { "kind": "p", "text": "Pero veremos que, aún dentro de esta generación, existirán ejemplos igual de grandiosos que contribuirán enormemente a la historia del cine contemporáneo. El cine dejaba atrás ya las grandes producciones históricas, aunque sea por un momento y comenzaba a ensuciarse las manos con los conflictos sociales y políticos de la época. \"El padrino: Parte II\" es, sin embargo, la conexión de esos dos mundos. Es una película histórica y de época, pero que al mismo tiempo se dedica a apuntar a la política, al pueblo y hasta más adelante en la tercera entrega de la saga, a la religión. ¿Qué más se le puede pedir al cine? Muy poco más, la verdad. Pero esta no será la última película de más de 3 horas que logre algo así…" } ] }, { "slug": "1975-barry-lyndon", "title": "Barry Lyndon", "filmTitle": "Barry Lyndon", "year": 1975, "director": "Stanley Kubrick", "num": "XI", "kicker": "Capítulo 11", "cover": "/fotogramas/1975-barry-lyndon-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/barry-lyndon-poster.jpg", "rating": 9, "excerpt": "La obra más subestimada de Kubrick. Cada plano compuesto como una pintura, cada zoom out una declaración filosófica: ese personaje que vemos sufrir en pantalla es simplemente uno más en una sociedad insustancial.", "related": [ "1960-spartacus", "1971-naranja-mecanica", "1974-padrino-parte-ii", "1979-apocalypse-now" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1960-spartacus", "score": 45 }, { "type": "critica", "slug": "1971-naranja-mecanica", "score": 43 }, { "type": "critica", "slug": "1974-padrino-parte-ii", "score": 14 }, { "type": "critica", "slug": "1979-apocalypse-now", "score": 14 } ], "blocks": [ { "kind": "p", "text": "Ya habíamos hablado en esta sección de la figura de Stanley Kubrick, aunque la película no fuera la más representativa del director. El hecho de que \"Espartaco\" (1960) durara más de 3 horas y fuera increíblemente épica la conectó directamente a nuestra línea editorial autoimpuesta, pero Kubrick renegó por siempre de esa película, y con justa razón. Todo lo que siguió a ese film fue, indudablemente, distinto." }, { "kind": "p", "text": "A menudo se habla de Stanley Kubrick como un director detallista. Su nombre resuena entre la cinefilia como uno de los más grandes, y películas como \"2001: Una odisea en el espacio\", \"La naranja mecánica\" o \"El resplandor\" dejaron una huella imborrable en la historia del cine, todas con una firma autoral impoluta. Quizás sea por esa acumulación de obras maestras populares que, aun dentro de la acotada filmografía de un director que dirigió tan solo 13 largometrajes en toda su vida, \"Barry Lyndon\" se escape del reconocimiento popular. Cuando estrenó, fue recibida de manera mixta (al igual que la mayoría de sus películas), y aunque en Europa su reconocimiento fue levemente superior, las intenciones y las esperanzas del director no fueron correspondidas con su éxito." }, { "kind": "p", "text": "Para intentar comprender las intenciones de Kubrick, podemos comenzar buscando la semilla inicial de este enorme e inmenso proyecto. Luego de dirigir la revolucionaria \"2001: Una odisea en el espacio\", el director comenzó a gestar un guion que intente adaptar al cine la compleja vida de Napoleón Bonaparte. Se dice que leyó todos los libros sobre su vida, vio todo lo que se filmó sobre la época y hasta revisó cada uno de los libros sobre el arte contemporáneo al francés. Este proyecto quedó, lamentablemente, irrealizable. La escala del film no paraba de incrementar, y entre los fracasos de las películas de época como Cleopatra, sumado a otros fracasos aún más específicos como el de \"Waterloo\" (una película sobre Napoleón con malos resultados) se terminó por cajonear el proyecto para siempre." }, { "kind": "p", "text": "Por eso cuando Kubrick se encontró con la novela \"La suerte de Barry Lyndon\" escrita por William Makepeace Thackeray, no dudó en comenzar la adaptación. Mucho de lo investigado para el proyecto de Napoleón quedó obviamente reutilizado en este proyecto, que a su vez buscaba bajar un poco los decibles de lo que fue la explosiva película anterior del director. \"La naranja mecánica\" había sido polémica como poco, contando con críticos que la amaron y otros que la odiaron, hasta con países enteros que censuraron su distribución por su ultraviolencia y sus escenas de violación. En cambio \"Barry Lyndon\" iba a tratar de un joven irlandés que irá buscando su destino, a la vez que intentará escalar socialmente. En cuanto a la violencia, se podría decir que bajó un cambio." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/barry-lyndon-2.jpg", "alt": "Fotograma de Barry Lyndon" }, { "kind": "p", "text": "A partir de allí, con el guion ya escrito, se encaminó el inicio del rodaje. Alguien iluso podría imaginarse una situación idílica donde, ya con todo previsto y planeado de antemano, la película se filmaba sin problema alguno y de manera veloz. Aun así, debe decirse que si uno leyó dos o tres cosas sobre el director, se imaginará que todo estuvo muy lejos de ese escenario imaginario. 300 días de rodaje después, con caprichos, luchas y un perfeccionismo inaudito, la película terminó de filmarse." }, { "kind": "p", "text": "¿Dónde están esos 300 días de rodaje en el film? ¿Qué tanto control y detalle se puede tener de una obra? La fotografía, por ejemplo, fue revolucionaria. Queriendo replicar la iluminación de la época, la cual era sin electricidad alguna, Kubrick buscó lentes por todo el mundo que pudieran fotografiar en buena calidad con la luz de una vela. No existían esos lentes en el cine. Su empeño fue aún más allá, y terminó usando lentes provistos por la NASA (institución con la que ya había trabajado en \"2001: Una odisea en el espacio\" y otros \"proyectos varios\") que se utilizaban para sacar fotografías satelitales en el espacio." }, { "kind": "p", "text": "La cámara, la cual de buenas a primeras no era utilizable con estos lentes, fue personalizada a pedido del director para que pueda funcionar a tan baja luz, y los resultados fueron los esperados luego de tanta búsqueda. La fotografía del film da un tono extremadamente naturalista al relato, que funciona como una especie de máquina en el tiempo hacia una época que nadie de los presentes había vivido, pero que igualmente encuentra la manera de replicarse a la perfección. Las sombras y la luz natural juegan un rol fundamental en la ambientación, sumado a obviamente un trabajo de arte tan detallista como insólito." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/barry-lyndon-3.jpg", "alt": "Fotograma de Barry Lyndon" }, { "kind": "p", "text": "¿Pero es tan solo eso? ¿Una obsesión fotográfica y una precisión histórica? Barry Lyndon es mucho más. Al igual que prácticamente todas las otras obras de Kubrick, el film cuenta con un pesimismo atronador. Sus personajes tienen siempre destinos fallidos, y la sociedad de la época es retratada con un espejismo bastante brutal hacia la actualidad. Los conflictos que sus personajes atraviesan resultan igual de banales y vagos que cualquier comedia romántica, pero la autoconsciencia de la misma obra sobre su banalidad lleva el film al siguiente nivel." }, { "kind": "p", "text": "Nada de lo que vemos importa, pero seguimos mirando. Sus personajes sufren y mejoran. El protagonista, Redmond Barry, pasará de ser un niño más a uno de los hombres más influyentes de su tiempo, pero sus problemas seguirán igual de patentes. La sociedad mirará al protagonista de la misma manera durante prácticamente todo el film. Lo único que cambiará son las formas." }, { "kind": "p", "text": "Y al hablar de formas podemos hablar, ya si, del talento en la composición y la dirección de Kubrick. Ya ha corrido tinta sobre como muchos de los fotogramas del director referencian directamente a pinturas varias. Se ha escrito también de cómo la simetría en sus planos se mantiene inmaculada y firme como pocos directores lo han sabido hacer. Pero, ya que estamos hablando de cine, y entendiendo que no nos podemos centrar en todo, vamos a ir con una decisión cinematográfica que podría resultar menor, pero es fundamental." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/barry-lyndon-6.jpg", "alt": "Fotograma de Barry Lyndon" }, { "kind": "p", "text": "Además de los planos con composiciones perfectas y sus perfectas simetrías, es bastante interesante como el recurso del zoom abunda en la película. El zoom out específicamente, está inusualmente usado en abundancia, con planos que inician en un primer plano de la cara de un personaje y terminan en planos generales que demuestran el espacio en su totalidad, con paisajes infinitos y miradas de transeúntes varios. Un recurso bastante básico, el cual puede ser tomado hasta televisivo por algunas miradas maliciosas, se resignifica totalmente en Barry Lyndon." }, { "kind": "p", "text": "Es en esos zoom out cuando Kubrick le dice al espectador que ese personaje tan triste y sufrido que vemos en la pantalla, es simplemente uno más de esa sociedad insustancial y llana. Los conflictos tan duros y potentes que atraviesa el protagonista son a menudos interrumpidos por una dirección fría y una mirada totalmente consciente del destino de sus personajes. Las distintas situaciones románticas del film son correspondidas con planos generales extensísimos, que demuestran la real importancia del todo. Esa sociedad banal es retratada y narrada con una mera decisión estilística. Con solo un movimiento del lente, que lentamente se aleja de sus personajes, Kubrick nos está diciendo todo." }, { "kind": "p", "text": "Es por ese tipo de cuestiones (el cual es tan solo un detalle de una obra complejísima) que uno está en correcta propiedad de hablar de perfeccionismo y detallismo. En que todo lo que vemos en la imagen cuente. En que cada movimiento de cámara sea el mejor movimiento de cámara que se puede hacer. Así lo explicaba el mismo Kubrick, el cual a menudo le quitaba peso a esa crítica de la época que lo acusaba de perfeccionista: \"No sé qué tiene de malo eso. Cuando uno hace algo, se intenta siempre hacer la mejor versión posible\". Cada plano de Barry Lyndon es, evidentemente, el mejor plano para lo que el director quiere contar." }, { "kind": "p", "text": "Luego del resultado mixto en taquilla y crítica, Kubrick dirigirá una obra mucho más comercial y popular como \"El resplandor\", adaptación del bestseller de Stephen King. Barry Lyndon quedó en esa zona mixta de no ser apreciada lo suficiente, pero tampoco ser un fracaso rotundo. Sin embargo, si se la analiza hoy, en frío, quizás encontremos en este film un resumen perfecto del estilo autoral del director. Las formas conectadas siempre al contenido de la historia. Una historia fría, crítica y sobre todas las cosas, cinematográfica. Por todo esto, y algunas cosas más, Kubrick es Kubrick. Además, dura más de 3 horas." } ] }, { "slug": "1979-apocalypse-now", "title": "Apocalypse Now", "filmTitle": "Apocalypse Now", "year": 1979, "director": "Francis Ford Coppola", "num": "XII", "kicker": "Capítulo 12", "cover": "/fotogramas/1979-apocalypse-now-cover.jpg", "poster": "/fotogramas/apocalypse-now-poster.jpg", "rating": 10, "excerpt": "Coppola llegó al final de la producción con su matrimonio destruido y al borde de la ruina financiera. El resultado fue una de las películas más importantes de la historia. El costo, incalculable.", "related": [ "1974-padrino-parte-ii", "1963-cleopatra", "1980-heavens-gate", "1974-celine-julie" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1974-padrino-parte-ii", "score": 47 }, { "type": "critica", "slug": "1963-cleopatra", "score": 20 }, { "type": "critica", "slug": "1980-heavens-gate", "score": 20 }, { "type": "critica", "slug": "1974-celine-julie", "score": 14 } ], "blocks": [ { "kind": "p", "text": "Como avisábamos en la introducción, esta entrega de la sección resulta una curiosa excepción a nuestra regla autoimpuesta de que todas las películas duren 3 horas o más. La versión estrenada en cines en el año 1979 duró tan solo 2 horas y 27 minutos, pero la película contó con dos reestrenos en el cual el metraje se extendió a las 3 horas y 16 minutos para su versión Redux y 3 horas y 2 minutos para la última versión relanzada en 2019 llamada \"Final cut\". Hablaremos más en detalle sobre las diferencias y la importancia de estas versiones más adelante." }, { "kind": "p", "text": "Aun así, además de contar con versiones efectivamente de más de 3 horas de duración, la excelentísima Apocalypse Now es, quizás junto a la película que hablaremos la semana que viene, uno de los ejemplos más importantes del Hollywood de finales de los 70. De sus aspiraciones, de sus sueños y de sus expectativas. Existe en esta película un aura casi definitiva sobre la visión de uno de los autores más importantes que el cine tuvo el placer de albergar. Francis Ford Coppola, quien venía de dirigir sin parar \"El padrino\", \"La conversación\" y \"El padrino: Parte II\", logró con este film una obra fundamental y crucial. Quizás la mejor manera de entender esta visión se encuentra en una cita que decía en una entrevista: \"El cine está más relacionado con la poesía que con la narración\"." }, { "kind": "p", "text": "Apocalypse Now cuenta la historia del Capitán Willard (Martin Sheen), quien en 1969 es encomendado por sus superiores a una curiosa y extraña tarea en plena guerra de Vietnam. El coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando) está escondido en el medio de la selva, enloquecido y repleto de poder. Abandonó toda comunicación con el ejercito estadounidense y está liderando una tropa propia lejos del campo de batalla vietnamita. Willard deberá encontrarlo y eliminarlo. La historia está inspirada por otra excelente obra escrita por Joseph Conrad titulada \"Corazón de las tinieblas\", que aunque no tiene como escenario la guerra de Vietnam, produce relaciones espejadas interesantísimas." }, { "kind": "p", "text": "Corazón de las tinieblas habla del viaje de un marinero que debe liderar su barco hacia Congo en búsqueda de un tal Kurtz, un exitoso jefe de una explotación de marfil. A lo largo de la novela, el protagonista comienza a escuchar más información sobre Kurtz, desde gente que lo idolatra y lo ama hasta la realidad definitiva de un personaje inmerso en la misma locura que tendrá el personaje de Marlon Brando en el film. La adaptación está muy lejos de ser fiel o directa, pero es cierto que ambas historias esconden las mismas preguntas sobre la moralidad, la locura y la justicia." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/apocalypse-now-2.jpg", "alt": "Fotograma de Apocalypse Now" }, { "kind": "p", "text": "Uno podría pensar que entonces la novela corta original de Conrad fue tan solo un disparador inicial, y que el guion luego se convirtió en la herramienta fundamental del film, pero tal como cuenta Coppola en diversas entrevistas y en un documental preciosísimo sobre el film titulado \"Hearts of Darkness: A Filmmaker's Apocalypse\", la realidad estuvo muy lejos de eso. Para entender esto, debemos hablar de lo que fue el rodaje de este film, que sin lugar a dudas puede ser considerado como uno de los rodajes más difíciles y complejos de la historia del cine." }, { "kind": "p", "text": "Por un lado, resulta injusto que ante una obra de la calidad y la magnitud de Apocalypse Now, el rodaje sea siempre uno de los puntos más hablados en el análisis histórico. Es cierto que Francis Ford Coppola, el director y co-escritor del film, se endeudó a más no poder para abarcar los excesos del presupuesto original. Pero, ¿qué tan importante es esto?" }, { "kind": "p", "text": "También es cierto que, debido al momento histórico en el que se filmó este film, todos los helicópteros y las explosiones que vemos en el film fueron reales. El rodaje se trasladó al medio de la selva filipina, y en ocasiones contó con algunas de las complicaciones más difíciles que le pueden tocar a un film. Por ejemplo, el actor original elegido para el rol protagónico era originalmente Harvey Kietel, quien luego de una semana de rodaje fue echado e intercambiado por el ya definitivo Martin Sheen. Las razones de este cambio, viendo la película finalizada, resultan lógicas y coherentes. El personaje de Willard tendrá un rol mucho más pasivo en el film, casi como el del mismo espectador, quien verá y será testigo de la locura que resulta de esa ilógica guerra de Vietnam. Harvey Kietel era demasiado llamativo para el personaje." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/apocalypse-now-3.jpg", "alt": "Fotograma de Apocalypse Now" }, { "kind": "p", "text": "Este primer error fue, tal como indica el adjetivo, el primero de muchos errores y dificultades que tuvo el film. Desde momentos en los que todos los sets en la selva se destrozaron por completo debido a una tormenta histórica, hasta un peligroso infarto de Martin Sheen que casi termina con su vida. Todo esto generó, entre otras cosas, que Coppola hipotecara su propia casa, pusiera aún más dinero al presupuesto para solventar los gastos extra y prácticamente su futuro como cineasta dependiera del resultado del film." }, { "kind": "p", "text": "Pero, ¿qué tan importante es esto? ¿Por qué Coppola luchaba tanto por finalizar este film? Por un lado, tenemos un circulo vicioso en el cual, evidentemente, si Coppola hipotecó su casa para el rodaje del film, le conviene que este sea lo más exitoso posible. Pero quedarnos con eso sería hilar en la superficie. La lucha de Coppola por la realización de esta película esconde una lucha que el director venía teniendo desde la primera entrega de \"El padrino\", y que se desarrolló in crescendo durante toda su carrera previa y posterior a \"Apocalypse Now\". Esta lucha, que no es muy distinta a la que se tiene hoy en la industria pero desde otra posición, no es nada más ni nada menos que la de la libertad creativa." }, { "kind": "p", "text": "Coppola quería ser su propio productor. Había algo en la relación artista-productora que, tanto a él como a muchos otros directores de la época, le complejizaba la realización cinematográfica. A diferencia de la pintura, la literatura o hasta la misma música, el cine necesita a menudo de enormes equipos de trabajo, muchísimo dinero y gente que confíe en el proyecto para que la obra final siquiera exista. En la música, aún con el gasto de los instrumentos, el equipamiento y los estudios de grabación, la inversión inicial no se compara a la de una película de presupuesto medio. Pero la generación estadounidense de los 60 y los 70 confiaba en que había dentro de la industria una forma de narrar libremente." }, { "kind": "p", "text": "Coppola para mediados de los 70 ya se comenzaba a dar cuenta que era imposible esa visión. La película imaginada por el artista original debía estar siempre dispuesta las necesidades comerciales de una productora y un mercado que la consumiera. Quizás entendiendo este subtexto del rodaje de Apocalypse Now podemos entender mejor qué estaba en juego con este rodaje. Que un director que venía de dirigir las dos películas de \"El padrino\" y \"La conversación\" no tuviera luz verde en casi ninguna productora para que realice su film era, como poco, desesperante. Más aun cuando todo el dinero propio de la familia Coppola estaba en juego." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/apocalypse-now-5.jpg", "alt": "Fotograma de Apocalypse Now" }, { "kind": "p", "text": "Volviendo a la película, todos estos conflictos del rodaje fueron desordenando y desorbitando el guion original co-escrito entre Coppola y John Milius. El director a menudo dedicaba noches enteras entre jornadas de rodaje a reescribir escenas, secuencias y momentos del film, todo con la novela de Conrad como biblia inspiracional que vigilaba su creatividad. Entre algunos de los cambios que quería hacer se encontraba el final, que no le terminaba de satisfacer del todo aun en las etapas finales del rodaje. Para estas etapas finales, otro conflicto se sumó a la realización, con un Marlon Brando que llegaba con una estricta agenda de solo 3 semanas de rodaje, totalmente excedido de peso y que, entre caprichos, desperdició toda su primera semana simplemente hablando sobre el personaje sin siquiera haber leído del todo ni el guion ni la novela original y sin filmar ni un solo plano." }, { "kind": "p", "text": "La actitud de Brando, eso si, colaboró con que Coppola pudiera darle un cierre mucho más preciso al film, y contribuyó para darle al personaje de Kurtz un aire místico único e irrepetible. Es ya conocida la icónica secuencia craneada entre Coppola y el excelente director de fotografía Vittorio Storaro en la cual vemos a Marlon Brando con la mitad de la cara iluminada y la otra mitad en autentica penumbra. Cada aparición de Kurtz está influenciada por esta fotografía casi traída del cine expresionista alemán, a excepción de una escena incluida únicamente en la versión Redux estrenada en 2001 que inteligentemente fue eliminada para la versión final del film." }, { "kind": "p", "text": "Con el rodaje finalizado, comenzó ya la titánica tarea de conseguir un largometraje lógico dentro de los kilómetros de metraje filmados. Ya el presupuesto que había iniciado alrededor de los 12 millones se había duplicado a más de 25 y todavía no había ni un corte del film. Coppola continuó endeudándose, poniendo como seguro ya no solo la hipoteca de su casa, sino que su auto, todos sus ahorros y los beneficios a futuro de la franquicia de \"El padrino\" si el film llegaba a fracasar. Luego de muchos prestamos y reclamaciones de la productora que financió y le prestó el dinero a Coppola, Apocalypse Now fue finalmente estrenada en el festival de Cannes como work in progress (película aun no terminada) y contó con un recibimiento excepcional que la introdujo de lleno en la historia del cine." }, { "kind": "p", "text": "Bajo las obvias órdenes de United Artists, quien fue coproductora del film junto a la productora del mismo Coppola, la película redujo muchísimo su metraje para poder generar un corte más accesible y comercial. Años más tarde, el director iba a reestrenar el film en el mismo festival de Cannes, pero ya con una versión de 3 horas y 16 minutos que incluía muchísimo del metraje eliminado originalmente, para finalmente ser superado por un corte definitivo estrenado en 2019 titulado Apocalypse Now: Final Cut." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/apocalypse-now-7.jpg", "alt": "Fotograma de Apocalypse Now" }, { "kind": "p", "text": "Las diferencias entre la versión Redux estrenada en 2001 y la de 2019 son relativamente pocas, ya que solo hay unos 15 minutos de metraje reducidos para la versión final. Lo que es si fundamental de este último reestreno es el nuevo trabajo de remasterización sobre la película, que probablemente se posicione como una de las remasterizaciones de cine mejor logradas hasta la fecha. Es casi imposible entender como de un rodaje tan problemático y dificultoso se lograron imágenes tan bellas como las que vemos en este final cut, de una gama cromática y de una atención al detalle únicos. Pero, de nuevo, si solo nos quedamos con esto, nos quedamos en la superficie." }, { "kind": "p", "text": "Estos final cut, que evidentemente mejoran y agregan a ya una obra maestra como fue la estrenada en 1979, son también reflejos de esta eterna persecución por la libertad creativa. El dinero extra que Coppola ganó con este relanzamiento, al igual que con el nuevo corte de \"El padrino: parte III\" son demostraciones de un director que, aun al día de la fecha, sigue luchando por autofinanciar sus proyectos, tal como indicaba la reciente noticia que decía que Coppola estaba dispuesto a poner 100 millones de dólares de su bolsillo para financiar su próximo film." }, { "kind": "p", "text": "Esto tiene un historial. Coppola luego del dificultoso rodaje de Apocalypse Now apostó nuevamente todo su dinero en un proyecto que dinamitó por completo la carrera del director. \"One From The Heart\", estrenada en 1982, contó con un presupuesto de 26 millones de dólares, la totalidad del mismo puesto del bolsillo del director, con deudas, prestamos y fracasos. La película recaudó poco más de 600 mil dólares y el sueño inicial de autoproducirse sus propias películas se terminó." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/apocalypse-now-8.jpg", "alt": "Fotograma de Apocalypse Now" }, { "kind": "p", "text": "Un amigo del mismo Coppola al mismo tiempo hacía una apuesta similar en la cantidad, pero diferente en el riesgo. George Lucas invertía en \"El imperio contraataca\" más de 10 millones de dólares que surgían de los beneficios de la Star Wars original. Los buenos resultados de la apuesta sobre la secuela de Star Wars en oposición al enorme fracaso de One From The Heart terminaran siendo una representación bastante fiel del futuro de la industria." }, { "kind": "p", "text": "¿Y qué nos queda? Nos queda el cine. Apocalypse now, a pesar o quizás debido a todos sus problemas se convirtió no solo en una obra de culto, sino que en una obra maestra. La precisión con la que Coppola retrata la ambigua moral estadounidense es una de las formas cinematográficas mejor logradas de la historia. En eso se entiende su opinión sobre el cine y la poesía. El cine, según Coppola, no está destinado a simplemente contar una historia creativa, o que tenga personajes interesantes. Al menos, no es solamente eso." }, { "kind": "p", "text": "El cine según Coppola va más de decir lo mismo que dirías en una cena casual, pero de una forma artística y profunda que, de alguna manera, sea superadora. Se pueden dedicar miles de palabras más para hablar de qué significa esta ambigüedad o qué dice el mismísimo rodaje de la película de la película en sí, pero hay algo en la poesía cinematográfica que es prácticamente imposible de definir en palabras y que hace que el cine sea el cine. Ese algo es por lo que luchó, lucha y quizás siga luchando Coppola, junto a muchos otros directores." }, { "kind": "p", "text": "¿Valió la pena todo ese esfuerzo? A Coppola le costó prácticamente 5 años de vida, a Martin Sheen le costó casi su propia vida y a los centenares de personas que participaron del rodaje en el medio de la selva, más de lo mismo. Esa no se si es una pregunta que se pueda responder." } ] }, { "slug": "1980-heavens-gate", "title": "Heaven's Gate", "filmTitle": "Heaven's Gate", "year": 1980, "director": "Michael Cimino", "num": "XIII", "kicker": "Capítulo 13", "cover": "/fotogramas/heaven2.jpg", "poster": "/fotogramas/heavens-gate-poster.jpg", "rating": 4, "excerpt": "Un cine moría y otro nacía. El desastre de La puerta del cielo dejó un mantra en la industria: nadie quería ser responsable del próximo fracaso. Los 80 pertenecerían a las franquicias.", "related": [ "1963-cleopatra", "1979-apocalypse-now", "1974-padrino-parte-ii", "1962-lawrence-arabia" ], "relatedFull": [ { "type": "critica", "slug": "1963-cleopatra", "score": 20 }, { "type": "critica", "slug": "1979-apocalypse-now", "score": 20 }, { "type": "critica", "slug": "1974-padrino-parte-ii", "score": 12 }, { "type": "critica", "slug": "1962-lawrence-arabia", "score": 12 } ], "blocks": [ { "kind": "p", "text": "Ya es algo quizás demasiado frecuente en esta sección el hablar de películas con producciones complejas, presupuestos abultados y riesgos llevados a la máxima expresión, pero el caso de esta semana es, sin lugar a dudas, al que peor resultados llegó y el que más consecuencias dejó en la industria. Una industria que, de buenas a primeras, le estaba complicando cerrar los números de algunas superproducciones de autor, mientras que por el otro lado veía el éxito impresionante de lo que se iba a convertir en la cultura pop de los 80, el cine pochoclero y todo lo que hoy conocemos como \"la narrativa mainstream\"." }, { "kind": "p", "text": "El caso de La puerta del cielo fue, sin embargo, el que dejó la campanada final en esa lucha. United Artists, la productora del film, cargó con las consecuencias del fracaso, y su legado a partir de aquel fallido estreno comercial fue el de ser la película que terminó de finiquitar y finalizar aquella era dorada del Hollywood de los 70." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/destaca-heaven-2.jpeg", "alt": "" }, { "kind": "p", "text": "Esta productora no era cualquier otra. Fundada en 1919 por Charles Chaplin, D.W Griffith (que después de protagonizar el primer numero de la sección vuelve a aparecer simbólicamente aquí), Mary Pickford y Douglas Fairbanks, United Artists se fue haciendo fama dentro de la industria como una productora con una visión muchísimo más abierta sobre el arte cinematográfico. Justamente dos de los miembros fundadores eran, efectivamente, directores que habían sido rechazados o maltratados dentro de las estructuras de otros grandes estudios de la época." }, { "kind": "p", "text": "Griffith estaba cancelado dentro del sistema de estudios (y no por hacer una de las películas más racistas de la historia, sino por su película siguiente, un fracaso comercial inéditamente colosal para la época) y Chaplin buscaba una estructura de trabajo que le permitiera total libertad artística. Con el tiempo y el apoyo de estos y otros directores, United Artists ganó prestigio y produjo algunos de los films más importantes de la historia estadounidense, haciéndose un lugar al lado de las grandes productoras como Warner o Columbia Pictures." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/1980-heavens-gate-cover.jpg", "alt": "" }, { "kind": "p", "text": "La visión independiente y libre de United Artists fue clave para su posicionamiento, pero el fracaso de Cleopatra en los 60 sumado a sus propios fracasos como productora hicieron que la misma fuera adquirida por una empresa financiera llamada Transamerica Corporation. Esta alianza facilitó a que la productora subsista económicamente, pero como veremos, dejó algunos conflictos internos que terminaron posibilitando la existencia del film de hoy." }, { "kind": "p", "text": "En los 70, United Artists comenzaba a enfrentar una situación bastante particular. Habían producido films de gran renombre como Rocky o Annie Hall, pero también habían sido parte de la distribución y producción de películas como Cowboy de medianoche o El último tango en parís, que fueron arduamente criticadas por ser demasiado adultas y explicitas, ambas con calificación X (para mayores de 18 años) y repletas de polémica. Transamerica, el holding financiero que contenía la productora, no estaba contento con que su nombre quede asociado a películas \"tan extremas\" y luego de una batalla entre ejecutivos, la productora queda a cargo de nuevas y supuestamente más cautas manos. Nada más lejos de la realidad." }, { "kind": "p", "text": "Dentro de esta nueva dirección, la productora buscaba tener su primer hit comercial para remarcar y empoderar la marca. En el medio de esa búsqueda, Michael Cimino ganaba el premio Óscar al mejor director por su film El francotirador, una película bélica que fue una de las primeras en hablar críticamente sobre la guerra de Vietnam. United Artists vio en Cimino un supuesto autor sin igual, y lo llamaron para producirle algún film." }, { "kind": "p", "text": "La idea era hacer una película que rompiera la taquilla y sea un éxito igual de grande que El francotirador. El presupuesto otorgado originalmente fue, entendiendo esto, bastante abultado. Más de 11 millones de dólares fueron previstos, para un film de época que iba a contar la lucha entre la asociación de granjeros y los inmigrantes europeos en el siglo XIX, narrada en un tono western y con presencia de grandes actores. Esto último, sin embargo, no llegó a lograrse del todo." }, { "kind": "p", "text": "Muchos de las estrellas consultadas no se interesaron por el proyecto, y el presupuesto comenzaba a elevarse para poder así tentar nombres más potentes. Christopher Walken y John Hurt dijeron que si, pero otras estrellas como Henry Fonda, James Stewart, Jane Fonda y hasta el mismísimo John Wayne, quedaron fuera. Todos ellos en la lista de requeridos por el director y que, por una cosa u otra, no terminaron en el film. Cimino quería llenar de estrellas la película, y el presupuesto no estaba para eso." }, { "kind": "img", "src": "/fotogramas/heavens-gate-5.jpg", "alt": "Fotograma de Heaven" }, { "kind": "p", "text": "Aún así, lo que iba a salir 11 millones no salió 11 millones. Secuencias costosísimas, miles de extras y un detallismo absoluto llevó a La puerta del cielo a costar 4 veces su presupuesto original. Los productores, seguían aprobando incrementos de presupuesto, pero nunca se esperaron un recibimiento tan negativo. El primer corte del film llegó a durar más de 5 horas, y luego de acortarlo por pedido de United Artists, el film llegó a las 3 horas y 39 minutos. Este corte si fue estrenado comercialmente, pero fue destrozado por la crítica de la época." }, { "kind": "p", "text": "Quizás con un tono demasiado violento, los críticos de la época asesinaron el prestigio de Cimino y la película tuvo una primera semana con poquísimos espectadores. Luego de este primer fiasco, la productora sacó el film de las salas y Cimino re-editó el film a una versión de 2 horas y 29 minutos, la cual fue aún peor que la anterior y terminó de catapultar el camino de la película. 44 millones gastados para solo recibir poco más de 3 millones en taquilla, con toda la crítica devastándola y los recientes ejecutivos de United Artists como cabezas a ejecutar. El resultado fue aún peor." }, { "kind": "p", "text": "Transamerica Corporation decidió dejar de hacer películas y le vendió la productora a MGM. De esa manera, una de las productoras de cine independientes más importantes de la historia quedó fuera del mapa cinematográfico. La carrera de aquel prometedor Michael Cimino quedó marcada para siempre, y los poquísimos films que dirigió después quedaron siempre envueltos en rodajes complicados, presupuestos no respetados y una infama total como lunático y caprichoso." }, { "kind": "p", "text": "Un fenómeno que se venía forjando durante los 70 se terminó de materializar en 1980, luego del estreno del film. Los productores de cine se crearon su propio mantra. No queremos ser los responsables de la próxima \"La puerta del cielo\". Mientras tanto, Star Wars: El imperio contraataca generaba más de 500 millones de dólares en taquilla, a la par de que Spielberg comenzaba a escribir el guion de E.T y Robert Zemeckis empezaba a pensar en el guion de Volver al futuro. Un cine moría y otro cine nacía." } ] } ];